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Sculpture hellénistique
la le Groupe Laocoon, copie en marbre d'un original en bronze de la seconde moitié du deuxième siècle avant JC

la sculpture hellénistique est la production d'art plastique dans le monde hellénique qui est traditionnellement donné par 323 BC (Mort de Alessandro Magno), Le 31 BC (Bataille d'Actium et la chute du dernier royaume hellénistique). Elle diffère de la période précédente dans ses événements les plus créatifs avec un renouvellement formel solide, le thème et le contenu. Du point de vue formel tous les locaux posés par Lisippo Ils sont exploités et développés, tant en ce qui concerne la relation de travail avec l'espace et avec l'utilisateur, aussi bien dans les apparences de surface avec l'accentuation de la lumière et de l'ombre et la recherche sur la modélisation des corps et des draperies, puis avec l'autre élaboration du « groupe de sculptures », chère maître Sicione, qui acquiert en période hellénistique structure particulièrement complexe. Les innovations de thèmes sont d'un côté la physionomie de traitement portrait, même dans son évasion idylle psychologique, sociale et ethnique, l'autre pastorale.[1]

contexte historique

Sculpture hellénistique
Un relief votif rural (environ 200 avant JC), Glipoteca, Monaco

Philippe II de Macédoine, après une période de combats sanglants entre les cités grecques, il avait réussi à imposer son hégémonie et ses exploits militaires ont été poursuivis par son fils Alessandro, qui, à la tête d'une armée, il a réussi à conquérir de façon inattendue et imposer une nouvelle forme de gouvernement "Asie mineure, l 'empire perse, la Mésopotamie, l 'Egypte, la Syrie et l 'Asie centrale. Avec sa mort soudaine l'empire fut partagé entre ses généraux: Antigonus a pris la Macédoine (Y compris la Grèce) Séleucus la plupart des anciens territoires de l'Empire perse (Asie Mineure, la Mésopotamie, la Syrie, les territoires d'Asie), Ptolémée L'Egypte, la Palestine, et d'autres zones côtières de la Méditerranée orientale. De chacun d'eux, avec les descendants des dynasties des hauts et des bas, ils ont régné jusqu'à la conquête romaine. Un peu plus tard aussi formé le royaume de Pergame (263 BC), Sous la dynastie des Attalides, qui a dominé une grande partie de la mer Egée[2].

Dans le nouveau gouvernement, il encourageait le règlement des colons grecs et les Macédoniens en particulier, qui a couvert un rôle de premier plan dans la société. À l'exception des zones peuplées par les Grecs entièrement, dans de nouveaux domaines, il manifeste un échange prolifique et continu entre dominants et dominés la population locale, qui a influencé la vie économique, sociale, politique et même artistique, donnant naissance à quelque chose de nouveau. Bien que les anciennes institutions Polis, où ils existent, pour survivre, le gouvernement était entre les mains d'un souverain (basileus) Rencontres d'Alexandre, avait donné à sa figure un caractère sacré, l'acquisition d'une attitude typique de la culture orientale, afin de faciliter le gouvernement des domaines aussi vastes. Ces semi-roi divin a supervisé un système économique plus que jamais dynamique et mondialisée, dans laquelle les classes dirigeantes grecques langue commune, la culture et les coutumes[2].

Le changement du système social de la cité signifiait que les écrivains, les philosophes et les artistes se tournent vers de nouveaux objectifs, plus strictement liés à la communauté, comme avant, mais avec un public composé des dirigeants, par les tribunaux aristocratiques ou par des particuliers. L'une des conséquences les plus évidentes est la chute de l'interdiction des images privées dans les lieux publics qui ont favorisé la naissance de portrait physionomique[3]. Les recherches développées dans des domaines plus spécialisés (médecine, philologie, mathématiques, astronomie, sciences natrurali) et est aussi devenu intéressé par les arts visuels de nouveaux phénomènes, comme le réel, maintenant étudié attentivement[3]. Le centre culturel était hellénisme Alexandrie, tout Athènes développé une recherche philosophique avec les écoles de scepticisme, stoïcisme et épicurisme, curieux chaque aspects particuliers âme et la psychologie humaine. Ces questions ne tardent pas à apparaître aussi dans la production artistique[3].

Le lieu privilégié de la production artistique est devenu le tribunal qui a exigé des objets de luxe d'un grand raffinement et où les artistes ont été instruits et préparés chiffres, loin maintenant de la condition artisanale. En outre, le revenu disponible a augmenté des classes dirigeantes, en raison de l'augmentation du trafic, l'augmentation de la demande pour les objets d'art[4].

développement

Sculpture hellénistique
ivrogne, III siècle avant JC
Sculpture hellénistique
L 'Homer aveugle le British Museum.

La sculpture hellénistique couvre près de trois siècles de production, étudiés depuis la fin du XIXe siècle, en l'absence presque totale de sources littéraires, adressée, à partir de la période hellénistique, à l'exaltation du classicisme. Les données récupérées par les fouilles archéologiques ont été ordonnées dans la première moitié du XXe siècle, en utilisant les catégories et la terminologie dérivés de l'art moderne, de sorte que même l'on appelle aujourd'hui « baroque » le parchemin de la production sculpturale et « Rococo » la Rodia.[1] De grands progrès dans l'étude de la sculpture hellénistique ont eu au milieu du siècle avec les découvertes de sperlonga (Villa de Tibère) Et un peu plus loin avec la découverte d'une inscription à Ostie, en rapport avec Firomaco, ce qui a permis une plus grande stabilisation des nouvelles liées à l'art du portrait hellénistique et Firomaco lui-même et à son importance dans la sculpture de parchemin.[1]

Ce fut un essai de Gerhard Krahmer 1923 pour fixer une première subdivision chronologique et formel pour la sculpture hellénistique: la première période hellénistique (330-230 avant JC) qui se développe dans les locaux de lisippee par des volumes solides et des rythmes fermés et dure jusqu'à la création du grande Donarium Pergamon; la hellénisme moyenne (230-150 de B.C.), caractérisé par exaspération des rythmes et accentuation pathétique, jusqu'à ce que frise de Télèphe dell 'Autel de Zeus; hellénistique tardive (150-100 de B.C.) qui tend à une représentation de face de sculptures caractérisé par une forme ouverte qui atteint l'âge d'Auguste.[5] Malgré les nouvelles découvertes et de nouvelles découvertes que la division reste inégalée dans ses aspects fondamentaux, bien que la période hellénistique est parmi les plus difficiles à placer dans les schémas rigides, en raison des très peu de points de référence, le litige au sujet datant des œuvres individuelles ou des histoires et des partitions stylistiques souvent faites sur une base subjective.[6]

La sculpture hellénistique des locaux appartiennent au IVe siècle avant J.-C. Les travaux de scopas, Praxitèle et Lisippo deviennent les modèles absolus pour l'ensemble 'oikoumene (La terre habitée); le dépassement du rythme sculpturale du Ve siècle avant notre ère Il avait déjà paru dans Mausolée d'Halicarnasse, dans la nouvelle Artemision Éphèse et dans les travaux de Léocharès; attention aux formes orientales et une observation plus directe du réel avait déjà égayé la dernière phase de la sculpture grecque classique préparer le mouvement qui a eu lieu dans la période hellénistique,[7] lorsque les cultures locales ont influencé la production artistique pour créer une nouvelle synthèse qui avait très longtemps l'influence culturelle, qui se propagent à une grande partie de la vie artistique de l'Empire romain, donc bien au-delà du 31 BC[3]

Au cours de la sculpture de la période hellénistique va chercher la tendance actuelle réaliste qui a commencé dans la première moitié du Ve siècle avant notre ère, ce qui laisse une certaine manière les idéaux caractéristiques de la période classique de la beauté physique et la perfection. Les gens ordinaires, des femmes, des enfants, des animaux et des scènes domestiques, aux côtés des sujets exotiques (les Noirs, les pygmées, des créatures fantastiques), sont devenus des sujets communs dans la production sculpturale, commandée par des particuliers pour l'ornement des villas et des jardins. A la sculpture décorative typique écoles Rodia et alexandrin, est compensée par la plus classique des œuvres pour les temples et les lieux publics plus liés à la tradition, mais aussi dans ce domaine ainsi qu'une standardisation de la production sculpturale aux formules pures d'imitation, il y avait une recherche de la spectaculaire et inhabituel pour un effet plastique les canons esthétiques de l'art grec.

Certaines des sculptures hellénistiques les plus célèbres comme Nike de Samothrace, la Venus de Milo, la Gaulois mourant et le Groupe Laocoon représenter des thèmes classiques, mais leur traitement est beaucoup plus sensuel, émotif et plein de pathétique ou le théâtre, loin de la beauté austère typique des analogues des sujets de sculpture de la période classique.

Les nouveaux intérêts scientifiques et philosophiques ont conduit à de nouvelles approches dans le domaine des arts visuels, avec l'émergence de tendances jamais explorées auparavant, comme le réalisme et l'intérêt pour la vie privée des individus, et les sentiments et la psychologie[3]. Un exemple est l'apparition des expressions de la douleur, dans des œuvres telles que ivrogne[4] la première moitié du deuxième siècle av. Il se développe au fil des ans le goût de la scène de genre, anecdotique et descriptive, particulièrement populaire à la fin époque impériale hellénistique et romaine.[8]

Portraits

icône Loupe mgx2.svg Le même sujet en détail: Hellénistique Portrait.
Sculpture hellénistique
Portrait de Antiochus III

A l'époque hellénistique a commencé à pratiquer l'art de portrait, jusque-là pratiquement bloquée par l'interdiction de placer des images privées à l'extérieur et par la prédominance des commissions publiques. Premiers portraits riguardarono monarques, souvent représentés avec une aura de dirigeants éclairés destinés à refléter leurs qualités divines[4].

La grande personnalité de Lysippe (portrait officiel d'Alexandre) et l'évolution des conditions sociales et culturelles signifiait que la dernière était passé réticences vers le portrait physionomique et viendrait à des représentations fidèles des caractéristiques physiques et le contenu spirituel des individus. Dans le cadre de la Portrait d'Alessandro Magno il a transformé le défaut physique qui a obligé le chef de file, selon les sources, en gardant leur tête considérablement inclinée sur l'épaule dans une place d'attitude qui semble faire allusion à un ravissement céleste, « une conversation silencieuse avec les dieux »[9]. Ce travail a été la base du portrait du souverain « inspiré », qui a eu une influence durable dans les portraits officiels bien au-delà de la période hellénistique.

Après Lysippe, entre les siècles II et je la Colombie-Britannique, il y avait un très grand développement du portrait physionomique grec, et il considéré non seulement comme les chefs et les hommes particulièrement célèbres, mais aussi simple privé. Ils répandent aussi le portrait d'honneur et le portrait funéraire.

Parmi nous sont les chefs-d'œuvre de cette période, les portraits de Démosthène et Hermarque, basé sur l'apparence des personnages réels (280-270 BC), Le portrait principal 351 Musée archéologique national d'Athènes, (200 avant JC), La tête de bronze d'Anticythère (toujours à Athènes, 180-170 BC environ), le portrait pathétique Euthydemus de Bactriane, etc. Exemple de réalisme de manière portrait est la reconstruction de la Pseudo-Seneca la Musée archéologique national de Naples. Dans les portraits officiels, au lieu de la tendance plus purement « réaliste », il a favorisé donner des portraits d'une valeur plus noble et la valeur, avec plus d'expressions hiératiques et détaché, tels que des portraits de Antiochus III de la Syrie, de Ptolémée III, de Berenice II, de Ptolémée VI, de Mithridate VI etc.[4].

L'école d'Alexandrie

icône Loupe mgx2.svg Le même sujet en détail: art alexandrin.
Sculpture hellénistique
Portrait de Ptolémée I. Copenhague, Ny Carlsberg Glyptothek.

Le règlement en Alexandrie de dynastie ptolémaïque Il a favorisé le développement dans la capitale du royaume d'une sorte de culture grecque. Sa destruction en arabe Âge provoqué la rareté des monuments survivants et une difficulté particulière dans les études, en partie atténuée par la possibilité d'isoler des matériaux sûrs d'origine locale, en les réduisant à des raisons formelles et iconographiques identifiées.[10]

Quant à la sculpture, comme dans d'autres grands centres de production, la culture qui coule à Alexandrie est celui qui vient de Scopas, Praxitèle et Lysippe, qui, rejoignant ainsi la tradition d'artisanat local vient en particulier les résultats de la simplification dans la modélisation. La statue de culte de Sérapis réalisée par Bryaxis était probablement un modèle supplémentaire auquel s'inspirer pour les sculpteurs de la cour, qui, au début du troisième siècle avant JC Ils avaient déjà établi leurs propres normes: lisippeo le réalisme et la fixité du regard traditionnel réunis en mode portrait Ptolémée I stocké à Copenhague, forment un exemple de l'art accompli ptoléméenne qui viendrait à la manière avec les résultats déjà Ptolémée III et Berenice II.[11]

Parmi le goût la plus marquée est pas sans rappeler peinture pariétale, la coroplastica, portraits, caricatures, les sujets de genre, un grand remède dans 'architecture funéraire. Le métier, particulièrement prospère parce que sans les rênes d'une tradition de la petite entreprise familiale, typique de la Grèce continentale et les anciens centres de production, produit et exporte des articles de luxe, des bijoux, une grande quantité de vases en argent, verre teinté et décoré.[12] L'art alexandrin est particulièrement nette dans glyptographie.[13] Parmi les travaux reçus à nous, nous nous souvenons de la Giza Gallo (Musée du Caire), Et les portraits, la forme picturale de expressionnistes Homer aveugle et Pseudo-Seneca.[production alexandrin?]

L'école de Pergame

icône Loupe mgx2.svg Le même sujet en détail: Pergamon école.
Sculpture hellénistique
détail de gigantomachia dall 'Autel de Pergame.

A Pergame, gouverné par la dynastie des Attalides, Il a développé une école locale dynamique. La victoire sur les barbares galati Elle a été célébrée par un Donarium, placé sur une base cylindrique et supportant une série de statues en bronze sans doute, le travail du fondateur Epígonos. Ces travaux ont été perdus, mais ont été reconnus des copies de marbre, vous permettant d'avoir une idée du groupe sculptural. Ceux-ci comprennent les Gaulois mourant et suicide galata, où les guerriers sont soigneusement caractérisés par ethniquement, avec des pommettes hautes, longues mèches de cheveux, la moustache et de la chaîne autour de son cou. Ce sont des détails qui démontrent l'œil analytique des artistes Pergame. Les perdants sont présentés avec des accents pathétiques, qui exaltent la grandeur et la dignité et donc, indirectement, la capacité de l'entreprise[14].

L'aîné de la frise 'Pergamon autel Il contenait un grand gigantomachia avec des chiffres plus importants que le réel (h frise 228 cm, divisée en plaques de marbre locales de 70-100 cm chacun) et sculpté en suivant un complexe de programme universitaire, dont la compilation devait participer philologues de la section locale bibliothèque. En plus des dieux et des géants en fait de nombreuses divinités mineures apparaissent: les géants de l'Est se battent contre les dieux de l'Olympe, au nord contre les nocturnes, au sud contre les forces de la lumière et à l'ouest contre les algues et Dionysus[15]. Certaines inscriptions mentionnent l'activité de nombreux artistes, ainsi que de Pergamon aussi Athènes et Rhodes, bien qu'un seul enseignant avait sûrement de superviser le travail avec une vision unifiée[15]. Le puissant nu Fidia ou des accents dramatiques scopas Ils ont offert l'inspiration pour développer quelque chose de nouveau, accentuant de nouvelles poses dynamiques et de plus en plus clair-obscur par l'utilisation fréquente de foret[16]. Le pathos semble accentué pour devenir théâtral, amplifiant les formes et les passions autant que je l'ai fait parler d'art « baroque ». Les lignes obliques prévalent et exacerbent le mouvement des personnages, qui, empêtré convulsivement, augmentent l'implication émotionnelle du spectateur[16].

L'école de Rhodes

icône Loupe mgx2.svg Le même sujet en détail: Rodia école.

Rhodes Il était un centre maritime animé, centre commercial et culturel, célèbre pour les écoles philosophie, science, littérature et rhétorique, que pour rivaliser avec les Alexandrie. Symbole citoyen fierté a été perdu colosse, érigé en 292 BC et construit en bronze, pour une hauteur totale d'environ 32 mètres. Ces entreprises ont favorisé la création d'un école de sculpture, marbre et bronze, qui est vite devenu très populaire[17].

Un exemple typique de la virtuosité des sculpteurs Rhodes est la Nike de Samothrace (A propos de 200-180 BC), représentant une victoire ailée sur la proue d'un navire. Il est investi par un vent fort, qui donnera le drapé soyeux du corps, la dynamique risaltandone et le gonflement des plis jamais compétences schématiques, extrêmement virtuoses. Une autre œuvre très célèbre est sculpté à Rhodes le Groupe Laocoon, Peut-être copier par les sculpteurs Agésandre, Atanodoro et Polidoro un bronze coulé à Pergame au deuxième siècle avant JC Dans les mêmes mains sont également appelées les statues de Groupe Polyphème et d'autres statues trouvées dans la grotte de Villa de Tibère à sperlonga en 1957[17].

notes

  1. ^ à b c Beschi 1994, dans les CEA, sous vide, art grec.
  2. ^ à b De Vecchi-Cerchiari, cit., P 80.
  3. ^ à b c et De Vecchi-Cerchiari, cit., P 81.
  4. ^ à b c De Vecchi-Cerchiari, cit., P 82.
  5. ^ Giuliano 1987,  pp. 940-941.
  6. ^ Charbonneaux, Martin, Villard 1985,  pp. 333-335.
  7. ^ Charbonneaux, Martin, Villard 1985,  p. 201.
  8. ^ Giuliano 1987,  pp. 948-949.
  9. ^ Bianchi Bandinelli, 1984, cit., P 247.
  10. ^ Giuliano 1987,  p. 997.
  11. ^ Giuliano 1987,  p. 997-1002.
  12. ^ Bianchi Bandinelli 1986,  p. 81.
  13. ^ Les muses 1964,  pp. 116-119.
  14. ^ De Vecchi-Cerchiari, cit., P 84.
  15. ^ à b De Vecchi-Cerchiari, cit., P 85.
  16. ^ à b De Vecchi-Cerchiari, cit., P 86.
  17. ^ à b De Vecchi-Cerchiari., Cit., Pp. 87-89

bibliographie

  • Divers auteurs, les muses, Novara, De Agostini, 1964.
  • Gisela M. A. Richter, art grec, Turin, Einaudi, 1969.
  • Jean Charbonneaux, Roland Martin; François Villard, La Grèce hellénistique: 330-50 BC, Milan, Rizzoli, 1985.
  • Ranuccio Bianchi Bandinelli, Enrico Paribeni, L'art de l'antiquité classique. Grèce, Turin, UTET Bibliothèque, 1986 ISBN 88-7750-183-9 ..
  • Antonio Giuliano, art grec: l'âge classique à l'époque hellénistique, Milano, L'Essayeur, 1987.
  • L. Beschi, art grec, en Encyclopédie art oriental classique et ancienne: Selon supplément, Roma, Institut de l'Encyclopédie italienne, 1994.
  • Julian A., Histoire grecque Art, Carocci, Roma 1998 ISBN 88-430-1096-4
  • Pierluigi De Vecchi et Elda Cerchiari, art temps, Volume 1, Bompiani, Milan 1999. ISBN 88-451-7107-8

Articles connexes

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