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rococo
la Salon ovale dell 'Hôtel de Soubise de Paris.
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la Basilique des Saints Alexandre et Théodore à Ottobeuren

la rococo il est l'un style décoratif développé Espagne dans la première moitié de XVIIIe siècle comme une évolution de baroque tardif. Il se distingue par une grande élégance et somptuosité des formes, caractérisées par la ramification en boucles et de légères ondulations arabesque floral. Elles sont exprimées principalement dans le décorations, dans 'mobilier, en mode et dans la production d'objets.

Le terme « Rococo » est dérivé français Seed, mot utilisé pour indiquer un type de décoration réalisée avec des pierres, des pierres et des coquillages, utilisés comme embellissement des pavillons jardin et grottes. Le Rococo né France, autour des années trente du XVIIIe siècle, sous le règne de Louis XV.

Mettant en vedette la délicatesse, la grâce, l'élégance et la luminosité et la joie se sont en contraste frappant avec la lourdeur et les couleurs les plus fortes adoptées par la période précédente baroque. Les motifs Rococo tentent de reproduire le sentiment typique de la vie aristocratique libre de soucis ou d'un roman de lumière plutôt que des batailles héroïques ou des personnalités religieuses. à la fin de XVIIIe siècle Rococo est à son tour remplacé par le style neoclassic.

Rococo semble être une combinaison du mot français rocailles (Conch shell) et le mot italien baroque. Depuis ce style comme les courbes naturelles comme celles trouvées dans les coquilles et se spécialise dans les arts décoratifs, certains critiques ont eu tendance à considérer par erreur frivole et liée à la mode. Le Rococo terme a également été acceptée par les historiens de l'art du milieu XIXe siècle et bien qu'il y ait encore des discussions sur l'importance historique de ce style, le Rococo est maintenant largement considérée comme une période importante de développement pour l'art et la culture européen.

Du baroque au rococo

Après l'opulence du baroque, qui avait prospéré tout au long de la XVIIe siècle de grands artistes tels que le comptage Gian Lorenzo Bernini, Francesco Borromini et Pietro da Cortona, tôt XVIIIe siècle, Il est né en France le style Rococo. Elle se développe en tant que raisons de traitement extrêmes déjà présents dans le baroque, en particulier dans la décoration intérieure et l'ameublement, ainsi que dans de petits objets en céramique.

rococo Histoire

Le style rococo français a d'abord été utilisé dans les arts décoratifs et design d'intérieur. La succession au trône de Louis XV de France Il a apporté un changement dans les artistes de la cour et généralement à la mode du temps. Vers la fin du règne précédent, le riche typique des motifs baroques étaient déjà donner de l'espace à des éléments plus légers avec plus de courbes et de motifs naturels. Un premier signe de l'évolution a eu lieu sous la régence de Philippe II d'Orléans où les lignes douces et les couleurs pastel gagnent la rigueur et des couleurs vives. Un exemple est la Galerie Dorée dell 'Hôtel de Toulouse à Paris.

Ces éléments étaient déjà évidents, et a constaté, par exemple, dans les conceptions architecturales de Germain Boffrand et son élève Nicolas Pineau. Sous le règne de Louis XV de la vie de la cour, il a déménagé quelques mètres du bâtiment Versailles ce qui porte le changement artistique dans le palais royal et permettant sa diffusion dans la haute société française. La délicatesse et la joie des raisons Rococo ont souvent été considérées comme une réaction aux excès dans le système de Louis XIV. Opera est son magnifique spécimen Hôtel de Soubise Paris.

la 1730 Il a représenté la période de la plus grande vitalité et le développement du Rococo en France. Le style a évolué bien au-delà et l'architecture a également frappé les meubles, la sculpture et la peinture. Parmi les œuvres les plus exemplaires sont ceux des artistes Germain Boffrand pour l'architecture; Lambert-Sigisbert Adam, la sculpture par; et Jean-Antoine Watteau, François Boucher et Jean-Marc Nattier, pour la peinture.

Le Rococo toujours maintenu le goût baroque toutes les formes complexes et complexes, mais à partir de ce moment-là ont commencé à intégrer des caractéristiques différentes et originales telles que l'inclusion des thèmes orientaux ou des compositions asymétriques.

Le style Rococo répandu en grande partie par les artistes français et aux publications de l'époque. Il a été facilement acceptée dans les régions catholiques de Allemagne, Bohême et Autriche où il a été « fusionné » avec le baroque allemand. En particulier dans le sud, Rococo allemand a été appliqué avec enthousiasme dans la construction des églises et des palais; architectes addobbavano souvent avec leurs « nuages ​​» internes de stuc blanc. en Italie le style baroque tardif de Francesco Borromini et Guarino Guarini Il a évolué pour Rococo turin, Venise, Naples et Sicile, tandis que dans toscane et Rome l'art était encore fortement liée au baroque.

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Un intérieur rococo

en Angleterre Le nouveau style a été considéré comme « le goût français pour l'art », les architectes britanniques ne suivent pas l'exemple de leurs collègues continentaux, pourtant l'argenterie, la porcelaine et la soie ont été fortement influencés par Rococo. Thomas Chippendale transformé Anglais look mobilier à travers l'étude et l'adaptation du nouveau style. William Hogarth Il a contribué à créer une théorie sur la beauté du Rococo; volontairement sans référence au nouveau style, il a déclaré dans son Analyse de la beauté (1753) Que courbes S dans le Rococo étaient la base de la beauté et de la grâce présente dans l'art et la nature.

La fin du Rococo commence autour 1760 quand les gens de Voltaire et Jacques-François Blondel déplacer critique à la superficialité et la dégénérescence art. Blondel, en particulier, se plaignait de 'mélange incroyable de coquillages, des dragons, des roseaux, des palmiers et des plantes dans l'art contemporain. en 1780 arrête Rococo être à la mode en France et est remplacé par l'ordre et de la gravité du style néoclassiques dont le porte-étendard est Jacques-Louis David.

Le Rococo reste populaire dans la province et en Italie jusqu'à la deuxième phase du néoclassicisme, le soi-disant "style Empire« Quand grâce au gouvernement napoléonienne Il est définitivement balayé.

Un regain d'intérêt pour le Rococo est entre la 1820 et 1870. L 'Angleterre Il est le premier à revaloriser le « style Louis XIV », comme il a été appelé à tort le début, et de payer beaucoup d'argent pour acheter des objets Rococo de seconde main qui pourrait être trouvé à Paris. Mais les artistes aussi importants tels que Delacroix et les clients tels que l'impératrice Eugénie français redécouvrent la valeur de la grâce et de légèreté appliquée à l'art et du design.

Le Rococo appliqué aux arts

Meubles et objets de décoration pendant la période Rococo

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Détail d'un confessionnal rococo style Joseph Anton Feuchtmayer

thèmes légers mais la conception de Rococo complexes mieux adaptés à des objets à petite échelle plutôt que d'imposer (ainsi que plutôt dans le baroque) dans l'architecture et la sculpture. Sans surprise, le Rococo français a été utilisé principalement à l'intérieur des maisons. figurines en porcelaine, argent et surtout les meubles, ont commencé à appliquer le Rococo quand la haute société française a tenté de fournir leurs maisons dans le nouveau style.

Le Rococo aime le caractère exotique art chinois en France et se livre à la production de ce qu'on appelle Chinoiserie, les [[Cineserie]] de la porcelaine et de céramique pour la table, des panneaux muraux, des écrans. En Allemagne, ils créent des pavillons grandioses et pagodes dans les jardins, comme la belle Chinesische Haus la Parc Sanssouci à Potsdam.

Une dynastie ébénistes Parisiens, dont certains sont nés en Allemagne, Il développe un style de lignes et de courbes sinueuses en trois dimensions, où les surfaces Parement Ils sont complétés incrustations matériaux précieux, tels que bronze, bois précieux, coquille, marbre, ivoire, nacre. Les principaux auteurs de ces emplois correspondant aux noms Antoine Gaudreau, Charles Cressent, Jean-Pierre Latz, Françoise Oeben, Jean-Henri Riesener et Bernard van II Risenbergh.

designers français tels que François de Cuvilliers et Nicolas Pineau, exporter le style Monaco de Bavière et Saint-Pétersbourg, tandis que l'allemand-Aurèle Meissonier Juste, il a déménagé à Paris. Le fondateur et précurseur du Rococo à Paris, cependant, était Simon-Philippe Poirier. En France, le style est resté assez sobre et caractérisé par une extrême élégance et de raffinement, comme ornements, principalement en bois, étaient moins massifs et est apparu comme un mélange de motifs floraux, des scènes, des masques grotesques, des peintures et incrustations pierres semi-précieuses. en Bavière et généralement en Allemagne du Sud, cependant, le style est devenu vraiment riche et redondant de façon à créer une véritable merveille.

Le Rococo anglais tend à être plus modérée, un peu pour des raisons puritanisti et un peu pour économiques. Le concepteur de meubles Thomas Chippendale maintient les lignes courbes, mais écourtée avec signes extérieurs coûteux français. Le plus grand représentant de Rococo anglais était probablement Thomas Johnson, un concepteur de sculpteur et d'un mobilier actif Londres dans le milieu des années 1700.

En Italie, le plus grand représentant de la fourniture de Rococo est le cabinetmaker et woodcarver Pietro Piffetti, Actif à Turin de la troisième décennie du « 700 et 1777. A partir de 1731 est devenu le premier cabinetmaker Carlo Emanuele III et beaucoup de la production sera destinée à la Maison de Savoie. Le style de signature Piffetti est exprimée, contrairement au style Chiappendale, non pas tant dans les courbes que la richesse sculpture à l'utilisation trop de matériaux précieux (ivoire, écaille de tortue, argent, etc.). est particulièrement frappant la Bibliothèque réalisée pour la Villa della Regina à Turin et maintenant Palazzo del Quirinale.Piffetti Bibliothèque - Palais du Quirinal

architecture

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La saillie centrale de Palais électoral de Trèves.

Apparaissant pour la première fois dans certains environnements Versailles, Rococo a été ravivé dans certains immeubles parisiens comme 'Hôtel de Soubise, puis il rayonnait dans toute l'Europe.

la château Solitude à Stuttgart, église bavaroise Wies, et palais Sanssouci à Potsdam l'architecture Rococo sont quelques exemples en Europe. Dans ce contexte continental, où Rococo est entièrement sous contrôle, les sculptures sont exprimées sous la forme d'ornement floral, les lignes interrompues et des scènes fantastiques.

En Allemagne, les artistes français et allemands comme Cuvilliés, Johann Balthasar Neumann et Georg von Knobelsdorff Wenzeslaus, Ils ont réalisé la construction du Pavillon Amalienburg, dans le parc Château de Nymphenburg à Monaco de Bavière, et les châteaux de Wurzburg, Sans-Souci à Potsdam, Charlottenburg à Berlin, Brühl en Westphalie, Bruchsal, château Solitude à Stuttgart et Schönbrunn à Vienne.

Dans la décoration intérieure, Rococo supprime les divisions architecturales architrave, frises et cadres, pour le pittoresque, les curieux et capricieuse, en matières plastiques telles que le bois et le sculpté stuc. Les murs, les plafonds, les meubles et les objets en métal et porcelaine se fondent en une seule entité. Les couleurs de Rococo sont beaucoup plus légers que les couleurs criardes de pastel baroque.

L 'plâtre Rococo les artistes italiens et suisses comme Bagutti et Artari, il est une caractéristique de la construction de Gibbs et les frères de James Franchini, opérant dans Irlande, reproduire quelque chose devait aller de l'avant en Angleterre.

Dans l'une des peintures Angleterre William Hogarth Mariage à la mode, peinte en 1745, montre un ensemble de pièces d'un immeuble à Londres, où le style Rococo se trouve uniquement sur le plâtre et le plafond. Il est ensuite produit une pléthore de vases chinois dans lequel mandarines (Dignitaires impériaux chinois) sont représentés dans un satirique et représenté comme petite monstruosité.

peinture

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scène country de François Boucher, 1747 Musée national de Stockholm.

Bien que le Rococo a eu origine purement des arts décoratifs, le même style, il a montré son influence dans la peinture. Les peintres utilisés couleurs délicates et des formes courbes, la décoration de leurs toiles avec angelots et mythes de l'amour. Même le portrait était populaire parmi les peintres Rococo. Leurs points de vue étaient pastorales et souvent peint les déjeuners sur l'herbe des couples aristocratiques. Avec un succès considérable dans le contexte aristocratique aussi, il a affirmé la scène galante, variante aristocratique scène de genre, représentant des femmes engagées dans les toilettes, dans les boudoirs, ou des rituels hédonistes qui sont un symbole d'une vision plus perspicace et de l'art du monde.

Le grand intérêt trouvé dans la recherche rationnelle de la réalité expression dans les vues de peinture (peinture de paysage). Caractérisé par la représentation fidèle des lieux et des paysages, la peinture de paysage présente des fins documentaires, conformément aux indices optiques obtenus à partir d'une vision directe de la réalité. Ceci est généralement dit en particulier avec le tourisme culturel grand Tour. Un grand succès dans les vedutistico, a été le soi-disant caprice. Attaché à la grande taille, le coup de tête a comme objet de paysages purs invention parsemés de ruines classiques effectivement placées dans différents sites.

Jean-Antoine Watteau (1684-1721) Il est considéré comme peintre Rococo le plus important. Il avait une grande influence sur ses successeurs, y compris François Boucher (1703-1770) et Jean-Honoré Fragonard (1732-1806), Deux maîtres de la période tardive. Même la douce mélancolie et toucher Thomas Gainsborough (1727-1788) Reflètent l'esprit Rococo.

sculpture

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Étienne-Maurice Falconet, L'amour menaçant, 1757, Paris, le musée du Louvre.

La sculpture est un autre domaine dans lequel les artistes Rococo ont exploité. Étienne-Maurice Falconet (1716-1791) Il est considéré comme l'un des meilleurs représentants de Rococo français. En général, ce style a été mieux exprimée à travers la sculpture en porcelaine délicate plutôt que celle des statues en marbre et imposantes. Falconet lui-même était directeur d'une célèbre manufacture de porcelaine Sèvres. Les thèmes de l'amour et la joie étaient représentés dans la sculpture, ainsi que la nature et les courbes et les lignes asymétriques.

le sculpteur Edmé Bouchardon (1698-1762) représenté Cupidon occupé à tailler ses traits d'amour du club Hercule; cette statue aujourd'hui conservé au Louvre est un excellent symbole du style Rococo. la demi-dieu est transformé en l'enfant doux, son club brisant les os devient fléchettes frapper au cœur, lorsque le marbre Il est remplacé librement par stuc. A cet égard, on peut citer des sculpteurs français Nicolas Coustou, Guillaume Coustou, Robert Le Lorrain, Michel Clodion et Jean-Baptiste Pigalle.

musique

la style galant était l'équivalent de Rococo en histoire de la musique, ainsi qu'entre musique baroque et musique classique, et il est difficile de définir ce concept avec des mots. La musique de Rococo développé à partir de la musique baroque, en particulier en France. Il peut être considéré comme une performance musicale très intime une des formes extrêmement raffinées. Parmi les principaux représentants de ce courant peut être cité Jean Philippe Rameau et Carl Philipp Emanuel Bach.

Le Rococo en Italie

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détail de Galleria degli Stucchi de Palazzo Pianetti à Jesi.
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Détail de la salle centrale chasse Palais à Stupinigi.

aussi Italie Rococo, par exemple français, il a créé une rénovation remarquable de l'industrie de la décoration intérieure et la peinture. Cela est arrivé surtout dans les régions du Nord (Ligurie, Piémont, Lombardie, Vénétie), Alors qu'en Italie centrale, peut-être à l'influence de l'Eglise, le style n'a pas développé beaucoup. Une exception est la ville de Marche Jesi qui en voulait une certaine influence autrichienne grâce aux actions héroïques de la famille du marquis du service Pianetti Habsbourg dans 'Siège de Vienne contre Turcs. Plus doit être dit pour la Sicile; Ici, il a développé une évolution baroque mais un goût plus hispanique et très semblable à plateresco.

architecture

Les plus grands artistes de la Rococo 'architecture ils sont Filippo Juvarra, qui a travaillé très turin architecte Maison de Savoie, Luigi Vanvitelli et Tani Mazzitelli, qui a travaillé pour Bourbons de Naples.

Parmi les réalisations les plus importantes de Filippo Juvarra comprennent: la dôme de Basilique Sant'Andrea à Mantova, le dôme Cathédrale de Côme, la beffroi de Cathédrale de Bellune, la chasse Palais à Stupinigi, la Venaria, la Basilique de Superga et Palazzo Madama à Turin.

peinture

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Piazza San Marco, avant 1723, peint par Canaletto

Dans la peinture grands interprètes des artistes peuvent être considérés comme Rococo qui travaillent dans Venise; parmi les figures les plus importantes peuvent être envisagées: Giambattista Tiepolo qui rappelle Portrait d'Antonio Riccobono, San Rocco et Hercules suffocant Antaeus; Canaletto qui a créé des œuvres dont: Piazza San Marco, San Cristoforo San Michele et Murano, Les chevaux de San Marco sur la place, Le champ du Rialto à Venise et Paysage de rivière avec colonne et arc de triomphe; Francesco Guardi qui a peint environ huit cent soixante œuvres entre lesquelles ils se souviennent Miracle d'un saint dominicain, Concert des dames au Casino Philharmonic et la Charité.

sculpture

Dans le domaine de la sculpture, pour les plus pauvres en vérité, cette fois-ci, il se Giacomo Serpotta que, en particulier dans Palerme, œuvres produites pour plusieurs églises de la ville, parmi lesquels on peut citer l'Oratoire de Santa Cita, la San Lorenzo et Rosario San Domenico et l'église Saint François d'Assise. Quelques sculpteurs qui ont créé des fontaines Rome et Reggia di Caserta Ils peuvent être considérés comme inspirés par le style rococo.

Rococo et l'Eglise catholique

Une vision critique du Rococo dans des contextes ecclésiastiques a été soutenu par 'Encyclopédie catholique. Pour l'église, il a été dit, le style Rococo peut être comparé à musique profane, par opposition à musique sacrée. Son manque de simplicité, son apparence extérieure et la frivolité ont un effet qui distrait de la prière et de recueillement. Sa douceur et de grâce ne sont pas adaptés à la maison de Dieu. A cette déclaration est opposé aujourd'hui à beaucoup de critiques, qui voit dans l'expression raffinée du style Rococo plus proche de la grâce et la beauté du paradis.

Dans le développement Rococo, il trouvera un décor compatible avec l'aspect sacré des églises. En tout cas, il est très différent si le style est utilisé sous forme modérée que les maîtres français, ou l'opulence extrême des formes d'artistes allemands.

Les artistes français semblent avoir jamais vu la beauté de la composition de l'objet principal, tandis que les Allemands ont fait des lignes de impressiveness de leur but le plus important.

Pour les grands objets, la sculpture Rococo peut réussir, mais quand ce graciousness être contournée il y a une ressemblance avec le baroque. Les éléments imaginatifs de ce style qui sied mal avec de grands murs des églises. En tout cas, tout devrait être aligné aux conditions locales et des circonstances. Parmi les matériaux utilisés dans le style rococo, ils comprennent le bois sculpté, fer et bronze utilisé dans la construction de balustrades et garde-corps. Une caractéristique distinctive est le brunissement qui rend les matériaux métalliques froids plus acceptables pour l'inclusion dans un environnement non-profane.

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Articles connexes

  • anacréontique Poésie
  • meubles de style Rococo Histoire #

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liens externes

  • art rococo, en Treccani.it - ​​Encyclopédies en ligne, Institut Encyclopédie italienne, le 15 Mars 2011. Récupéré le 25 Octobre, 2013.
  • rococo, en thésaurus la Nouvelle rubrique sujet, BNCF, Mars 2013. Changement de Wikidata
  • (FR) Des exemples de Rococo, bergerfoundation.ch.
  • rococo, en Dictionnaire historique de la Suisse.
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