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musique contemporaine
origines stylistiques musique romantique,
dodécaphonisme,
Seconde Ecole de Vienne
Les origines culturelles Europe et États-Unis, 1945
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Musique électroacoustique - La musique concrète - Musique expérimentale - rock Art - musique minimaliste - Musique post-moderne - Musique spectrale
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Histoire de la musique

Catégorie: Histoire de la musique
Catégorie: Musique pour l'année


Musique dans le monde antique · médiéval · Renaissance · baroque · classique · romantique · moderne · contemporain

Préhistoire et Antiquité

Moyen âge

Renaissance

XVIIe et XVIIIe siècles

huit cents

XXe siècle

en histoire de la musique, la musique classique contemporaine, ou tout simplement musique contemporaine, est la musique composée à la fin de Guerre mondiale aujourd'hui. Il peut être considéré comme genre de musique classique[1], à son tour divisée en plusieurs sous-genres et les courants qui se sont développés depuis le 40s à nos jours, nous cherchons des moyens en dehors de système tonal utilisé Ouest de XVIIe siècle.

enracinée dans musique romantique, à laquelle nous sommes opposés, et la musique moderne tournant du siècle (atonalité, dodécaphonisme, Seconde Ecole de Vienne etc.), ce qui constitue un développement.

Le débat sur l'utilisation de la définition est toujours ouverte, parce que certains comprennent dans cette catégorie toute la musique composée à ce jour, quel que soit le style adopté, tandis que d'autres mettent l'accent sur l'utilisation de la musique d'avant-garde. Une autre différence est d'inclure la musique contemporaine toute la musique composée en XX et XXI siècle, ou tout simplement celui composé par des auteurs vivants.

« Une fois la définition de la musique contemporaine sont inclus la tendance pour la recherche et l'expérimentation, il a commencé à définir l'expression musicale contemporaine, sous quelque forme qui appartenait à notre époque. Puis il se définir ce type de recherche que la musique d'art, mais maintenant nous avons tendance à appeler la musique d'art, ainsi que le rock, le jazz et l'écriture de chansons. J'ai le plus grand respect pour ce genre de musique, pour le talent et le professionnalisme des auteurs de beaucoup de belles chansons, ceux qui restent dans le cœur et accompagnent nos vies. Mais ce glissement constant du sens des mots me préoccupe, la musique et plus »

(Luciana Pestalozza, en Milan, atelier de musique du XXe siècle. Écrit par Luciana Pestalozza, 2009)

Dans la musique contemporaine, ils trouveront de nombreux festivals spécialisés, tels que la Donaueschingen Festival de musique contemporaine de, la saison des concerts de l'Ensemble Intercontemporain, le Festival de Aix-en-Provence, à luzerne, l'examen Wien Modern, festival dernier de Oslo, le Festival de musique contemporaine Huddersfield, le Festival de musique tremble, le Festival de musique contemporaine Sydney Symphony, la Société internationale pour le Festival de musique contemporaine (ISCM), Le Biennale musique de Venise, la Festival de musique contemporaine italienne de forlì, les commentaires Milan musique et trajectoires de parme, la pontino festival de latin, le festival temps réel de Florence et le festival De nouveaux espaces musicaux initialement Rome, récemment déménagé à Ascoli Piceno.

Certains compositeurs contemporains ont écrit la musique pour la cinéma, pour théâtre et pour la danse.

subgenres

On peut diviser la musique contemporaine en deux grandes périodes:

histoire

La Seconde Guerre mondiale

la Après la deuxième guerre mondiale Elle a vu la naissance de Cours de composition d'été pour la nouvelle musique, qu'ils ont eu lieu tous les deux ans à l'Institut international de la musique de la ville allemande de Darmstadt, et qui a révolutionné le langage musical de la XX siècle. Dominer les cours ont été les techniques de composition en série, sous le signe de la divinité tutélaire Anton Webern. L'un des enseignants les plus influents dans les premières années Darmstadt les Français Olivier Messiaen, que dans ses œuvres se sont également félicités des techniques musicales tirées d'un prêt de cultures musicales non européennes, qui faisaient partie de son langage de composition personnelle. Parmi les étudiants Olivier Messiaen Vous pouvez inclure quelques-uns des plus grands compositeurs de la seconde moitié du XX siècle, tels que:

Il convient de noter que l'archive de l'Institut de Darmstadt Il conserve un matériau très important, y compris un important documentation photographique les premières réunions. Les photographies sont disponibles, à partir de 1986, sous forme numérique.

Les années 1950 constituent environ un autre point de discontinuité dans l'histoire de la musique. Le critique Karl Schumann rappelle que la Wirtschaftswunder Il a conduit à un authentique miracle culturel. Depuis les années cinquante, la musique prend beaucoup d'itinéraires alternatifs, parmi lesquels les suivants:

  • Musique aléatoireAndré Boucourechliev, John Cage, Bruno Maderna, Sylvano Bussotti
  • Neodadaismo (autour 1968)
  • La musique concrète: Entre autres, Pierre Schaeffer, Luc Ferrari et Pierre Henry.
  • Expansion des techniques traditionnelles de jeu: George Crumb et le premier Krzysztof Penderecki
  • Application à la musique de concepts empruntés aux mathématiques et la physique: Iannis Xenakis
  • micropolyphonie: György Ligeti
  • musique minimaliste en Amérique: Entre autres, La Monte Young, Terry Riley, Steve Reich, Philip Glass, John Adams. en Europe, Arvo Pärt Il apporte le minimalisme dans la musique religieuse.
  • en AllemagneNouvelle Simplicité, ou "Neue Einfachheit". Parmi les principaux représentants: Hans-Jürgen von Bose, Wolfgang Rihm
  • Nouvelle complexité généralement tendance européenne, genre depuis la soixante-dix avec des auteurs tels que Brian Ferneyhough, Michael et Finnissy Helmut Lachenmann
  • Musique spectrale, en particulier dans France: Les paramètres de composition (l 'harmonie, la rythme et mélodie) Lève-toi de la recherche acoustique sur le son: Hugues Dufourt, Gérard Grisey, Tristan Murail. en Italie Fausto Romitelli.

les années soixante

la sixties élargir considérablement le vocabulaire musical de disposition des compositeurs. La forme de chaque œuvre est nouvelle, souvent née avec le travail lui-même. Les techniques instrumentales sont prises à l'extrême, et vous pouvez parler avec de bonnes raisons musique expérimentale.

Merci au souffle de l'écoulement d'air frais Europe de John Cage, l 'danger indétermination et de devenir une partie des matériaux utilisés dans le procédé de composition et d'interprétation. la Trosième verser des sonates pour piano de Boulez, la mobile de Henri Pousseur, quadrivium et aura de Bruno Maderna Ils sont des « œuvres ouvertes » (selon la définition du plaisir Umberto Eco), Partiellement remonté par l'interpréteur.

si cage Il découle de mysticisme dell 'Extrême Orient son indétermination poétique et à l'écoute, à philosophie Indiana temps tirage Terry Riley et LaMonte Jeune, pères de minimalisme, dont les œuvres, souvent sans un point évident de début et de fin, bouleversant la conception traditionnelle du rythme et de la durée.

cette deconstruction la forme traditionnelle peut-être atteint son apogée, quand ils ont vu quelques critiques au moment de la première, avec Atmosphères de György Ligeti, une piste traversée par un micropolyphonie si épais pour être dans une bande de son essaimage et brillant (cette manière de composer sera définie par un certain musique d'ambiance, précisément en raison de ce titre de travail). Ligeti Il micropolyphonie emploie dans d'autres travaux, tels que Lux Aeterna et loin.

La nouvelle façon de composer nécessite également l'utilisation de techniques inédites instrumentales, telles que des modes particuliers d'émission de vent et arches, arc sur le pont, harmonique, multiphonie etcetera. Une collection exemplaire de nouveaux sons est contenue dans les œuvres de la période de Krzysztof Penderecki, en particulier dans des œuvres telles que De nature Sonoris, Anaklasis, Utrenja. en Mélopée pour les victimes d'Hiroshima, la partie de la 52 instruments à cordes Il n'est plus écrit en notation traditionnelle, mais dans les bandes, où il est souvent donné qu'une indication de la hauteur maximale.

en Italie celui qui a le feu Mario Bortolotto Il définit dans son livre célèbre la « deuxième phase » de la nouvelle musique, avec des auteurs tels que Luigi Nono, Luciano Berio, Bruno Maderna, Sylvano Bussotti, Aldo Clementi, Franco Donatoni, Niccolò Castiglioni, Franco Evangelisti, avec authorial et soutien culturel Franco Nonnis. Souvent formés à Darmstadt, ou influencé par des contacts avec des musiciens américains vivant dans Rome, compositeurs italiens dos joueurs du monde, créant Palerme au premier festival d'envergure internationale.

les années soixante-dix

depuis la soixante-dix, Il débute une forte tendance à 'individualisme, permettant de différencier les compositeurs les styles et de se déplacer librement entre les genres et les matériaux hétérogènes, dans une réflexion sans précédent sur le monde et les cultures. On peut alors parler d'une époque dominée par un pluralité de styles, pas du tout monolithique, où il y a un fort engagement social et compositeurs intellectuels.

Par exemple, György Ligeti Il commence à fondre les influences de la musique de différentes cultures et époques, dans un pastiche stylistique ne manque pas d'ironie. Mauricio Kagel Elle apporte le drame en musique souvent extrêmement agréable. Salvatore Sciarrino Il adopte une langue raréfiée, comme silences badigeonnées, en contraste avec la langue, normalement dense, d'avant-garde. Franco Donatoni, que la phase d'attachement à 'Alea (Ou de l'incertitude), il se déplace vers la redécouverte de l'invention grâce à l'utilisation de codes et de permutation combinatoire. Luciano Berio, Enfin, il reprend la parole Bartók, enrichissant avec les réflexions de Claude Lévi-Strauss et James Joyce, et il rassemble des éléments de différentes cultures (y compris le populaire) dans un tout nouveau langage musical et complexe.

en États-Unis, le groupe de minimalistes (Steve Reich, Terry Riley, Philip Glass, LaMonte Jeune) Le long d'une nouvelle route, complètement original, dans lequel la musique est basée sur la répétition des phrases courtes qui ont tendance à geler le temps (comme dans le cas de verre, qui souvent collaboré avec le metteur en scène Robert Wilson et le réalisateur Godfrey Reggio) ou pour mettre l'accent sur l'idée d'une transformation continue, mettant ainsi le processus d'avant-plan musical (comme dans les œuvres de Reich).

en minimalisme États-Unis Ils se trouvent à la fois les influences de 'Inde et dell 'Extrême Orient, avec leurs conceptions du temps si différentes de celles de l'Occident, qu'un certain mécanisme typique de la modernistic première moitié du siècle avant-garde (Mossolov, Prokofiev, Honegger, Bartók...).

Dans ses expériences continues, aussi György Ligeti Il vient à des résultats similaires dans ses œuvres de la période, notamment dans le Kammerkonzert, et Quatuor pour les chaînes. Les épisodes de répétition se trouvent également dans les travaux de Harrison Birtwistle et Luciano Berio (Les points sur la courbe pour trouver, chorale).

les années quatre-vingts

La décennie qui voit la fin du système politique de 'Europe orientale et l'ouverture de l'Occident à d'autres cultures marque le début d'une période de crise générale, qui a affaibli les idées et les idéologies nées en Après la deuxième guerre mondiale. Les protagonistes de la Neue Musik (né dans le milieu ' vingtaine d'années) Ils sont maintenant des personnes âgées, et consolident leur langue ne fournissent plus de nouvelles mesures de relance. En même temps, il semble y avoir un changement de génération qui peut mettre fin à la crise et donner à la musique forte nouvel afflux qui semble maintenant être nécessaire.

Depuis la fin soixante-dix, Boulez Il est fortement impliqué dans la direction de l'Ircam, le centre de recherche sur la musique et l 'acoustique fondé en Paris avec Luciano Berio (Qui sont déjà engagés dans l'étude de la phonologie Rai de Milan) Et Andrew Gerszo. Ses œuvres grâce à la coopération avec l'Institut, Répons et Dialogue de doubles ombres L', voir l'utilisation de espace en tant que paramètre de composition, presque une continuation idéale des procédures polychorales mis au point par les Vénitiens à la fin Renaissance. en Répons le dialogue entre les instruments réels et les ordinateurs a une forme moderne « responsorial ».

La connexion idéale avec un passé, médité avec le philosophe et librettiste Massimo Cacciari, Il est d'autant plus forte dans le travail du électroacoustiques de Venise Luigi Nono, en particulier dans Prometheus - écoute Tragedy. Dans ce travail, où artistes et le public sont enfermés dans une structure en bois conçue par Renzo Piano, qui agit comme une écoute « virtuelle », l'environnement sonore est émis à partir de différents points et se propage à travers les voies d'air préordonnés et en matières solides, au moyen du mouvement constant de l'acteur, ainsi que les systèmes électro-acoustiques traitées par le SCC (centre de sonologie de calcul) de Padoue.

Au contraire, le pionnier du 'électronique Karlheinz Stockhausen, échappé des cages d'un rationalisme froid depuis le début soixante-dix, Il continue d'approfondir ses relations avec le mysticisme et religions, en commençant la composition du cycle de théâtre musical géant Licht, presque une sorte de roman anneau Wagnérien.

Une retraite similaire dans un monde intérieur, bien moins brillant que celui mis en place par Stockhausen, Il se déroule en italien Franco Donatoni (1927) et Aldo Clementi (1925). Si les premières entreprises dans un labyrinthe mathématique et alchimique où les formules de structure automatique écriture et complexes se combinent dans une langue cryptique et ironique, le second poursuit ses recherches pénibles sur les procédures frais avec des œuvres de polyphonie la vie complexe et très longue.

La recherche d'une « nouvelle clarté »

La crise de années quatre-vingt porte, dans la décennie suivante, certains auteurs pour tenter de revenir au passé, en citant l'échec des expériences d'avant-garde. en États-Unis depuis le début soixante-dix est né le mouvement néo-romantique, parallèle à la nouvelle simplicité (allemand Neue Einfacheit), dont Wolfgang Rihm Il est le plus haut représentant. expressivité interprète originale de cette redécouverte est canadienne-française Claude Vivier, ancien élève de Stockhausen et auteur d'une musique lyrique.

En Italie, nous assistons au développement d'un neotonalismo relativement intégral qui voit ses représentants les plus connus dans certains des compositeurs de la génération milieu des années 50 qui Turin Lorenzo Ferrero et le Milanais Marco Tutino et Giampaolo Testoni.

Une route particulière fonctionne aussi George Benjamin, qui apporte le concept d'intelligibilité et de la musique de série harmonica. dans son Au premier feu rouge, deux accords et une note « polaires » donnent forme l'ensemble des travaux, la création d'un chemin harmonique transparent et clairement compréhensible.

en France, depuis la fin soixante-dix Hugues Dufourt, Gérard Grisey, Lévinas et michaël Tristan Murail, par opposition à l'école de série dirigée par Pierre Boulez, fondé le mouvement spectral, basant leur langue sur l'analyse des phénomènes physiques son plutôt que abstraites relations numériques. Même dans ce cas est remis en état intelligibilité de la verticalité (c.-à-agglomérations harmonique).

En Italie, Salvatore Sciarrino Il récupère la musique de son aspect physique, une matérialité du son qui échappe au risque abstrait.

les années nonante

Pour caractériser la décennie est certainement l'acquisition de nouvelles techniques et technologies, grâce à la diffusion de ordinateur. Le logiciel de musique provient de grands centres de recherche (tels que CCRMA ou Ircam, GRM ou CSC) et permet à chaque compositeur de réaliser dans ses œuvres de studio musique électronique. Le même mode de composition est affectée, avec une large utilisation de 'improvisation.

De nombreuses techniques musique assistée par ordinateur « Éduquées » jeunes musiciens passent extraction « pop », pas souvent disque-jockey avec un goût pour l'expérimentation, qui effectuent avec un ordinateur portable le soir musique portable, ils sont fusionnés différents genres musicaux. Ce mouvementisme trouve son expression dans des formes d'engagement social qui volent aux musiciens et chanteurs plus inextricablement, même dans la défense de leur créativité.[2]

Parallèlement, au cours de la décennie où meurt l'un de ses pères, Gérard Grisey, spreads musique Spectrale (Né dans le courant France dans lequel les auteurs ont utilisé la ordinateur pour l'analyse des timbres, ce qui est la base des travaux) au point de devenir l'objet d'un nouvel académisme, avec dépendances. Les nouveaux auteurs combinent des expériences différentes pour créer une nouvelle musique, Marc-André Dalbavie, qui a commencé à partir musique fantasmagorique et passé à travers le minimalisme et sérialité, ou Kaija Saariaho, qui semble retrouver le goût du timbre impressionniste en particulier dans sa production opéra.

En Italie, il faut se rappeler Fausto Romitelli, un élève de Grisey et Gèrard Hugues Dufourt, qui traite la langue spectrale appris en France à la lumière des suggestions provenant de la danse électronique, tout d'abord travailler avec le festival à Milan New Sincronie, avec le compositeur Pietro Borradori, puis il a fondé en 2002 l'Association avec des compositeurs Sincronie Riccardo Nova, Massimiliano Viel et Giovanni Verrando auquel est ajouté plus tard, le chef Giorgio Bernasconi. Parmi les compositeurs italiens actifs dans les années nonante et dans la prochaine décennie doit aussi mentionner les compositeurs Luca Francesconi (Fondateur du centre de Milan pour la musique électronique et Agon directeur de la Biennale de Venise en musique de 2008), Ivan Fedele (Directeur de la Biennale de Venise en musique de 2012), Giorgio Battistelli, Marco Betta, Carlo Boccadoro, Fabrizio De Rossi Re, Lucio Garau, Stefano Gervasoni, Alessandro Solbiati et Fabio Vacchi.

éducation musicale

La musique contemporaine est née avec une forte vocation éducative, à partir de l'expérience de Schönberg, par voie de Darmstadt, pour arriver à l'Ircam expériences d'apprentissage solide, le centre Acanthes en Avignon, Accademia Musicale Chigiana (Sienne), L'École Juilliard de New-York, de tremble et Tanglewood.

En Italie, il est particulièrement actif Franco Donatoni, la formation d'un groupe de jeunes auteurs de l'emploi solide, en particulier dans le cadre de l'Académie musicale Chigiana, qui Pascal Dusapin, Armando Gentilucci, Stefano Gervasoni, Sandro Gorli, Magnus Lindberg, Giuseppe Sinopoli, Alessandro Solbiati, Fausto Romitelli, Pietro Borradori, Esa-Pekka Salonen, Giovanni Verrando.

Donatoni suit les traces de son maître Goffredo Petrassi, pour les mains duquel ils passent le même Solbiati, Claudio Ambrosini, Ivan Fedele et plus Aldo Clementi, Robert W. Mann et Ennio Morricone.

Un autre grand maître est Giacomo Manzoni, parmi lesquels les élèves d'inclure Adriano Guarnieri, Fabio Vacchi, Pietro Borradori, Riccardo Nova.

Bruno Bettinelli est considéré non seulement l'un des plus grands compositeurs du « 900 italien, avec une grande production allant de la musique instrumentale symphonique et à musique chorale a cappella, également l'un des plus grands maîtres italiens: nombreux sont les plus grands musiciens de la fin du XXe siècle ont été influencés par lui, comme Claudio Abbado, Bruno Canino, Aldo Ceccato, Riccardo Chailly, Azio Corghi, Armando Gentilucci, Riccardo Muti, Angelo Paccagnini, Maurizio Pollini, Uto Ughi et bien d'autres, non seulement dans le domaine de la musique classique. Son élève était aussi l'auteur-compositeur italien Gianna Nannini.

A New-York, au sein de la Juilliard School, sous la direction de Luciano Berio Ils sont formés Steve Reich, Luca Francesconi.

notes

  1. ^ Giovanni Guaccero, La « musique contemporaine » est un genre musical?, en NC Nouvelles (bulletin d'information New Consonanza), Mars 1999. Récupéré 28 Décembre, 2011.
  2. ^ Comme mentionné dans [1] et [2].

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liens externes