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Histoire de la musique

Catégorie: Histoire de la musique
Catégorie: Musique pour l'année


Musique dans le monde antique · médiéval · Renaissance · baroque · classique · romantique · moderne · contemporain

Préhistoire et Antiquité

Moyen âge

Renaissance

XVIIe et XVIIIe siècles

huit cents

XXe siècle

en histoire de la musique, la musique baroque Il est composé de la musique Europe au cours de la baroque, propagation courant artistique entre la XVIIe siècle et la première moitié de XVIIIe siècle. Bien que le terme « baroque » ont déjà été appliquées XIXe siècle dans la peinture et l'architecture, la musique n'a pas été systématiquement utilisée avant Curt Sachs Je vous présente dans 1919.[1]

Cela se développe généralement à côté des compositions qui tombent encore complètement dans l'horizon du style late-Renaissance - parfois les deux genres coexistent dans la production du compositeur lui-même - il est donc impossible d'établir une date précise de début et de fin de la période baroque à la musique.

Le terme « musique baroque » est encore largement utilisé et accepté pour indiquer les styles musicaux ont évolué après indistincte musique de la Renaissance et avant le développement style classique, bien que cette catégorisation est historiquement très contestée par musicologues parce que l'extrême variété de styles ne permet pas de les réorganiser de façon constante unifiée; avec des arguments similaires, Manfred Bukofzer Il est venu dire que la musique baroque n'existe pas.

Problèmes de définition

On croit généralement que la première utilisation du certificat terme baroque pour indiquer une période donnée de la production artistique ayant des caractéristiques similaires était de Jacob Burckhardt dans son cicérone (1855), Où un chapitre consacré à post-Michel-Ange il est intitulé style baroque, qui met l'accent sur les aspects de la baisse par rapport à Renaissance. Plus tard, Heinrich Wölflin dans Renaissance et baroque (1888), A pris le terme dans un sens positif, et aussi proposé d'étendre son utilisation à la littérature et de la musique. Il a été le musicologue Curt Sachs en 1919 pour reprendre la thèse art Wölfflin baroque en les appliquant systématiquement à la musique:[1] il a vu dans certaines caractéristiques spécifiques du style musical (par exemple, l'utilisation de 'ornementation bien que la changement de la mélodie ou l'écriture avec monophonique continuo) Transposer le nouveau style de la peinture. L'utilisation du terme « baroque » dans la musique est assez récente et remonte à une publication du même Sachs 1919.

Cependant, cette périodisation reste très controversée: beaucoup de musicologues, en fait, contestent cette catégorisation affirmant qu'il est illogique de réunir sous une seule étiquette d'un siècle et demi de la production et de l'évolution musicale qui a fait la variété et leur différence de programme esthétique. Par exemple, Manfred Bukofzer, l'un des plus grands musicologues XXe siècle, dans l'essai La musique à l'époque baroque (1947), Faites valoir que la musique baroque, comprise comme un style unitaire et organique, n'existe pas. Il est pour cette raison que Bukofzer suggère d'éviter autant que possible la « musique baroque » expression et d'adopter plutôt le critère de la distinction entre les trois grands styles qui traversent la musique occidentale à la fin du XVIIe siècle et la première moitié du XVIIIe siècle : le style italien concertant, le style contrapuntique allemand et français style instrumental; opérande, puis, bipartition plus loin, à savoir que entre langage idiome instrumentale et vocale.

Caractéristiques principales

musique baroque, par analogie avec d'autres formes d'art du temps, visait à étonner et divertir l'auditeur.[citation nécessaire] Les éléments caractéristiques de la production musicale de cette période sont les changements soudains de la météo, de grands pas virtuosité instrumentale ou vocale, et l'utilisation de contrepoint et vol, bien développé le sens de 'improvisation.

Le baroque colossal

Le style « baroque colossale » est un nom qui a été inventé pour décrire un certain nombre de compositions par XVII un XVIIIe siècle écrit de manière à grande échelle opulente, somptueuse et grande. De plus dans ces travaux, il a été fait usage de techniques polychoral et ont souvent été caractérisée par un ensemble d'outils quantitativement supérieure à la moyenne du temps. Le baroque colossal premier était un style italien, créé pour représenter les réalisations de Contre-. Les pièces étaient généralement 12 ou plusieurs parties, mais il est évident que les aspects pas toujours polychoral intéressé par l'espace large (par exemple dans Exultate Omnes Ugolini il y a trois étapes pour tous sopranos, ténors et altos; Cela aurait semblé absurde de jouer dans un grand espace). Cependant, un travail a été bien exécuté par les chanteurs et les instrumentistes Cathédrale de Salzbourg.

Un autre compositeur baroque colossal était Orazio Benevoli, qui il a été confondu avec Heinrich Biber et Stefano Bernadi pour le célèbre échange des autographes Missa Salisburgensis.

La musique baroque colossale était une partie philosophique du compteur et étalé sur Brenner dans 'Empire autrichien, où les compositions dans plusieurs parties ont été écrites pour des occasions spéciales, mais ne sont souvent pas publiés, ce qui conduit actuellement l'absence de nombreux ouvrages produits par Valentini (certains pour 17 chœurs), Priuli, Bernadi (messe pour la consécration de la cathédrale de Salzbourg) et d'autres. Certaines parties pour trompette Valentini venir jusqu'à nous, cependant, ils n'ont pas beaucoup de changements de notes.

histoire

baroque d'abord

la Camerata de « Bardi était un groupe de musiciens, humanistes, poètes et intellectuels à la fin de la Renaissance à Florence qui se sont réunis autour du patronage Giovanni Bardi, comte de vernio, pour discuter et influencer la mode artistique de l'époque, en particulier dans le musique et théâtre. Quant à la musique, leurs idéaux étaient basés sur la réception du discours et la valeur de la prière dans la musique théâtre classique, en particulier grec. La Camerata a refusé donc d'utiliser à ce que les auteurs contemporains de la musique instrumentale et polyphonie, créé par des lignes mélodiques indépendantes, et reprise en vue des moyens musicauxGrèce antique comme monodie, qui se composait d'un soliste de ligne mélodique accompagné de la cithare, l'ancêtre cithare. Une mise en œuvre initiale de ces idées esthétiques est représentée par les œuvres Dafne, première composition absolue peut être définie opéra, et Euridice de Jacopo Peri.

en la théorie musicale le temps de répandre l'utilisation de la figurée basse, définissant le début du rôle très important de 'harmonie dans la composition musicale, comme une base verticale de la même polyphonie. L'harmonie peut être considéré comme le résultat final de la contrepoint, Il est le faible crypté une représentation graphique d'harmonies couramment utilisées en cours d'exécution.


baroque Moyen-

baroque tardif

musique instrumentale

Le concerto grosso

icône Loupe mgx2.svg Le même sujet en détail: Concerto grosso.

La genèse du concerto grosso se trouve dans une sorte d'expansion sonore de la forme sonate en trio, dans les deux types de « église » et « chambre », et les dates d'environ la moitié du XVIIe siècle. Il a été développé à Rome, à la 80 XVIIe siècle, de Arcangelo Corelli.

Les douze concerts dell'op.6 correspondent à la phase du concerto grosso « mature »: un groupe de solo (dans le cas de Corelli, deux violons et un violoncelle) dit « Concertino » ou « juste » est opposé à l'ensemble du corps ' orchestre, dit « grand » ou « tout le monde. » Vous ne disposez pas d'un contraste générique basé sur le contraste simple des sons, mais une stricte division du travail: le « grand », il est l'exposition du chœur, les épisodes « Concertino » en solo, en fonction de la succession des pièces et des mouvements typiques de la sonate trois, qui est ensuite repris par le concert solo.

Le concert solo

icône Loupe mgx2.svg Le même sujet en détail: soliste de concert.

En général identifie Antonio Vivaldi, l'inventeur du concert en solo, à savoir l'évolution du « concerto grosso » vers une forme musicale qui comprend un ou plusieurs instruments solo auquel il est attribué un « score forcé » ou une section (communément appelée séquence) Dédié à performer de l'improvisation.

la suite

icône Loupe mgx2.svg Le même sujet en détail: Suite (musique).

La forme de suite provient de la pratique de l'accompagner et de soutenir la danse avec un nombre plus ou moins grand nombre de voix ou des instruments, mais le terme suite Il semble beaucoup plus tard et se produit lorsque la suite devient un « résultat » Cependant, pour la première fois dans une collection publiée par le compositeur français Philippe Attaignant en 1529. La pratique de codage strictement le nom et la succession de danses différentes est, danses purement imaginaires. Il doit être Johann Jakob Froberger, élève de Frescobaldi, la réduction des suite ses quatre danses « de base » (Allemanda, courant, Sarabande et gigue) Et ce sera le modèle de base qui va suivre Johann Sebastian Bach seulement quelques-uns de ses suite (Son suite Anglais, par exemple, sont divisés en huit danses).

Dans certains types de suites d'un prélude commence à la danse, dans des cas exceptionnels, nous avons un 'ouverture, un préambule, un fantaisie ou toccata. parmi les Sarabande et le gabarit peut être trouvé danser comme gavotte, la Sicile, la bourrée, la Loure, la menuet, la Musetta, double et polonais, tandis qu'après le gabarit danses sont couramment passacaille et chaconne.

La sonate baroque

icône Loupe mgx2.svg Le même sujet en détail: Sonata § La sonate baroque.

Le modèle original apparaît à Venise vers la fin du XVIe siècle, grâce à organistes et violonistes qui servent à la chapelle de la basilique Saint-Marc, mais l'idée d'une forme instrumentale totalement indépendante de la musique vocale, cependant, prend un autre grand pied centre musical de l'Italie du temps: la basilique de San Petronio à Bologne. Il est ici que la chaîne de sonate de contrepoint Renaissance fond dans ses deux polarité cachée: d'une part le « continue faible », l'autre jeu d'improvisation libre des voix supérieures. Ainsi, il est né le prototype de la soi-disant « trois Sonata », qui est constitué par l'organique et continue deux instruments mélodiques. A partir de la seconde moitié du XVIIe siècle, la sonate en trio est divisé en deux formes complémentaires: d'une part la « Sonate de l'église », initialement destiné à remplacer les parties manquantes de la liturgie vocale et donc caractérisé par une écriture sévère contrapuntique, l'autre la « chambre de sonate », adressée à l'origine au divertissement, puis marqué par l'écriture rythmique mélodique typique des formes de danse.

musique vocale

opéra

Mélodrame est né à Florence à la fin du XVIe siècle et grâce à Claudio Monteverdi, Il a un énorme écart d'âge baroque, l'établissement lui-même principalement Rome, à Venise et par la suite (à partir des dernières décennies du Seicento), Pour Naples. Divertissement initialement réservé tribunaux, et donc destiné à un élite intellectuels et aristocrates, acheter caractère de divertissement de l'ouverture du premier théâtre public en 1637: le Teatro San Cassiano de Venise.
Au début de la sévérité de travail, l'esthétique encore imprégné fin de la Renaissance, prend alors un goût pour la variété de la musique, les situations, les personnages, les parcelles; tandis que la forme de 'air, la mélodie accrocheuse et une occasion de chanter la performance, plus d'espace pour voler récitatif le dialogue et, par conséquent, l'aspect littéraire, chant Il devient de plus en plus floral. Parmi les plus grands représentants de l'opéra italien de la période baroque, on peut citer Pier Francesco Cavalli (Didone, amant Hercules etc.) et Alessandro Scarlatti, qui a atteint sa plénitude expressive avec Le triomphe de l'honneur et Griselda.

en attendant Jean-Baptiste Lully, un compositeur italien qui a émigré en France, le français donne la vie au travail. En fait le lyrisme italien typique, mal adapté à la langue française, est abandonnée au profit d'une interprétation musicale plus rigoureuse du texte.
Le style de chant, plus grave, déclamatoire, est principalement syllabique. D'autres éléments de différenciation par rapport au modèle italien sont faites par l'importance accordée à la chorégraphie et la structure en cinq actes, que les seria d'opéra français conservent jusqu'au XIXe siècle. Ainsi sont nés le -Lyrique tragédie et l 'opéra-ballet.

en XVIIIe siècle le travail italien Il est réformé par le poète Pietro Metastasio, l'établissement d'une série de loyers celles liées à la dramatique formelle, comme la structure métrique des airs, en appliquant la soi-disant aristotéliciens unautés et de se consacrer exclusivement au genre sérieux.

Le choix de Métastase pour exclure tout soulagement comique du théâtre musical sérieux détermine la naissance de l'opéra-comique, d'abord sous forme de intermezzo, puis comme opéra buffa et dramma giocoso.

Arias, cantates et autres formes vocales

Le « chant » est une forme musicale vocale typique d'origine italienne de la musique baroque, formée à partir d'une liste de chansons arias, récitatifs, duets, chorales et des pièces instrumentales. Il a une certaine affinité avec l'œuvre baroque, mais l'exécution est réalisée sans appareil scénique et le spectacle est plus petit.

Le chant peut être profane, le plus souvent avec le sujet mythologique ou de la morale, ou sacré, inspiré surtout par des histoires tirées de Écritures, en latin ou dans les langues modernes.

En Italie, les plus grands compositeurs de cantates étaient Giacomo Carissimi, Alessandro Scarlatti et Antonio Vivaldi.

Important en Allemagne, ils étaient Georg Friedrich Haendel, Georg Philipp Telemann, Dietrich Buxtehude.

La cantate allemande

Le concept de « cantate » est étranger univers formel Johann Sebastian Bach: Le terme a été inventé en fait qu'au XIXe siècle pour désigner à peu près les compositions liturgiques du XVIIIe siècle du texte biblique, chantés par le choeur et solistes. Un tournant dans l'histoire de la sung allemande arrive, cependant, quand le pasteur publique Erdmann Neumeister en 1704 une anthologie de textes pour l'intonation liturgique.

Inspiré par les formes contemporaines de l'œuvre dans la musique, Neumeister divise les textes bibliques en récitatifs, arias, ensembles et numéros chorales, fournissant chaque compositeur un modèle formel efficace. Bach suit sensiblement le modèle de « SUNG réformé » fondé par Neumeister, bien que la variété formelle de son soi-disant « sacré chanté » est très large.

A l'origine, le terme « chorale », indique généralement la chanson monodique non accompagné par la liturgie chrétienne. Après l'avènement de la réforme luthérienne du mot est d'indiquer le chant, aussi monodique, juste la liturgie protestante. Le cœur musical de la réforme consiste en une nouvelle corpus des chansons monophoniques, souvent d'une extrême simplicité mélodique et de concentration. Les paroles appartiennent à la langue de la liturgie réformée, l'allemand, et enfin abandonner le vénérable latin des Pères de l'Église romaine. Le nouveau « chorale » peut être chantée choralitier, sous forme monophonique, ou figuraliter, sous forme polyphonique, grâce à une harmonisation simple de la ligne vocale de base. Par cette pratique, en cours d'utilisation depuis le milieu du XVIe siècle, ils utiliseront au cours des siècles suivants tous les compositeurs luthériens allemands, y compris J. S. Bach. En règle générale, mais avec de nombreuses exceptions, Kirchenkantaten par J. S. Bach commence par une chorale chanté sous la forme non polyphonique, poursuivre une série d'airs, récitatifs et concertée et de conclure avec une chorale traitée sous forme contrapuntique. L'oratoire, qui est dérivé du seizième Lauda, ​​est une composition musicale d'inspiration religieuse, non liturgique, avec une texture accomplie et présenté sous forme narrative, mais sans représentation scénique. La musique a le même caractère et le même style de ce qui sera, peu après, le drame purement prévu.

Les outils de la musique baroque

À l'époque baroque, il a un rôle particulièrement important dans les outils d'harmonie pour l'exécution du continuo, qui est le véritable dénominateur commun de toute la production musicale. Parmi ceux-ci, les deux étaient l'utilisation répandue »organe et clavecin (Auquel il est dédié, en plus, une littérature large en solo, ils sont un exemple simple les 555 Sonates clavecin de Domenico Scarlatti ou L'Art de la Clavecin Toucher de François Couperin). Le faible continue, cependant, il a également été réalisé par théorbe, dall 'harpe et de temps en temps par régalien; il était courant que plus d'un instrument (par exemple, l'orgue et théorbe) contribuent largement à l'exécution de la faible continue, en particulier dans les ensembles d'orchestre ou chorale nombreux[2]. Parmi les instruments chaîne sont également très populaires, tant comme instruments en solo ou comme instruments d'accompagnement, la luth et guitare. la clavicorde, en revanche, il a été apprécié, mais il a été conçu pour être utilisé uniquement en solo.

En ce qui concerne les instruments mélodiques, dans la transition de la Renaissance à l'époque baroque il y a une réduction générale de la variété des instruments utilisés: tout au XVIe siècle, pratiquement tous les instruments mélodiques, les deux cordes de souffle, a été construit en différentes tailles, qui reproduit les différentes extensions de voyelles (et sont souvent désignées par le terme « contenu et » « soprano », « alto », bas « ), au cours de la première moitié du XVIIe siècle, avec la naissance d'une véritable littérature instrumentale idiomatiques, en chacun de l'instrument a eu le privilège d'une taille « famille »[3]. La seule exception notable est constituée par les altos de bras, pour lequel a regroupé les quatre versions qui savent encore (violon, alto, violoncelle et contrebasse).

A côté de la famille du arches, qui constituait l'élément indispensable de chaque ensemble orchestral, les outils les plus fréquemment utilisés aigus parmi ceux étaient les suivants:

  • la cornet à pistons, Dans la première moitié du XVIIe siècle au Soutenant violon le rôle par excellence de l'instrument solo virtuose;
  • l 'hautbois, par alto descendant direct bombardes Renaissance; ont été utilisés pour des effets particuliers de timbre, même les versions de plus grande taille et avec quelques particularités constructives, a déclaré hautbois d'amour et chasse hautbois;
  • la enregistreur, principalement de la taille des « alto » (en sol dans la première partie de la dix-septième siècle, il est par la suite);
  • la flûte, taille en re. Tant la flûte que la flûte a subi des modifications de construction importantes par rapport aux versions Renaissance: en particulier, dans la seconde moitié du XVIIe siècle, a commencé à construire ces outils dans des parties plus amovibles (trois ou quatre), pour permettre aux musiciens d'adapter le ' pas de l'instrument différent « à » coexistant.

Parmi les principaux outils:

  • la viole (Dans décolletée, même si elle a été parfois utilisé dans la taille dessusEn Angleterre, la épouse de violes, qui comprenait toutes les tailles, cependant, il était encore en vogue au XVIIe siècle);
  • la trombone;
  • la basson, descendant direct de la famille des bas Dulciane;

Dans l'orchestre baroque était souvent présente la trompette et corne (À ce moment, les deux sans pistons); parmi les instruments de percussion acquis une importance particulière tympans.

En plus de ces outils largement utilisés à la fois comme instruments solo dans l'orchestre, à l'époque baroque dont ils jouissaient popularité occasionnelle dans les écoles spécifiques ou en mode musique:

  • la mandoline;
  • la viole d'amore, bras violet avec des cordes sympathiques supplémentaires;
  • la lyre et lirone, instruments à cordes d'accompagnement harmonique approprié;
  • la Chalumeau, antécédent direct clarinette;
  • la Musette de cour (Petite cornemuse à soufflet) et orgue de barbarie, instruments simulacres « pastorale ».
  • civique et groupes militaires, la serpent (Bas de croissants famille) et fifre (flûte piccolo), ainsi que le tambour.

compositeurs les plus connus

Les compositeurs de l'époque baroque est actuellement la plus connue du grand public, grâce à une grande production de concerts et enregistrements au cours des cinquante dernières années, sont les Italiens Claudio Monteverdi, Antonio Vivaldi, Alessandro Scarlatti et son fils Domenico Scarlatti, allemand Bach et Handel et en anglais Purcell. De nombreux autres compositeurs de grande renommée dans leur temps Girolamo Frescobaldi, Heinrich Schütz, Arcangelo Corelli, Dietrich Buxtehude et Georg Philipp Telemann, ainsi que tous les grands compositeurs de l'école française, ayant eu une importance historique et artistique pas inférieure à celles mentionnées ci-dessus, sont maintenant familiers à un public relativement faible. Il est en particulier dans le domaine de l'opéra que la richesse des noms et des influences est vaste: le travail étant la principale source de revenus pour la plupart des auteurs de l'époque, la production qui lui est associée est pratiquement sans limites et il est pas rare d'être redécouvert œuvres d'une valeur artistique exceptionnelle, même les compositeurs qui à ce jour ont été pratiquement ignorés par recherche musicologique.

dramaturges célèbres étaient certainement (en plus de ce qui précède Claudio Monteverdi, Jean-Baptiste Lully, Pier Francesco Cavalli, Alessandro Scarlatti, Domenico Scarlatti, Handel, Vivaldi et Purcell) Giovanni Battista Pergolesi, Leonardo Leo, Niccolò Jommelli, Rinaldo da Capua, Johann Adolph Hasse, Nicola Porpora, et Jean-Philippe Rameau. Beaucoup appartiennent à la école de musique napolitaine, qui était parmi les plus influents et à la mode depuis la fin de XVIIe siècle. Napoli a prévalu, en fait, au cours des dernières années, la Seicento et au début XVIIIe siècle, comme l'un des principaux centres d'opéra européens, en faisant valoir à Venise un record que la ville avait toujours eu en Italie. aussi Gaetano Veneziano (Bisceglie, 1665 - Naples, le 15 Juillet, 1716) a contribué des travaux, dont l'Oratorio "La Sainte Trinité" Napoli, 1693.

Rome, pour la plupart des XVIIe siècle la deuxième place était l'opéra italien, il a vu succès des deux dernières décennies du XVIIe siècle par une politique papale qui pénalisent l'Opéra et, plus généralement, toutes les formes de divertissement. Rome Il a perdu tant de joueurs de valeur (comme Alessandro Scarlatti) et se voyait reléguer progressivement à un rôle de plus en plus marginale dans la vie opératique italienne et européenne. Dans d'autres centres italiens dans ce domaine particulièrement actifs, ils étaient Florence, Bologne et parme, tandis que l'étoile milanais Il commençait à briller que d'environ la moitié du XVIIIe siècle. Dans le reste des pays Européens l'opéra de la vie en général tournait autour d'une cour royale[4] sous une forme presque exclusive (Paris et Madrid) Ou principalement (Vienne et Londres). seulement en Allemagne les représentations d'opéra ont été divisés sur les modèles pas trop dissemblables pour les Italiens, avec les villes grandes et moyennes depuis XVIIe siècle ils ont reçu des structures théâtrales adéquates, y compris privées. A Monaco de Bavière, il a été ouvert un théâtre permanent depuis 1657 (L 'Opernhaus am Salvatorplatz fonctionna jusqu'en 1822), Pour Hambourg Il a été ouvert en 1678 premier théâtre public de l'Allemagne et Dresde Il a prévalu depuis les premières décennies du XVIIIe siècle comme un lieu de premier ordre.

Dans toute l'Europe (à l'exception de France qui avait développé une véritable école « nationale »), il a jugé, cependant, tout au long de la période baroque et au-delà, l'opéra italien ou semblable à lui (Handel, Hasse etc.). Italie avait à l'époque Conservatoires de musique les plus prestigieux du monde et la plus grande partie des plus importantes compagnies d'opéra ont été formés à une plus ou moins d'interprètes italiens. auteurs italiens ont été contestés par les tribunaux européens et les grands compositeurs d'autres pays avaient presque toujours mis sa production de modules selon les modèles et typiques de l'opéra italien, et souvent en italien. Dans certaines villes, en particulier à Vienne, les Italiens constituaient les véritables centres de pouvoir qui se sont reposés sull'indiscusso prestige certaine personnalité à court assis (il suffit de penser des poètes césarienne Apostolo Zeno et Pietro Metastasio) Et au nom de certains empereurs particulièrement sensibles aux charmes de la musique et plus généralement de la culture italienne.

Synopsis des compositeurs baroques (1550 -1750)

Claudio Monteverdi

icône Loupe mgx2.svg Le même sujet en détail: Claudio Monteverdi.

Claudio Monteverdi (Cremona 15 mai 1567 - Venise 29 novembre 1643) A été le premier grand compositeur d'opéra dans l'histoire de l'opéra et des plus grands auteurs de la musique instrumentale de son temps.

Il a été le créateur du langage lyrique, une langue qui exalte la voix humaine et une fonction de la vérité d'expression. son Orphée (1607) Est la première œuvre dans l'histoire de la musique d'opéra, digne de ce nom. Dans ce Monteverdi réussit à se fondre parfaitement différents types de divertissement, de chansons, des scènes madrigaleschi à un milieu pastoral, par la musique jouée à la cour lors des fêtes et des danses, sublimant avec son art et de les mettre dans un service de développement cohérent dramaturgique. Les personnages acquièrent en Orphée, une taille et une nouvelle épaisseur et une connotation de l'humanité souffrante. avec Le couronnement de Poppée (1643), Monteverdi révèle à nouveau l'inspiration de l'artiste riche et varié et les techniques harmoniques musicales et raffinées. Il lui donne une nouvelle vie à la création sublime, animée par un pathos profond et l'expression d'une perfection formelle, tant en termes de musique ou le théâtre, qui depuis longtemps restera inégalée.

Monteverdi était aussi un compositeur de madrigaux, attribuable à un genre qui lui a atteint son expression la plus haute et la musique instrumentale et sacrée (son célèbre magnificat composé Le pape Pie V)

Henry Purcell

icône Loupe mgx2.svg Le même sujet en détail: Henry Purcell.

Henry Purcell (probablement né à Westminster, à Londres, en 1659 et il est mort en 1695) a été l'un des plus grands compositeurs britanniques. Au cours des dernières années de sa vie, il a écrit quelques pièces comme Didon et Enée, Le roi Arthur, The Indian Queen, The Fairy Queen et la Tempête. Il a également composé la musique pour grand anniversaire et les anniversaires pour les funérailles de la reine Maria II.

Antonio Vivaldi

icône Loupe mgx2.svg Le même sujet en détail: Antonio Vivaldi.

Antonio Lucio Vivaldi (Venise, 4 mars 1678 - Vienne, 28 juillet 1741) Il est le terme populaire violoniste et compositeur la période baroque. Il était aussi un prêtre, et pour cette raison - et à cause de la couleur de ses cheveux - il a été surnommé « The Red Priest. »

Sa composition les plus connues sont les quatre concertos violon connu sous le nom Four Seasons, exemple célèbre et réussie de « La musique dans le sujet ».

La reprise de son travail est un fait relativement récent et est identifié dans la première moitié du XX siècle. Il est arrivé grâce aux efforts de Alfredo Casella, qui 1939 organisé la Semaine de Vivaldi, Si on se souvient comme historique parce que, depuis lors, les œuvres du compositeur vénitien ont été pleinement réussi.

Innover des profondeurs à la musique de l'époque, Vivaldi a donné plus de preuves à la structure formelle et rythmique concert, essayer des contrastes harmoniques à plusieurs reprises et d'inventer des thèmes et des mélodies hors du commun. Son talent était de composer de la musique non-académique, claire et expressive, qu'ils peuvent être appréciés par le grand public et non seulement par une minorité de spécialistes.

Vivaldi est considéré comme l'un des maîtres de l'école baroque italienne, basée sur de forts contrastes et des harmonies simples et sonore évocateurs. Johann Sebastian Bach Il a été profondément influencé par la forme du concert Vivaldi: il retranscrit quelques concerts pour clavecin solo et quelques concerts pour orchestre, dont le célèbre Concerto pour quatre violons et violoncelle, cordes et continuo (RV 580).

Johann Sebastian Bach

Johann Sebastian Bach était compositeur allemand et organiste la période baroque, universellement considéré comme l'un des plus grands génies de musique de tous les temps.

Ses œuvres sont célèbres pour la profondeur intellectuelle, la maîtrise de la technique et de l'expression, la beauté artistique et ont été l'inspiration pour une grande partie de la compositeurs qui ont suivi dans la tradition européen.

La contribution de Johann Sebastian Bach à musique ou, pour utiliser une expression popularisée par son élève Lorenz Christoph Mizler, la « science de la musique est souvent, » par rapport à la contribution de William Shakespeare un littérature anglaise et Isaac Newton un physique. Au cours de sa vie, il a composé plus de 1000 œuvres. Sa collection de Préludes et Fugues appelé Le Clavecin bien tempéré Elle constitue un répertoire monumental et définitif pour ce qui concerne la forme dudit état vol dans le domaine baroque. Entièrement exploré la possibilité d'effectuer sur les compositions de clavier dans les 24 tonalités majeures et mineures, à la suite de l'abandon du système d'accord mésotonique en faveur de soi-disant « bon tempérament » (qui annonçait l'adoption ultérieure, au cours du XIXe siècle, la tempérament égal).

Georg Friedrich Händel

Georg Friedrich Händel Il a été l'un des plus grands compositeurs du XVIIIe siècle. Dans le passé, le nom a été transcrit comme George Frideric Handel, o ou plus Händel, mais moins fréquemment, Hendel.

Il est né dans la ville de Halle, dans la région allemande de Saxe, une famille de classe moyenne (son père était un chirurgien-barbier) et a passé la majeure partie de sa vie à l'étranger, assister à plusieurs cours européennes. Il est mort en Londres à l'âge de soixante-quatorze ans.

Haendel a vécu de 1706 un 1710 en Italie, où il a affiné sa technique de composition, en l'adaptant aux textes en italien; œuvres représentées dans les salles Florence, Rome, Naples et Venise et il a rencontré des musiciens contemporains comme Scarlatti, Corelli, Marcello. A Rome Il était au service du cardinal Pietro Ottoboni, aussi patron de Corelli et juvarra.

Après avoir été directeur musical brièvement à la cour Hanovre, en 1711 il a déménagé à Londres pour vous représenter sur Rinaldo, qu'un grand succès. A Londres Händel décide de s'installer et a trouvé un vrai théâtre d'opéra, qui sera connu sous le nom Royal Academy of Music. entre 1720 et 1728, écrire pour le théâtre quatorze œuvres. Haendel composa moins une quarantaine d'œuvres pour la théâtre - y compris de nombreux genre « sérieux » - sont devenus célèbres (et dont beaucoup encore représenté dans le monde entier).
Il a également été l'auteur de trente-deux haut-parleurs tout aussi célèbre (y compris son chef-d'œuvre Messie).

Il a écrit de nombreuses pages de musique pour orchestre. Parmi eux, ils comprenaient des hymnes et hymne, sorte de hymnes célébrations, et sonates sacré, chanté plus de cent dix, vingt et trente-neuf concerts entre Sonates, fuites, suite pour cymbale.

D'autres compositeurs

Le paysage de la musique dans cette période ne se limite pas aux cinq compositeurs mentionnés ci-dessus. Au cours du siècle et demi de l'évolution qui caractérise l'époque baroque, ils ont émergé paradigmes musicaux extrêmement hétérogènes: ce fut l'époque où ils ont été codés ou fondamentalement revisité quelques-uns des styles et des formes musicales dans le noyau musique classique, comme concert, l 'opéra et la plupart des musique sacrée.

En ce qui concerne le développement de "Concerto grosso« Crucial a été la contribution de Handel, mais aussi italienne Arcangelo Corelli dont op. 6 est considéré comme l'une des plus grandes expressions. Toujours dans le domaine de la musique instrumentale que vous devez vous rappeler le travail de Georg Philipp Telemann que ses contemporains considérés comme le plus grand musicien allemand (bien plus que Bach, comme l'a rappelé ci-dessus).

Si le concert solo nommé Vivaldi Il est ce que la plupart est mentionné facilement, mais d'autres artistes de son temps a contribué de manière fondamentale dans le développement de ce style, parmi lesquels vous ne pouvez pas se rappeler Alessandro Marcello, Giuseppe Torelli.

en Italie

en Allemagne,

en Angleterre

en Flandre

Dans d'autres pays

Tableau diachronique des compositeurs baroques

Ci-dessous sont les compositeurs baroques classés par date de naissance selon la périodisation faite par Suzanne Clercx[5][6].

Tout d'abord Barocco
(1550-1600)
Giulio Caccini, Paolo Quagliati, Francesco Mannelli, Adriano Banchieri, Giovanni Bassano, Felice Anerio, Giovanni Bernardino Nanino, Dario Castello, Jacopo Peri, Jacopo Corsi, Mikołaj Zieleński, Hans Leo Hassler, Sweelinck, John Bull, John Dowland, Jean Titelouze, Lodovico Grossi da Viadana, Ascanio Mayone, Giles Farnaby, Alessandro Piccinini, Agostino Guerrieri, Campion Thomas, Giovanni Francesco Anerio, Claudio Monteverdi, Christian Erbach, Giovanni Paolo Cima, Salomone Rossi, Michael Praetorius, Giovanni Picchi, Joan Pau Pujol, Alexandre le Grand, Giovanni Maria Trabaci, Thomas Weelkes, Agostino Agazzari, Giovanni Girolamo Kapsberger, Simpson Thomas, Sigismond de l'Inde, Giovanni Valentini, Gregorio Allegri, Orlando Gibbons, Robert Johnson, Girolamo Frescobaldi, Antonio Cifra, Nicolò Corradini, Manuel Machado, Heinrich Schütz, Stefano Landi, Claudio Saracini, Francesca Caccini, Samuel Scheidt, Juan Gutiérrez de Padilla, John Jenkins, Claudia Rusca, Tarquinio Merula, Giovanni Battista Buonamente, Heinrich Scheidemann, Biagio Marini, Giovanni Rovetta, Luigi Rossi, Johann Crüger, Charles Racquet, Giovanni Battista Fontana
Moyen baroque
(1600-1700)
Marcin Mielczewski, Giovanni Felice Sances, Girolamo Fantini, Francesco Cavalli, Guillame Dumanoir (senior), Guillame Dumanoir (junior), John IV du Portugal, Marco Uccellini, Giacomo Carissimi, Michel Lambert, Daniel Speer, Andreas Hammerschmidt, Marcantonio Pasqualini, Franz Tunder, Johann Jakob Froberger, Henry Cooke, Barbara Strozzi, Johann Heinrich Schmelzer, Isabella Leonarda, Antonio Cesti, Johann Adam Reincken, François Roberday, Robert Cambert, Jean-Henri d'Anglebert, Antonio Sartorio, Nicolas Lebègue, Monsieur de Sainte Colombe, Vincenzo Albrici, Sebastian Anton Scherer, Pietro Simone Agostini, Dietrich Buxtehude, Bernardo Pasquini, Giovanni Buonaventura Viviani, Pavel Josef Vejvanovský, Giovanni Battista Draghi, Gaspar Sanz, Paolo Lorenzani, Antonia Bembo, Marc-Antoine Charpentier, Johann Anton van Losy Losymthal, Alessandro Stradella, Ignazio Albertini, Heinrich Biber, Andreas Werckmeister, Sebastiano Cherici, Giovanni Maria Capelli, John Blow, Bernardo Storace, Bartłomiej Pękiel, Petronio Franceschini, Cataldo Amodei, Robert de Visée, Pietro Torri, Domenico Gabrielli, Johann Pachelbel, Georg Muffat, Arcangelo Corelli, Carlo Francesco Pollarolo, Johann Paul von Westhoff, Marin Marais, Georg Reutter (père), Martino Bitti, Giovanni Battista Bassani, Gaetano Greco, Giuseppe Torelli, Henry Purcell, Francesco Antonio Pistocchi, Antonio Veracini, Rosa Giacinta Badalla, Johann Kuhnau, Alessandro Scarlatti, Gottfried Finger, Johann Joseph Fux, André Campra, Francesco Gasparini, Georg Böhm, Giacomo Antonio Perti, Nicolaus Bruhns, Élisabeth Jacquet de La Guerre, Jean-Baptiste Lully, Francesc Valls, Johann Heinrich Buttstedt, Attilio Ariosti, Antonio Lotti, François Couperin, Giorgio Gentili, Louis Marchand, Alessandro Marcello, Antonio Caldara, Turlough O'Carolan, Giovanni Bononcini, Tomaso Albinoni, Nicolas de Grigny, Jeremiah Clarke, Reinhard Keizer, Jacques Hotteterre, Bartolomeo Cordans, Louis-Nicolas Clérambault, Johann Ludwig Bach, Antonio Vivaldi, Jan Dismas Zelenka, Pietro Filippo Scarlatti, Jean-Baptiste Loeillet, Johann Mattheson, Georg Philipp Telemann, Giuseppe Valentini, Johann David Heinichen, Jean-Philippe Rameau, Johann Gottfried Walther, Lodovico Giustini, Johann Sebastian Bach, Giuseppe Matteo Alberti, Domenico Scarlatti, Georg Friedrich Händel, Benedetto Marcello, Sylvius Leopold Weiss, Nicola Porpora, Johann Georg Pisendel, Francesco Geminiani, Camilla de Rossi, Fortunato Chelleri, Joseph Bodin de Boismortier, Pietro Baldassare, Francesco Maria Veracini, Giovanni Alberto Ristori, Unico Wilhelm van Wassenaer, Giuseppe Tartini, Pietro Locatelli, Johan Helmich Roman, Giuseppe Sammartini, Louis-Claude Daquin, Maurice Greene, Andrea Zani, Jean-Marie Leclair, Adam Falckenhagen, Johann Joachim Quantz, Riccardo Broschi, Johann Adolf Hasse, Cesare Bendinelli, Nicola Matteis
baroque tardif
(1700-1760)
Giovanni Battista Sammartini, Johann Gottlieb Graun, Carl Heinrich Graun, Giovanni Battista Pescetti, Carlo Cecere, Baldassare Galuppi, Georg Reutter (fils), Leonardo Vinci, Charles Avison, Michel Corrette, Guglielmina di Prusse, Giovanni Battista Pergolesi, Domenico Alberti, Thomas Arne, Wilhelm Friedemann Bach, William Boyce, Frédéric le Grand

notes

bibliographie

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