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Guitare classique
Guitare classique deux views.jpg
Une guitare classique
Informations générales
origine Europe
invention la fin du XVIIIe siècle / France
classification 321322-5
Chordophones composés, avec des cordes parallèles à la table d'harmonie, pincées
famille Luths à long manche
L'utilisation
musique médiévale
Musique Renaissance
Musique baroque
musique galant et classique
siècle Musique européenne
musique contemporaine
musique folklorique
extension
Guitare classique - tessiture de l'instrument
généalogie
 histoire descendance 
guitare baroque guitare folk
écoute
Danza Espanola, Op. 37: XII. Arabesca, composition Enrique Granados (Fichier info)

la guitare classique Il est un type de guitare utilisé pour l'exécution de pistes à partir de musique classique ou populaire (Comme par exemple les musique latino-américaine ou flamenco). La forme de la guitare classique, que nous connaissons et utilisons aujourd'hui, date de la seconde moitié du 'huit cents.

Morphology de la guitare

Guitare classique
Les différentes parties d'une guitare classique

Il se compose de deux parties principales:

  • la poignée, qui est le clavier et se terminant par scoop, qui abrite la mécanique pour le réglage;
  • la table d'harmonie, en bois, avec une trou Central, qui sert à amplifier le son produit par cordes

La guitare classique est construit avec bois d'un type différent pour chaque partie du corps. la table d'harmonie (Celui qui contient le trou) est fait de bois de sapin (Picea abies) cèdre (En fait, un Nord conifère américain), ou séquoia. À la base, le panneau est renforcé par des bandes de sapin (de contreventement soi-disant) en fonction de l'expérience du fabricant de violon, de sorte que différents incatenature correspondent à différentes caractéristiques du son. La disposition des chaînes de ventilateur, déjà présents dans certaines guitares du début du XIXe siècle, a été perfectionné par le luthier Torres espagnol. Les bandes et le fond sont réalisés en diverses essences, généralement en bois dur et compact, en fonction du timbre que le luthiste Il veut conférer. Très recherché sont les essences bois de rose (En particulier celle du Brésil), le acajou, cyprès, ébène de Macassar et érable. La poignée est construite avec des petits bois sensibles à l'humidité et l'aversion à la déformation, généralement cedrella ou acajou espagnol. Le clavier est ébène. Le pont, ou d'un pont, auquel se lient les chaînes peuvent être en bois de rose, ébène, noyer ou d'autres essences. L'écrou et le pilon sont os ou ivoire.

Aujourd'hui, les cordes sont principalement faits de nylon, qui confère à un timbre bruit sourd et doux, ou des matériaux composites à base de carbone ou de fibres de verre avec une tonalité plus nette et plus brillante et un joint d'étanchéité sonore supérieure; rarement intestin.

le clavier

Agencement guitare classica.jpg

technique de guitare

posture

Guitare classique
La posture d'un guitariste classique

La posture typique de la guitare classique prévoit que l'instrument, en appui sur les jambes, est inclinée vers le haut depuis la partie du clavier. Pour ce faire, il est courant d'utiliser le repose-pied, avec qui Rehaussé pour la jambe gauche; Certains interprètes de la musique contemporaine font parfois l'utilisation d'un support, reposant sur la cuisse gauche, maintient l'angle de la guitare tout en plaçant les deux pieds sur le sol. Parfois, ils utilisent même deux petites pièces, qui, placé entre les cuisses et les deux points d'appui de la guitare, faire que l'outil ne glisse pas et ne bouge pas pendant l'exécution de la chanson.

La main droite

La technique de la guitare classique implique le contact direct de vos doigts sur les cordes pour les mettre en mode vibration. Jusqu'à la première moitié du XXe siècle, il y avait un vif contraste entre les deux « approches » existent: le soi-disant école « Tarrega » soutient l'utilisation de seulement le bout des doigts sans ongles, tandis que l'école plus moderne prévoit l'utilisation de l'ongle et le doigt ensemble (la chaîne est « arrimé » dans un point de rencontre entre le bout des doigts et l'intérieur de l'ongle). L'attaque avec seulement le bout des doigts, pris en charge par exemple par Fernando Sor et Francesco Molino, Il a ensuite été prise par les Espagnols Francisco Tarrega et certains de ses étudiants (parmi lesquels il convient de noter en particulier Emilio Pujol). Cette technique dans la seconde moitié du XXe siècle, est tombé presque complètement en désuétude et l'enseignement dans Conservatoires comprend maintenant normalement l'utilisation de l'ongle corde d'attaque.

Les partisans de l'utilisation de l'ongle étaient tels Mauro Giuliani et Ferdinando Carulli. Dionisio Aguado Il a soutenu et développé cette technique avec conviction; dans sa méthode pour guitare (1825), il a déclaré:

"Vous pouvez pulser avec ou sans l'ongle: n'ongle exigera une plus grande courbure des phalanges de la main droite. Mon ami Sor, qui sonne sans, m'a convaincu de ne jamais utiliser l'ongle du pouce; Je suis très reconnaissant pour ce conseil. En ce qui me concerne, je considère mieux jouer avec les ongles et les doigts, car la corde vous obtenez un son qui ne ressemble pas à celle de tout autre instrument et donne à la guitare un caractère particulier, doux, harmonieux et mélancolique que même si elle ne propose pas la la grandeur du plan ou de la harpe, donne un sentiment de son plein du sujet de la grâce et de délicatesse à des modifications et des combinaisons qui donnent l'instrument un caractère mystérieux ".[1]

Les doigts de la main droite utilisés pour pincer les cordes sont le pouce, l'index, le majeur et l'annulaire (dans les doigtés de feuille sont indiquées par les initiales p, la, m, à). Le petit doigt est complètement utilisé; certains guitaristes dix-neuvième parfois utilisés pour employer ce doigt comme « soutien » à la main, pointant contre la table d'harmonie de l'instrument, tandis que les quatre autres doigts pincer les cordes, mais même cette utilisation a été progressivement abandonnée. L'importance de l'anneau a été longuement discuté au cours du XIXe siècle, certains compositeurs, tels que Fernando Sor, Ils avaient tendance à exclure de l'escalier et la conduite des lignes mélodiques et de l'utiliser dans arpèges et accords seulement si nécessaire; de Giulio Regondi, et encore plus avec Tarrega et d'autres joueurs de guitare de la fin du XIXe siècle (comme on le voit par les doigtés des compositions), son utilisation a été largement réévalué, de la même manière que l'index et le majeur tout en restant inévitablement la « faible » de la main droite.

La main gauche

Les doigts de la main gauche sert à appuyer sur les cordes contre la touche, ce qui vous permet d'obtenir toutes les hauteurs 'extension corde. Ils sont utilisés l'index, majeur, annulaire et le petit doigt (dans les doigtés de feuille sont indiquées par des nombres, dans l'ordre, de 1 à 4). Le rôle du pouce est d'équilibrer la main en appuyant sur - sans force particulière - contre la surface inférieure de la poignée. Son utilisation dans la presse des chaînes les plus graves, parfois adoptés dans certains genres de musique populaire, a finalement été abandonné dans la technique classique, après avoir longtemps été une question de litige; en faveur d'une telle utilisation - mais toujours très sporadique! - ont été les grands représentants de l'école italienne Ferdinando Carulli, Mauro Giuliani et Matteo Carcassi, tout fermement opposé Francesco Molino et ils ont conseillé contre les Espagnols Fernando Sor et Dionisio Aguado.

Effets et techniques

trémolo

icône Loupe mgx2.svg Le même sujet en détail: Tremolo (technique de guitare).

touchez pris en charge

icône Loupe mgx2.svg Le même sujet en détail: touchez pris en charge.

Tambora

icône Loupe mgx2.svg Le même sujet en détail: la technique tambora.

rasgueado

icône Loupe mgx2.svg Le même sujet en détail: rasgueado.

pizzicato

icône Loupe mgx2.svg Le même sujet en détail: pizzicato.

Et de la littérature pour Repertoire guitare

Guitare classique
Francesco Corbetta (1615-1681)

La vieille guitare

la guitare baroque, géniteur de la guitare classique développée à la fin du XVIIIe siècle, et plutôt petite, est venu en XVIIe siècle une expansion remarquable, la poursuite de la tradition musicale de la précieuse luth et vihuela; ces deux instruments ont vécu leur dernier apogée au cours de la période de musique baroque, avant de tomber finalement en désuétude (récupéré ces derniers temps exclusivement pour l'exécution philologique Les compositions de l'époque). Il était principalement Italie, en Espagne et France la guitare baroque a consolidé une tradition instrumentale riche: guitaristes Francesco Corbetta, Gaspar Sanz et Robert de Visée Ils représentaient, pour le mérite technique et le goût pour la composition, une contrepartie significative aux grands protagonistes du luth (John Dowland, Sylvius Leopold Weiss) Et vihuela (Luis de Milán, Luis de Narváez, Alonso Mudarra). Déjà à la fin du XVIIe siècle, et pour la plupart du siècle prochain, une attention à la guitare fanée, et avec elle se obscurcit depuis longtemps la connaissance technique et le développement d'un répertoire de l'instrument.

La première moitié du dix-neuvième

Parallèlement au développement de l'outil - d'un point de vue organologique - que nous appelons aujourd'hui "guitare moderne« Ce fut la première grande floraison de la culture dans la musique de guitare européenne et la naissance d'un grand répertoire original pour la guitare. La période entre les dernières années du dix-huitième siècle et les premières décennies du XIXe siècle, est connu comme l'un des grands « guitariste-compositeur. » Ces personnages ont été les premiers à mettre la guitare presque exclusivement instrument folk, le rôle d'un instrument de concert. La technique développée énormément, et la simple fonction d'accompagnement a cédé la place, dans certains auteurs, à la virtuosité des hauteurs mémorable. Une première génération de ces grands musiciens voir en Italie les noms de Ferdinando Carulli, Mauro Giuliani, Francesco Molino, Matteo Carcassi, en Espagne ceux de Fernando Sor et Dionisio Aguado; une mention importante doit être faite au célèbre violoniste Niccolò Paganini, que ce qui était un guitariste talentueux a laissé quelques pages importantes du répertoire, comme d'ailleurs fait les Autrichiens aussi Anton Diabelli et Simon Molitor. La nouvelle génération est placé vers le milieu du XIXe siècle, maintenant, quand l'intérêt de la guitare a été progressivement diminue sur le continent; les noms les plus représentatifs de cette époque sont celles de l'italien Luigi Legnani et Giulio Regondi, le slovaque Johann Kaspar Mertz Anglais et français Napoléon Coste.

Guitare classique
Fernando Sor (1778-1839)

D'un point de vue pédagogique, chacun de ces noms - certains plus que d'autres - est d'une importance capitale dans l'histoire de la guitare. Le début du XIXe siècle a vu une prolifération d'autorité méthodes pour enseigner la guitare. Dans ceux-ci sont traités pour la première fois décrit de nombreux principes fondamentaux de la technique musicale et instrumentale, notamment en ce qui concerne l'utilisation du droit et la main gauche (voir à cet égard la section « guitare technique »). Parmi les méthodes qui ont le plus grand impact sur le développement de la technique de la guitare, on peut citer la Méthode op.27 Carulli, la Nuevo método para guitarra Aguado, la méthode Giuliani en particulier pour la collecte de 120 formules de arpèges pour la main droite, et Méthode pour la Guitare Sor, qui représente l'approfondissement des thèmes théoriques / musical en ce qui concerne l'instrument et le son qu'elle produit. Vaste étaient également bien représentés études, différents niveaux et valeur, publiés dans cette période; parmi les nombreuses pistes de routine, sans inspiration, on peut trouver dans certains cas aussi des compositions qui, tout en ayant une fonction principalement l'enseignement, présentent la qualité musicale précieuse. Parmi les collections les plus célèbres que vous vous souvenez 25 études mélodiques et progressives Op.60 Carcassi et Etudes op.35 Fernando Sor, dont une partie a été recueillie dans une édition populaire de 20 études publiées Andrés Segovia en 1945.

Très grand est aussi le répertoire de morceaux « de concert », datant de cette période. Les principales normes de référence dans les compositions les plus exigeantes sont d'une part les modèles de piano, classicisme de Mozart, Beethoven et Haydn, et de l'autre le style lyrique et vocal appelé « Rossini ». Le premier style est plus d'auteurs le type de Carulli et Aguado, tandis que le second est plus représentatif du style des compositeurs comme Giuliani et Carcassi. Voici quelques exemples des plus caractéristiques personnelles observables dans certains compositeurs sont: Mertz, membres des modèles de piano romantiques à la place des classiques, en particulier Liszt et Chopin; Sor, une attention sans précédent à ses contemporains aux possibilités polyphonique offert par la guitare; Legnani, en plus de l'influence des formes opératiques liées à la passion pour le chant, il ajoute un style violon inspiré qui fait référence aux prouesses de virtuose Paganini, dont il était un ami. en sonates, en rondo et menuets composés à l'époque, il reflète généralement un style musical plus traditionnel, et évoquent parfois un peu l'atmosphère des salons aristocratiques - où effectivement eu lieu assez souvent les performances de guitare. en fantasmes, dans les thèmes variations, en pot-pourri et humeurs Il est au contraire donné une plus grande liberté d'expression des particularités de guitare instrumentales, et ce sont généralement les pistes dans lesquelles le compositeur a été utilisé pour donner le plus grand écran (et de ventilation) de virtuosité technique. A titre d'exemple, on peut citer à cet égard: la fantaisie op.30 et Variations sur un thème de Mozart op.9 de Sor; la 36 caprices Op.20 par Legnani; la Rossiniane op.119-124 Giuliani; la Fantaisie hongroise Mertz; la Reverie nocturne op.19 Regondi.

Guitare classique
Mauro Giuliani (1781-1829)

Au sein du répertoire de la guitare classique, une ressource spécifique de sa période historique et artistique est celle de la musique de chambre Guitare. Parmi les auteurs les plus représentatifs dans ce domaine il y avait l'italienne Filippo Gragnani, en plus de bien connu Carulli, Molino, Giuliani et Sor. En plus du duo de guitares, et parfois le trio, les formations les plus typiques sont violon et guitare, flûte et guitare, piano et guitare; Gragnani observée dans les formations d'extensions inédites, qui viennent d'inclure également six interprètes (flûte, clarinette, violon, deux guitares, violoncelle). l'allégement de la citation devrait également être fait pour le quintette pour cordes et guitare Luigi Boccherini (1743 - 1805) et pour différentes compositions d'Anton Diabelli, qui, contrairement à des noms précédents étaient pas des spécialistes de la guitare.

dans cette période datent aussi les premières compositions aussi de concerts pour guitare et orchestre. Ce type de composition, compte tenu de la capacité sonore significativement plus faible de guitares par rapport à celles modernes, présente des difficultés considérables pour l'époque de orchestration. Parmi les quelques composés de concerts et survivant, le seul qui jouissait à l'époque moderne d'appréciation musicale attention était Concerto No. 1 Op.30 par Mauro Giuliani, tandis que d'autres (Carulli: Op.8 Concerto en la majeur et Op.140 Concerto en mi mineur. Molino: Concerto en mi mineur op.56) Ils ont toujours joué un rôle marginal dans le répertoire de la guitare pour guitare et orchestre: l'art du concert ne trouvera au XXe siècle son plus grand accomplissement et ses plus célèbres interprètes.

Deuxième moitié du XIXe

La période qui couvre la seconde moitié de XIXe siècle Il a vu une baisse lente mais progressive de la culture de la guitare; intérêt fanée quell'inedito dans l'instrument, ils jouent comme Giuliani avait réussi à imposer sur la scène musicale des grandes capitales européennes. La poursuite de la tradition instrumentale subsistait encore dans les petites régions, le travail de quelques maîtres mais très importants.

Guitare classique
Francisco Tarrega (1852 - 1909)

La figure dominante, pour la gloire, dans ce panorama est certainement celui de l'espagnol Francisco Tarrega. Son travail était d'une importance capitale: au-delà des mérites ont discuté du développement de la technique, lui et son « école » maintenu en vie l'un des plus importantes traditions de guitare en Europe - celle de l'Espagne - et bon nombre de ses étudiants, Emilio Pujol, Miguel Llobet et Daniel Fortea, Ils seront après lui les personnages centraux de la scène de la guitare mondiale. Au-delà de cela, il était un artiste brillant. Tarrega composé de nombreuses chansons, dont certaines constituent aujourd'hui les pierres angulaires du répertoire de la guitare. Parmi tous les stands de réputation Recuerdos de la Alhambra, écrit pour la technique de trémolo et qui reflète la relation forte du compositeur avec la tradition musicale espagnole. Entièrement différentes sont ses célèbres Variations sur le Carnaval de Venise, et avec une virtuosité exubérante et le rappel parfois frivole avec amusement les gloires passées de la guitare classique. Sa contribution à l'enrichissement du répertoire pour guitare a été étendue dans une direction destinée à avoir une grande chance: celle de relevés de notes guitare. Parmi les plus « bien dirigés » sont certainement les transcriptions mentionnées des adaptations pour piano des chansons des compositeurs catalans Enrique Granados et Isaac Albeniz; Paradoxalement, certaines de ces chansons éventuellement se rencontrer, dans leur version pour guitare, une réputation bien plus que la version originale.

de plus en Espagne, D'autres chiffres clés - comme les guitaristes et compositeurs - la période étaient ceux de Julián Arcas, qui était presque un mentor pour Tarrega, et José Ferrer. Dans le reste de l'Europe, il est important de souligner le travail de Jacques Tessarech (1862-1929) en France, Luigi Mozzani (1869-1943) en Italie et Heinrich Albert (1870-1950) en Allemagne: Les noms moins connus, mais aussi décisif dans la maturation des conditions pour ce qui sera le grand renouveau de la guitare XX siècle. Parmi les compositions de Mozzani prédominer ceux présentant un intérêt pédagogique (collection exceptionnelle pour les études de guitare publié New-York à partir de 1896), mais il y a aussi d'importantes pièces de concert.

» ... Maintenant que je l'ai fait violons, violoncelles, lire, mandolines,
le résultat que je trouve que techniquement le plus « istrumendo difficile est guitare...
Je tiens à des difficultés presque insurmontables et qu'il a toujours stimulé mon entêtement, je veux dire
dire « de la poignée réglée »

(Luigi Mozzani[2])

Styles musicaux

La guitare classique, vous pouvez jouer de différentes manières: par l'utilisation des doigts ou la main en général (typique « classique »), ou en utilisant un choix, actuellement utilisé dans la musique moderne ou d'origine afro-américaine. Les détails sont les effets timbrales dus à l'utilisation des ongles de la main droite, lorsque l'angle d'attaque des doigts sur les cordes, l'utilisation percussive de la main, au choix, etc. Certains de ces effets, tels que rasgueado, Ils proviennent de la technique de guitare utilisée dans flamenco.

La guitare classique est l'un d'entre instruments de musique plus expressif. Une grande partie du répertoire existant pour guitare classique est écrit pour instrument solo, duo pour ou, plus rarement, trio, quatuor ou orchestre guitare. Très riche aussi le répertoire de musique de chambre, alors qu'il est rare de son utilisation dans des orchestres.

Au contraire, la guitare a été utilisé comme instrument soliste avec orchestre. Parmi les auteurs qui ont écrit pour concertos un ou plusieurs guitares et orchestre comprennent: Ferdinando Carulli, Mauro Giuliani (concerts op. 30, 36 et 70), Joaquín Rodrigo (Concierto de Aranjuez, Fantasía par un gentilhombre, Concierto Madrigal Concierto para una Fiesta) Mario Castelnuovo-Tedesco (Concerto en ré op. 99, Concerto in C op. 160, Concerto pour deux guitares et orchestre op. 201), Heitor Villa-Lobos (Fantasia concerto pour guitare et petit orchestre), Manuel Maria Ponce (Concierto del Sur), Alexandre Tansman (Concertino pour guitare et orchestre), Leo Brouwer, Stephen Dodgson.

En ce qui concerne les guitaristes contemporains compositeurs, particulièrement actif est le soi-disant « école de guitare romaine », dirigé par Mario Gangi (vingt études, La Ronde Folle, Sonatine) et Carlo Carfagna (fragment, Retour à Cythère, Scène Cher, Orion).

La guitare classique est très utilisé pour jouer le bossa nova par les guitaristes et compositeurs tels que (parmi les plus célèbres) João Gilberto, Gilberto Gil, Toquinho, Caetano Veloso et bien d'autres.

Il est parfois utilisé dans la musique jazz; Un exemple bien connu est celui du duo Pat Metheny et Charlie Haden.

notes

  1. ^ mangore.com | guitariste Nails, Page 2
  2. ^ Cité dans: Le Luth et Guitare Maria Rita Brondi à la page 128

bibliographie

  • Mario dell'Ara Manuel de l'histoire de la guitare. Volume 1: la guitare ancienne, classique et romantique, Ancône, Bèrben, 1988
  • Gianni Nuti (avec des contributions de Sergio Sorrentino) Manuel de l'histoire de la guitare. Volume 2: la guitare au XXe siècle, Ancône, Bèrben 2009
  • E. Allorto, Ruggero Chiesa, Mario dell'Ara Angelo Gilardino la guitare, Turin, EDT, 1990
  • Carlo Carfagna, Roberto Fabbri, Michele Greci, L'histoire de la guitare, Milan, Carisch 2007
  • Angelo Gilardino, la guitare, Milan, Curci, 2010
  • Harvey Turnbull, La guitare de la Renaissance à nos jours, Edizioni Curci, 2010.

Articles connexes

  • guitare
  • Guitares folk
  • Guitare électrique
  • préparé Guitare
  • guitariste
  • Bossa nova

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