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cinéma muet à Hollywood
The Kid de Charlie Chaplin (1921)

La période de films muets à Hollywood Il est une phase de histoire du cinéma allant à peu près de 1919 un 1929 et il se termine par le renouvellement en raison de l'introduction de film sonore. Dans cette période, il a été mis à profit et précisé la langue montage récit, développé en 1914 de David Wark Griffith. Les protagonistes de cette période ont été les grands humoristes, notamment Charlie Chaplin et Buster Keaton, mais au moins il y avait un grand maître dans le drame, Erich von Stroheim. Le modèle narratif Hollywood est alors imposé sur le plan commercial mondial.

histoire

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Vue de Hollywood Studios en 1922

en 1908 Certains producteurs, réalisateurs et New York artistes avaient mis en place le studio près de Los Angeles, à l'autre extrême du pays, où la lumière du soleil constant tout au long de l'année pourrait fournir les conditions d'éclairage sont idéales pour impressionner films, avec des coûts de production moins chers. La banlieue de « forêt Hollies« (Hollywood) Bientôt, il est devenu un centre de plus en plus important, grâce à sa proximité de la frontière mexicaine, ce qui a permis un moyen facile de problèmes avec les autorités fiscales en cas de défaillance[1].

Il a même commencé à prendre forme même la soi-disant système producteur, un système industriel où le fabricant a imposé ses choix visant un contrôle absolu au détriment des films du réalisateur. Les trois premières grandes maisons de production de films, tous nés dans la capitale Côte Est, ont été les suprême, la MGM et First national.

La fusion avec Griffith intolérance signalé peu de temps après la naissance d'une nouvelle société de production, United Artists, fondée par Griffith, Charlie Chaplin et les deux acteurs les plus célèbres américains de l'époque, Mary Pickford et Douglas Fairbanks. L'épisode a marqué un premier exemple de légitime défense des artistes contre le poids croissant des fabricants. United Artists est une maison de production indépendante, qui a été rejoint par les autres enfants.

La crise du cinéma 1906 a finalement été surmontés et la production, les téléspectateurs et le cinéma du chiffre d'affaires a augmenté d'année en année, à une période extraordinaire dans les années vingt (le « Années Folles »). en 1922 Il est né l'Association des producteurs américains (MPPDA, Motion Picture Association des producteurs et distributeurs), Qui avait tant de poids dans la création de Cinéma classique Hollywood, que le son est coupé.

Griffith et montage narratif

icône Loupe mgx2.svg Le même sujet en détail: David Wark Griffith.
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D. W. Griffith

Après Pastrone de nombreux réalisateurs ont commencé à changer de perspective dans les coulisses, d'intégrer les gros plans et détails, brisant l'ancien seul coup avec plus de « inserts ». Mise en évidence quelques-uns des détails ou des humeurs ou bien ils ont fait l'histoire simple et la plus claire à comprendre.

Celui qui est capable d'encoder le film comme une œuvre de fiction était l'Américain David W. Griffith, que déjà dans le premier film, à partir de 1908 pour la société de production Biograph a montré l'attention sur les différentes techniques d'assemblage: l'utilisation de subjectif, à l'axe de montage, à montage analytique, etc.

en 1914 dirigé son chef-d'œuvre, la Naissance d'une nation, une caractéristique qui est considérée comme un tournant entre le cinéma « mostrativo » les attractions et le cinéma narratif. Le film a marqué la création d'une langue où toutes les expériences des dernières décennies devaient trouver leur place dans la création et la sensation distinctive est l'histoire de spin ici que l'Assemblée alternative est devenu utile dans les scènes de poursuite, la premier plan Il a assumé la tâche essentielle de construire la psychologie de caractères, etc. La vitesse de l'installation, par rapport à la fixité et l'immobilité des scènes dans le film précédent, produit de nouvelles émotions inattendues en public, donnant naissance à un nouveau style et une nouvelle façon de raconter: le cinéma narratif.

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Exemple de connexion de subjectif: le personnage regarde un portrait (Naissance d'une nation)

La relation entre ce qu'il avait pour but de dire et ce que vous montriez Griffith est inversé: d'abord l'histoire était un prétexte pour élever une vision et des effets spéciaux éblouissants, maintenant la principale préoccupation du directeur et le public est avant tout l'histoire racontée.

Griffith a également été le premier vrai directeur l'histoire du cinéma, qui est entré en conflit avec son opérateur Billy Bitzer en raison de problèmes liés à la gestion et l'auteur du film. Le directeur est devenu une sorte de « narrateur invisible », ce qui le public dans l'histoire, en remplacement de ce qui était au début du cinéma a été le narrateur ou charlatan, présent lors de la salle de projection. Avec une spécialisation dans diverses professions (réalisateur, caméraman, scénariste, photographe, rédacteur en chef), le narrateur devient l'expression d'une communauté de sujets, y compris les acteurs, ce qui rend le film un grand art collectif, comme les traditions comme celle de danse ou de la musique pour orchestre.

avec intolérance (1916) Griffith lui-même passé proposant déjà dépassé les moyens narratifs qu'il avait lui-même créé: dans le nouveau film utilisé le montage parallèle pour connecter quatre histoires se déroulant à différentes époques et lieux très différents, unis par l'idée de condamner l'intolérance en faveur de la paix et l'harmonie entre les individus. Plus et les connexions théoriques continues devraient stimuler la réflexion du spectateur, avec l'intérêt d'un administrateur plus dans la transmission d'un concept que les histoires individuelles elles-mêmes.

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Tom Mix en 1925

Développement des genres

La relation privilégiée entre les producteurs et les spectateurs manifesté dans les genres de films, qui ont été développées et codifiées systématiquement que dans les années trente. Les principaux types étaient le drame de costume historique, blockbuster mythologique, le drame du cadre moderne, la films de gangsters, la occidental et le genre comique.

Dans les westerns est devenu célèbre premier cow-boy Film, Tom Mix, un bon chiffre qui a aidé les faibles et qui était toujours habillé en blanc (en contraste avec les ennemis vêtus de noir), dans un fort contraste entre bon et mauvais de la plus grande clarté.

Dans le genre dramatique, il a enlevé le producteur-artiste Jesse Lasky, qui a conçu un système d'éclairage ( « Lasky d'éclairage » ou « Rembrandt« ), Qui a laissé dans l'ombre la plupart de la scène, avec une lumière violente, souvent d'une coupe horizontale sur un personnage ou d'un objet, ce qui pourrait bien émerger remarquable en arrière-plan. La première application de cet effet est dans les films les faiseurs de Cecil De Mille (1915).

Naissance du vedettariat

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Rodolfo Valentino tout Les Quatre Cavaliers de l'Apocalypse (1921)
icône Loupe mgx2.svg Le même sujet en détail: vedettariat.

Dans les années vingt, il a développé le phénomène de vedettariat, né de la collaboration intense entre le cinéma et l'autre médias (Journaux, magazines, presse people, radio, industrie de la musique). Le système d'étoiles est un procès « déification » d'un individu, dans le sens que son image devient une icône toujours présente dans la vie des gens ordinaires, comme ce qui était pour les icônes religieuses du passé. Le Divi a suscité la folie des foules fétichiste (Ainsi que décrit dans le film Le jour du fléau la 1939, situé dans la fin des années 20), devenant rapidement l'un des principaux facteurs d'aliénation de la masse de la société moderne. L'étoile à l'écran, éthérée et surnaturelle, était une image de tout à fait distincte de la personne de chair et de sang, qui a joué et a travaillé comme des gens normaux.

Parmi les premières étoiles, hommes et femmes, il y avait Gloria Swanson ou un adolescent Rodolfo Valentino, la sensualité du mestizo sombre. Les étoiles des années 20 sont très transgressif, séduisant, séduisante ambiguë, alors que dans les années 30 le système Hollywood a essayé d'apprivoiser ces chiffres, ce qui les rend plus conformistes, plus liée à un amour chaste au sexe.

Mack Sennett et comédie bouffonne

icône Loupe mgx2.svg Le même sujet en détail: Mack Sennett et Studios Keystone.
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la bain Beauties (Beauté de bain)

Le genre comique a connu une large diffusion et a été la formation la plus importante pour la finalisation du langage cinématographique, en raison de sa caractéristique principale, celle de la vitesse. Les numéros de cinéma comiques ont été tirés de la tradition du cirque, des acrobates et des farces populaires, mais l'Assemblée pourrait les rendre extrêmement mouvementé et dynamique. Head Boy comme ça a été Mack Sennett et clé de voûte (à partir de 1910), Le berceau de la soi-disant comédie bouffonne (Littéralement « claque et du bâton »), film-jouet caractérisé par le non-sens et un maelström lumineux de gifles, coups de poing, coups de pied, des tartes au visage, les chutes, les vols, les rebonds et la chasse, dans une course collective frénétiques. Les hommes se sont battus contre les objets hantés, dans un monde brisé et reconstruit vers le bas les auteurs.

Sennett a également été qualifiée en créant des groupes de personnages récurrents, héritiers des masques art de la comédie, parmi lesquels se détachait Keystone Cops, flics fous qui toujours courir après la mauvaise personne, ou le bain, Beautés utilisation purement décoratif. Ceux-ci étaient composés de gags comiques désordonnés et assez rude, mais pourrait créer un ensemble subversif et libérer le monde, où les pauvres semblaient avoir une certaine consolation à voir les riches triché et volé.

Fondamentaux a été la contribution des films comiques dans l'élaboration du langage d'assemblage, grâce aux découvertes qui étaient naturelles dans un climat d'expérimentation continue, où le centre d'intérêt était le rythme, plutôt que de l'histoire, à un langage purement cinématographique basée sur le mouvement. Si Griffith était la personne morale du langage cinématographique, Sennett était transgressif: Griffith tout est clair et certain (des coups de feu à la division entre le bien et le mal), pour Sennett tout est fluide et en pleine mutation[2]. Merci au film comique était maintenant capable de dire non seulement une histoire, mais aussi de renverser le chemin, changer le point de vue narratif et inverser les rôles.

De la salle de gym de Keystone est venu de nombreux maîtres du lendemain du cinéma, tant dans le domaine comique (Chaplin, Keaton, Arbuckle, Langdon, Turpin, Lloyd) Ce spectaculaire (Frank Capra).

Charlie Chaplin

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affiches dØ Le remède miracle (1917)
icône Loupe mgx2.svg Le même sujet en détail: Charlie Chaplin.

La bande dessinée Sennett étaient populaires et le carnaval, mais aussi répétitif. Ses meilleurs héritiers raffinarono de style, développer la capacité à renverser maîtrisé tout à coup la signification des images, ce qui crée des situations paradoxales et drôles, en profitant des isotopes (analogies formelles) qui créent des malentendus et des jeux, mais aussi ennoblir leurs films jouant sur la ligne entre ridicule et tragique, car seuls les meilleurs humoristes peuvent faire.

Parmi les masques de films Sennett était aussi mauvais Chas, un monsieur élégant mais rancunier, qui est entré dans tout le monde, il a rencontré des difficultés, joué par un acteur d'origine britannique, Charlie Chaplin. De ce personnage développé en raison de la universellement connue charlot (Comment il a été appelé en France), un pauvre vagabond mais combatif, adulé par le public et les critiques. Dans ses aventures Charlot justifia les faibles et les opprimés, et en dépit d'être à son tour une victime sans défense, toujours réussi à gagner, selon un modèle narratif très ancien.

Chaplin le Bond (1918)

Dans ses films le matériel comique équipe Sennett est devenue extrêmement raffinée, avec des actions individuelles qui ont été comparés à un danse. Sa formation artistique a attiré l' pantomime, l'art de parodie, le monde de la clown la cirque, en particulier le caractère petit et maladroit qui devient le héros du jeu, dans lequel les enfants ont été identifiés. Ce genre de dommages symboliques de faible, tirés du monde du cirque populaire et porté à un niveau universel, a été le thème principal des chefs-d'œuvre de Chaplin. Mais dans ses films les plus faibles ont été attribués que sur le plan imaginaire et toujours défaits dans la vie réelle, révélant les aspects tragiques de l'existence.

Dans le premier film qui peut être considéré comme mature, Le remède miracle la 1917, On raconte l'histoire incroyable d'un alcoolique qui va aux sources chaudes pour détoxifier et pouvoir être bu dans tout l'hôtel, y compris les femmes et sortir quand tout tombe en morceaux, avec une nouvelle petite amie. Le film dure 19 minutes et présente ainsi 181 coups, avec une vitesse comparable à un montage très court Eisenstein tout Battleship Potemkin, qu'il a été inspiré. La caméra se déplace ensuite à Chaplin avec une rapidité incroyable, mais avec la beauté et la précision de la danse. Dans les films de ces années, le récit est surtout une excuse (Bras d'épaule, 1918 The Kid, 1921 le pèlerin, 1923) Ensuite, la transition vers United Artists, de 1923 il se consacre au mélodrame sentimental et social, où il a perdu une partie de la vitalité primitive, tout en conservant un immense succès populaire. Dans les plus célèbres séquences, cependant, sont ses « ballets » la perfection formelle comme La ruée vers l'or (1925) Avec des scènes de la cabane sur ravin en pente, ou la lutte contre le vent.

Laurel et Hardy

icône Loupe mgx2.svg Le même sujet en détail: Laurel et Hardy.
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Laurel et Hardy

Les principaux représentants de gags burlesques comiques des années 20 à 30 ans étaient les deux Stan Laurel et Oliver Hardy. Comme une paire de Laurel et Hardy a travaillé 1927-1951, bien que le public et les critiques reconnaissent le meilleur de leur carrière la période jusqu'en 1940, avant le terme de Fox. Les expressions faciales des deux personnages dans l'invention consiste en une figure maigre, pleurnicheur et hystérique nommé Laurel, et le camarade corpulent et pédant nommé Hardy, qui pense toujours qu'il vaut mieux qu'il se termine évidemment dans les grandes mésaventures. petits jeux de mots et beaucoup de prestige ont aidé le couple à l'épreuve du son en 1929, jusqu'à la réalisation de longs métrages depuis 1931. Les films les plus célèbres du couple, de '27 à '40, sont la bande dessinée Mettez Pantalon sur Philip, Les marins sur le terrain, Les bons plans, Another Fine Mess et comique gagnant L'échelle musicale. Les films les plus connus sont Fils du Désert, Fra Diavolo, au pays des merveilles et Les Deuces volants.

Les Hal Roach Studios

icône Loupe mgx2.svg Le même sujet en détail: Hal Roach.

Hal Roach des années 20 aux années 40 en tant que producteur finance des centaines de différents films de comédiens en coproduction avec MGM, tels que Laurel et Hardy, Harold Lloyd et Les petits coquins.

Buster Keaton

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La maison non réglé Une semaine (1920)
icône Loupe mgx2.svg Le même sujet en détail: Buster Keaton.

Buster Keaton Ce fut un autre monstre sacré de films comiques de ces années. Son mécanisme cinéma est encore plus parfait pour Chaplin, avec des inversions constantes de direction, marquée par un exercice continu de la logique des objets changent de direction, les actions simples deviennent complexes et devient très facile impossible, ce qui semble inoffensif devient un danger et l'adversité va révéler une aide inattendue. Dans les films de Keaton le monde réel devient abstrait, surréaliste, tout ce qui est mal est juste et vice-versa. Parmi ses œuvres sont, Playhouse (1921), Où il se multiplie à interpréter tout l'orchestre (comme Méliès tout L'homme-orchestre) le maréchal-ferrant (1922), Où un tir à distance semble vouloir travailler le feu, alors qu'il fait cuire deux œufs au plat, Le numéro de bille 13, où il a joué avec le cinéma lui-même entrer dans l'écran pour aider une fille, Une semaine, où un mal monté maison préfabriquée devient un carrousel qui tourne sur lui-même, mais à la fin les habitants descendent grâce à la balade. Ses chefs-d'œuvre sont suivis tout au long de l'ère silencieuse: le navigateur (1924) Seven chances (1925), deux parodies de film de suivi, Comment j'ai gagné la guerre (1926) Si au cours de la guerre civile sauvé seule une armée entière, collège (1927), Où il est devenu un athlète inattendu et, enfin, le Caméraman, une réflexion moqueuse sur le même cinéma, le dernier ouvrage son intégralité. Son cinéma, en se basant sur les jeux visuels, a été coupé avec l'arrivée du son.

Erich von Stroheim

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Erich von Stroheim en Les femmes folles (1922)
icône Loupe mgx2.svg Le même sujet en détail: Erich von Stroheim.

Le troisième grand maître du cinéma américain des années vingt était Erich von Stroheim, le partisan le plus passionné du cinéma comme art colossal grandiose, basé sur la mise en scène somptueuse et précise, avec des jeux énormes pour les longs métrages de longueur titanesques. Son gigantisme a eu des ennuis tous les producteurs avec lesquels il a travaillé (avant la Universal Studios puis MGM), Venendone d'abord excité puis détruit. Les producteurs en fait créé sur lui une sorte de légende, soutenu par une biographie fausse qu'il voulait noble européen, riche et décadent, fuite Vienne.

Ses premiers longs métrages (blind Husbands la 1918 et Les femmes folles la 1921) Sont des histoires sensuelles et provocantes cruellement, où le réalisme des détails révèle l'hypocrisie de la société bourgeoise. rapacité (avidité, 1924) Est son chef-d'œuvre, où le réalisme et les métaphores visuelles continues sont fusionnées en une seule. Les scènes dans la reconstruction d'une étude de rue entière San Francisco comme il est apparu au XIXe siècle, alors que les images individuelles étaient souvent symboliques que esplicitassero le sens de l'histoire et l'état d'esprit des personnages.

Von Stroheim a utilisé le Profondeur de champ, difformemente par la tendance américaine à préférer des images moins détaillées et donc plus facile pour le spectateur. Il pouvait remplir exploiter les coups de divers sens, où l'arrière-plan pourrait être le contraire de ce qu'il représentait, contredisant le avanpiano (le sujet proche de l'appareil) alors peut-être si vous montrez une scène heureuse, sombre et fantasmagorique il dénonce la connotation réelle. Typique est l'exemple rapacité la mariage les protagonistes, où vous voyez une funérailles passer devant la fenêtre. Son œil cruel et intense font de l'école à l'ensemble des prochains films et moissonne la technique des « conflits » dans le cadre Orson Welles et Jean Renoir.

avidité a été le premier grand défi et de provocation à la culture et de la société actuelle: travailler sans souci si éloigné de divertissement n'a pas été pour leur grand succès, donc plus tard, les producteurs ont mis le directeur en vertu des contrôles plus stricts. plus tard MGM lui a offert dirigé vers une version de La Veuve joyeuse, qui se transforma en une vue cynique de la décadence et de la dépravation des fêtes de la cour. en 1928 il se tourna Queen Kelly, un autre film putain, qui mettait en vedette Gloria Swanson qu'il passait par une écolière vivant dans une maison close à travers toutes sortes de bidonvilles. La réalisation du film a été interrompu par l'arrivée de l'occasion sonore, en raison des craintes du fabricant, la fermeture de la carrière de réalisateur de von Stroheim.

Les films Stroheim ont une charge sensuelle et érotique qui avait pas d'égal que ce soit avant ou après: certains critiques ont parlé de « la violence érotique »[3].

notes

  1. ^ Bernardi, cit., P 63.
  2. ^ Bernardi, cit., P 66.
  3. ^ Bernardi, cit., P 75.

bibliographie

  • Sandro Bernardi, Le cinéma d'aventure, Marsilio Editori, Venezia 2007. ISBN 978-88-317-9297-4
  • René Prédal, Cinéma: cent ans d'histoire, Baldini Castoldi, Milano 2002

Articles connexes

  • L'histoire du cinéma