s
19 708 Pages

la concert est un forme musicale qui fournit un ou plusieurs instruments solistes accompagné de 'orchestre. Il était en vogue déjà période classique et il est encore à ce jour.

étymologie

L'origine du mot « concert » a toujours suscité des discussions entre musicologues. déjà en Cinquecento le mot a été attribuée à deux différents mots latins: le premier concertatum (Du verbe concert, à-dire combat, course) et le second par consertum (Du verbe conserere, traduisible comme le tissage, nouage, mais aussi dans certains contextes, discuter avec). en 1619, Michael Praetorius Il a soutenu l'étymologie qui a donné l'idée du combat, l'affrontement entre les deux entités instrumentales distinctes, à la fois en nombre et en sonorité.

Dans les temps modernes, le compositeur allemand Hugo cependant Daffner, a proposé la première signification du verbe conserere[Traduction?], soulignant ainsi le caractère de dialogue de tissage, qui caractérise en fait le style concertant.

En général, la première hypothèse est considérée comme la plus valable, trouver encore les principales conclusions aujourd'hui.

histoire

origines

Le concert, comme la plupart des formes musicales, Il né en Italie, comme une dérivation directe de certaines formes musicales[peu clair]. A l'origine, les premières formes instrumentales ont été définies chansons de Sonare et étaient des compositions dans le style polyphonique destiné à 'organe et des formes vocales anciennes. A partir de suite (Regroupement des chansons et danses Arias), est sorti de l'appareil photo da Sonata, de sorte que le Chansons de Sonare Il est venu l'église Sonata.

église Sonata

icône Loupe mgx2.svg Le même sujet en détail: église Sonata.

La sonate d'église est née vers la fin de Cinquecento, dans le cadre de l'église « chapelles d'exploitation » qui se développaient à côté de celles purement vocale. Ce besoin est né avec l'idée de donner une plus grande solennité aux pratiques du culte, ce qui contribue grandement au développement de la musique instrumentale: en effet, au cours des fonctions spéciales, la main-d'œuvre normale des artistes a augmenté, ce qui donne aux compositeurs de profiter de nombreux complexes. Il a été fait (comme le Sonata da camera) Pour deux violons et basse, aussi était polyphonique, et il a été caractérisé par le nombre et la définition du temps: il était généralement constitué de trois mouvements, un Allegro, souvent précédée d'une tombe initiale, un Adagio et un Vivace final.

Lorsque la Sonata da Chiesa a été prolongé, doublé avec l'utilisation d'instruments (en particulier les instruments à vent) dans les temps lumineux, a été appelé symphonie ou médiocrement sonate. Ces deux termes doivent être ajoutés un troisième, Concerto grosso, qui était en fait rien de plus qu'un moyen d'effectuer la Sonate en divisant l'église la partie instrumentale entre deux groupes de joueurs: le Concertino et Concerto Grosso.

Le concert baroque

La forme musicale du concerto grosso a été porté à sa plus haute expression de compositeurs tels que Arcangelo Corelli, Giuseppe Torelli, Tomaso Albinoni, Georg Friedrich Händel, Evaristo Felice Dall'Abaco et Giuseppe Valentini. Alessandro Stradella adoptée dans les années 60 du XVIIe siècle la forme du concerto grosso est dans sa « Sonate de violettes » et, surtout, dans les travaux avec un grand ensemble vocal-instrumental, comme 'art oratoire, San Giovanni Battista, où l'accompagnement de l'ensemble arias Il est en effet pris en charge par le poids des combinaisons sonores créées par le contraste entre les deux parties de l'instrument.
La forme du concerto grosso, élaboré dans le concerto et de concert dans de nombreux instruments, s'établit en particulier à Venise, où, en grande partie en raison de Antonio Vivaldi Il a acquis une plus grande définition sous la forme.
La forme « de s'abstenir » de Vivaldi a été utilisé comme modèle pour longtemps en Italie et à l'étranger: le même Johann Sebastian Bach Il a étudié en profondeur, transcrivant de nombreux concerts pour orgue ou clavecin et tout en conservant la structure en tant que Concerto dans le style italien.

Concerto grosso

icône Loupe mgx2.svg Le même sujet en détail: Concerto grosso.

Concert du groupe

Le concert du groupe est une composition musicale dans laquelle tous les outils sont tout aussi importants et forment un groupe compact. Il y a des parties en solo avec une plus grande importance, mais le compositeur forment les effets sonores avec les différents instruments de timbres. La symphonie classique 700 dérive, de la performance du groupe.

la farce de concert

Concert chambre

un concert de chambre, en Anglais concert de chambre et allemand Kammerkonzert des deux types était à l'origine une concerto grosso ainsi que le concert de l'église. Le concert de chambre avait le caractère d'une suite, ayant pour introduire un prélude et comprenant diverses formes de danse tiré du répertoire populaire. Antonio Vivaldi et Georg Philipp Telemann Ils étaient grands exposants de cette forme musicale. Plus tard, il est allé à définir de façon plus générale un concert musique de chambre ou écrit pour un 'orchestre de chambre.

Double Concerto, triple, multiple

icône Loupe mgx2.svg Le même sujet en détail: double concerto et Concerto triple.

évolution

transformations ultérieures du concert vont de pair avec ceux qui se sont produits dans la symphonie, ce qui a grandement contribué à accroître l'importance de concert symphonique. En fait, comme sonate de l'église peu à la fois pris une forme définitive avec l'adoption de la forme ternaire, ainsi que la symphonie et le concert, ils auraient fait usage de ce système. Il faut dire, aussi, que le concert est né en particulier avec le violon, comme instrument solo: il y a peu de cas où les clavecin Il apparaît comme un instrument de premier plan, bien au moment où il a connu un grand écart.

Le clavecin a été utilisé pour la première fois en tant que soliste dans des concerts Johann Sebastian Bach, qui, en particulier avec le Concerto en ré mineur BWV 1063 conçu pour trois clavecins, Il remonte à nouveau aux modèles italiens, l'attribution d'un rôle de premier plan aux solistes, et veiller à ce que l'orchestre fait partie intégrante de la tendance de la composition.

types

Concerto pour piano

icône Loupe mgx2.svg Le même sujet en détail: Concerto pour piano.

Comme à l'époque baroque du concert de genre a marqué la montée de l'instrument solo de rang par excellence du violon, ainsi, dans la seconde moitié du XVIIIe siècle, il est encore une fois le concert de déclarer la naissance et l'affirmation de piano. En fait, grâce à une puissance sonore étrange à d'autres instruments à clavier, et sa capacité à créer les plus divers sons dynamiques et expressifs, à partir de 1770, le piano s'impose lentement comme l'étoile du genre de concert et le début de « XIXe siècle, est désormais en mesure de lutter sur la suprématie de violon solo.

structure

La structure du concert, qui a été créé à l'époque baroque a été définie à partir des plus célèbres concerts de Antonio Vivaldi, bien connu et réalisé dans toute l'Europe. Ils ont été divisés en trois périodes ou mouvements: Allegro, Adagio, Allegro. Les deux temps les plus rapides, ont eu la même architecture de composition, composé de quatre sections orchestrales (la tous) Qui contenait en solo trois crochets longs (la juste).

À la fin du XVIIIe siècle, l'affirmation des principes de composition forme sonate, influencé tous les genres instrumentaux, mais pas avec la même force: le concert solo offert plus de résistance au changement, parce que sa structure ne reposait pas tant sur l'opposition des thèmes ou des couleurs (comme dans le style sonate), parce que le contraste des sons entre tous et juste (À savoir l'orchestre et soliste).

Le concert classique est présenté, par conséquent, comme une fusion de structures formelles baroques et des personnages de la sonate moderne: les parties d'orchestre des mouvements rapides, enfermant trois sections en solo afin qu'ils puissent identifier les sections de exposition, développement et récupération Typique des principaux mouvements de chaque forme instrumentale du temps, de sonate un symphonie.

Carl Philipp Emanuel et Johann Christian Bach

Parmi les premiers dirigeants du concert classique, il y avait au départ deux des fils de Johann Sebastian Bach, le premier compositeur à concevoir des concerts pour clavier et orchestre: Carl Philipp Emanuel et Johann Christian.

Le premier a écrit quelque 52 concerts, dont beaucoup pour clavecin, pianoforte pour certains même avec accompagnement orchestral réduit, formellement plus proche de la structure du concert baroque, mais déjà orienté vers un style de dialogue. Une épaisseur entièrement différente est la production de la seconde, qui, avec ses 40 concerts pour clavecin ou au piano-forte, tout en continuant dans le genre de son frère, il raffermit le tissu musical avec l'utilisation de bitematismo.

L'école de Vienne

environnement musical viennois, le concerto pour piano trouvé un terrain fertile. en fait, à Vienne, il a dominé la figure de Franz Joseph Haydn, en fait plus intéressés par les évolutions structurelles symphonie et Foursome qui n'a pas au concert; mais aussi celle de Georg Christoph Wagenseil, que, dans plus de cent plus de concerts pour clavecin et orchestre, principalement représentés les besoins du classicisme. En plus de ces deux auteurs, vous souvenez peut-être la production de Giuseppe Cambini, de Jan Ladislav Dussek et Mannheim école.

Mais celui qui a grandement contribué à l'évolution de ce qui sera le concerto moderne pour piano et orchestre est sans aucun doute Wolfgang Amadeus Mozart. Avec lui, en fait, ce genre instrumental vient du « berceau » du concerto baroque pour devenir l'endroit où vous jouez un véritable drame musical dans sa grande production de concerts, le piano dans l'orchestre est un antagoniste réel, donnant lieu à un « choc » de sons différents à chaque fois.

L'enthousiasme du public pour la production de concerts Mozart a de plus en plus fading, au fil du temps, puisque ses œuvres quittaient chaque année du goût actuel pour le plaisir et l'écoute désengagés. En fait, dans les mêmes années à Vienne, ils avaient beaucoup plus publics, heureusement, le fonctionnement Vanhal, Kozeluch, Hoffmeister et Krommer, tous marqués sur une formelle assez simple, sans que la variété des harmonies et des mélodies d'opéras de Mozart.

Beethoven et d'autres

Parmi la nouvelle génération de musiciens, seulement Ludwig van Beethoven, a continué le sillage de Mozart: entre ses cinq grands concertos pour piano et orchestre, au moins trois (ceux mineur, sol majeur et mi bémol majeur) forme des jalons dans l'histoire du concert de genre, qui se penchera sur tous les compositeurs romantique.

Poussé par la mode généralisée de la virtuosité instrumentale, le concert acquiert plus tard des personnages de plus en plus brillants, pour répondre aux besoins du public à l'époque, soulevant le soliste dans le rôle de protagoniste. Parmi les compositeurs qui sont venus vous rappeler au goût du public: Daniel Steibelt, Johann Nepomuk Hummel, Ignaz Moscheles, Ferdinand Ries et Carl Czerny. Un brin à part, plus liée à l'héritage de Mozart, d'où vous avez des développements considérables était romantique, il est représenté par les compositeurs de l'école de piano que l'on appelle à Londres: Muzio Clementi, Johann Baptist Cramer et John Field.

la Romance

L'agitation politique profonde, sociale, artistique et culturel, qui ont caractérisé le 'huit cents, Ils se reflètent dans la musique aussi concert, dont l'évolution, après les innovations introduites par Beethoven, Il subit un arrêt de phase. Il y a une période dans laquelle les compositeurs, entraînés par la force de l'innovateur Sturm und Drang, rejeter les règles imposées par la tradition, en faveur d'une conception plus libre de la musique, et formes musicales dimensions réduites (libres etsoudain, nuit, balladry). Le concert commence donc vous perdre ce sens de l'unité, plutôt typique de la période classique, même si d'autre part le style romantique imprime un caractère plus libre, marqué par un esprit poétique et sentimental qui, en partie, surmonte et masque les incertitudes de composition (Carl Maria von Weber). Même les plus grands compositeurs des morceaux se réfugient dans plus limité, des gens comme Felix Mendelssohn, Fryderyk Chopin, Robert Schumann, Franz Liszt, que la musique reste une grande production, dans le cadre du concert pour piano et orchestre se limite à produire que quelques exemples, qui font des changements faibles mais significatives au type. Dans ces nouvelles compositions, en fait, la priorité est donnée à l'instrument solo dans le rapport d'orchestre, qui soumet ensuite au son cristallin du piano.

En outre, il se présente l'utilisation de l'enchaînement des mouvements, se rapprochant du type de mouvement en un seul concert. Vous commencez à perdre l'usage de la division canonique en trois mouvements, ainsi que la succession rigoureuse des thèmes, affichage, réexposition, etc. en Chopin l'exaltation du soliste est maximum: compositeur polonais, en fait, fait un usage limité des sons orchestraux qui ont été à la place prédominante dans Beethoven. avec Liszt, Au lieu de cela, la rupture avec les schémas du passé est plus clair: dans ses deux concerts embrassent de nouveaux idéaux, par une plus grande liberté dans la forme, non seulement avec le recours fréquent à des retours thématiques, mais avec des connexions intelligentes entre les mouvements, ce qui conduit à parler de concert à la fois seulement.

Le XIXe siècle fut aussi le siècle concert, des virtuoses du piano: cette attitude culturelle du temps affecte également le concert qui devient un terrain fertile pour les développements musicaux au détriment d'une forme plus pure et plus riche du point de vue thématique, en faveur d'une simple recherche externe.

L'ère moderne

la Concert moderne Il se développe à partir forme cyclique déjà connu romantique, cependant reprendre l'utilisation de ces processus complexes par eux-mêmes avaient été abandonnés à la place. Le style moderne, mélange aussi les nouvelles exigences nationalistes, qui se reflète dans l'utilisation de la musique arias et des motifs populaires, perdant le caractère d'universalité qui caractérise la période classique, en faveur d'une interprétation plus personnelle des formes musicales. À côté du concert, en fait, ils sont mis au point d'autres formes de musique pour instrument solo et orchestre (variations symphoniques, poèmes symphoniques Franck), Avec une architecture musicale différente, qui étend aux formes organiques concertistico initialement destinés à l'orchestre seul ou à l'instrument individuel.

Dans l'équilibre entre l'innovation et la tradition, il est plutôt placé Johannes Brahms, qui concilie le respect des formes avec l'utilisation de changements cycliques et transformations thématiques fréquentes (en fonction de véritable « métamorphose du sujet », plutôt que sur les appels récurrents). Brahms abandonne aussi la virtuosité solo romantique en faveur d'une conception plus symphonique de l'instrument, plus opposé à l'orchestre, mais enchaîné à harmonieusement, presque récupérer l'esprit qui caractérisait la concerto grosso. À cet égard, il a noté la Concerto pour violon, violoncelle et orchestre, qui marque un tournant stylistique dans le concert, à l'avance de l'évolution de la musique contemporaine.

Sous l'influence directe de Brahms, Giovanni Sgambati et Giuseppe Martucci développer un piano de renouvellement important dans le domaine italien. Les deux auteurs d'un concerto pour piano et orchestre, développer leurs œuvres dans les diktats traditionnels, cependant, confrontés à une plus grande liberté que leurs contemporains. En fait, ils ont lieu selon le classique trois fois, et, comme Brahms, l'interaction entre le soliste et l'orchestre est susceptible d'atteindre à certains endroits une forte homogénéité.

Ils sont aussi à retenir: Camille Saint-Saëns, Pyotr Ilyich Tchaikovsky, Edvard Grieg, dans les travaux dont vous pouvez voir les différentes tendances, le résultat de la recherche constante de nouveaux moyens d'expression.

Le concert dans la première partie du « 900

L'évolution contemporaine du concert est étroitement liée à l'amélioration du XIXe siècle par le soi-disant écoles nationales, développé à côté du courant plus romantique, Il provient de grands compositeurs allemands.

Quant à l'école italien, son représentant le plus important est Ferruccio Busoni: Dans une époque où toutes les forces musicales étaient destinées à mélodrame, Busoni prend l'intérêt Sgambati et Martucci avaient vers le symphonique allemand.

Important était également la contribution de Sergei Rachmaninoff, dont le succès, dans le Concert pour piano et orchestre Elle est étroitement liée à tally significative du public de ses œuvres, créées par l'utilisation d'une ligne mélodique simple et effet immédiat et d'un piano. En général, avec plusieurs épisodes, les concerts de Rachmaninov sont conçus pour l'exaltation de l'instrument solo, et du point de vue de la composition offrent aucune caractéristique particulière.

Maurice Ravel, Au lieu de cela, dans ses deux concerts, d'une part revient au style de Mozart, sur les autres expériences avec de nouvelles formes (Concerto pour piano pour la main gauche), Avec des échos de jazz et l'utilisation d'une seule fois.

Il faut aussi mentionner: Ottorino Respighi avec son Concerto de manière Mixolydian, Alfredo Casella, Manuel de Falla, Béla Bartók, Gian Francesco Malipiero, Sergei Prokofiev, Igor « Fyodorovich Stravinsky, Francis Poulenc, Paul Hindemith, Tous les auteurs de concerts pour piano et orchestre.

A noter également digne et la contribution de John Serry Sr., dont Concerto pour accordéon Free Bass, composé en 1966 pour orchestre Ilustra tonalitites l'accordéon et son potentiel en tant que membre légitime de l'ensemble orchestral.

Concerto pour violon

icône Loupe mgx2.svg Le même sujet en détail: Concerto pour violon.

Concerto pour violoncelle

icône Loupe mgx2.svg Le même sujet en détail: Concerto pour violoncelle.

D'autres projets

  • Il contribue à Wikimedia Commons Wikimedia Commons: Il contient des images ou d'autres fichiers concert

liens externes

autorités de contrôle GND: (DE4032359-6