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la musique de jeu vidéo
CD contenant le bande originale la jeu de rôle EarthBound - que dans cette sortie édition Japon.

« L'objectif principal de composer de la musique, pour moi, ou au moins l'un des principaux objectifs est de créer des mélodies mémorables. Un objectif à atteindre quels que soient les outils dont vous disposez. »

(Kōji Kondō[1])

Né des premiers morceaux de synthétiseurs, la musique jeux vidéo Il est devenu avec le passage du temps de plus en plus complexe en grande partie en raison de l'évolution technologique des moyens utilisés pour composer. À partir de XXI siècle, Les ventes de bandes sonores de jeux vidéo ont augmenté ainsi que des concerts qui leur sont dédiés.[2] Certains auteurs récents de la musique pour les jeux vidéo comprennent Trent Reznor, Hans Zimmer et Michael Giacchino également connu dans le film.[3][4][5]

histoire

Les premières technologies de jeux vidéo et de la musique de puce informatique

La vidéo est apparue comme une forme de divertissement populaire tout au long de la dernière soixante-dix (La période de console de deuxième génération), et leur musique a été enregistrée sur musicassette ou disques vinyles. Une autre méthode plus économique pour y parvenir consistait à utiliser un puce, qui a remplacé les impulsions électriques du code d'un ordinateur à des ondes sonores analogiques. Parmi les premiers exemples de la musique de jeu vidéo que vous avez réalisé qu'il ya deuxième mode, l'ouverture de titres Gun Combat, faite en 1975 par Tomohiro Nishikado.[5]

Le premier jeu vidéo de musique étaient généralement monophonique, joué un équipement utilisant comme les ordinateurs et synthétiseurs, et ont été mis en boucle, ou reproduit entre une couche et une autre. Quelques exemples incluent les titres des Pac-Man de Namco (1980) composée par Toshio Kai ou ceux de Pole Position (1982) par Nobuyuki Ohnogi.[6] Le premier jeu vidéo à présenter une partition originale avec un fond constant est celui de Space Invaders de Taito Corporation (1978), par Tomohiro Nishikado. Il a montré quatre notes simples croche bas, descendants, et répété dans une boucle qui est devenue plus rapide et plus rapide; la première bande de jeu vidéo pour contenir au lieu d'un arrière-plan constant et mélodique devait Rallye-X de Namco, publié en 1980.[7]

L'évolution de la technologie dans les années quatre-vingt

Depuis 1980, certains jeux vidéo ont commencé à employer, en plus des synthétiseurs et ordinateurs, équipement numérique et échantillonnage faire de la musique. Rallye-X Namco, sorti en 1980, fut probablement le premier jeu vidéo à présenter une partition originale réalisée avec un Convertisseur de signaux analogiques (DAC) pour jouer des notes échantillonnées. Au cours de la même période, la mise en place de l'équipement équipé synthèse FM, commercialisé par Yamaha à travers ses synthétiseurs numériques FM et puces sonores, ils ont augmenté les possibilités de composer de la musique de jeu vidéo.

la musique de jeu vidéo
Kōji Kondō, l'un des plus acclamés compositeurs de musique de jeux vidéo, a déclaré avoir conçu dans les années 80, l'infâme Super Mario Bros Theme.[8]

En plus de jeux arcade, changements importants se sont produits également dans la musique de jeux PC, grâce à des cartes son FM numérique, tels que l'on trouve dans l'ordinateur japonais PC-8801 et PC-9801 Yamaha, qui a permis à la musique d'être encore plus compliquée. Ces cartes son lui permettent de « jouer un son chaleureux et agréable » que les musiciens tels que Yuzo Koshiro et Takeshi Abo utilisé pour composer de la musique ont mérité chiptune.[9] L'adoption généralisée de ces cartes dans les jeux autorisés après des années de développement de 'était de 16 bits.

En même temps, une nouvelle génération de consoles émergerait, ce qui entraîne des changements importants dans la façon de faire de la musique pour les jeux vidéo: CPU comme Motorola 68000 et puces sonores Yamaha série YM, a ajouté de nouveaux « canaux » qui perfectionnent la qualité des sons. Le premier jeu de présenter la musique créé grâce à ces nouvelles technologies a été probablement carnaval de SEGA, Il a sorti en 1980. Sa musique, y compris une version électronique de la composition classique Au fil des vagues de Juventino Rosas, Ils ont été joués en utilisant une puce AY-3-8910.

Frogger, un jeu de Konami publié en 1981, il a été l'un des premiers à présenter un grand nombre de pistes (dans ce cas, onze) qui a contribué à faire de la bande sonore dynamique. Ce qui suit Dig Dug Namco (1982) présente gimmicks similaires et comprend une arrête la musique quand il fait le personnage principal contrôlé par le joueur. La musique de Dig Dug Ils ont été composés par Yukiro Keino, qui a également produit des pistes pour d'autres jeux tels que Namco Xevious (1982) et Phozon (1983).[6] super Locomotive Sega (1982) a une référence à la piste Rydeen de Yellow Magic Orchestra;[10] ainsi que la suite Trooper Truck (1983) du logiciel Rabbit, Décathlon Daley Thompson, (1984) et Run Stryker (1986).[11]

Le long de la deuxième moitié de années quatre-vingt, la commercialisation des jeux vidéo avec logiciel permis de plus en plus puissant une amélioration considérable de la qualité sonore de leur musique. représentant des compositeurs qui a réalisé au cours des années comprennent Nobuo Uematsu (final Fantasy) Kōji Kondō (Super Mario Bros., The Legend of Zelda) Sugiyama Koichi (dragon Quest)[12] Miki Higashino (Gradius, Yie Ar Kung-Fu, Teenage Mutant Ninja Turtles), Hiroshi Kawaguchi (Space Harrier, Hang-On, out Run) Rob Hubbard (Monty On the Run, international Karate), Hirokazu Tanaka (Metroid, Kid Icarus, EarthBound) Martin Galway (Décathlon Daley Thompson, Run Stryker, Les temps de Lore), Yuzo Koshiro (dragon Slayer, YS, Shinobi, ActRaiser, Streets of Rage), Mieko Ishikawa (dragon Slayer, YS), et Ryu Umemoto (scores de certains roman visuel et des jeux Shoot « em up). Depuis la fin de la décennie, la musique de jeux vidéo a commencé à être vendus à grande échelle au Japon: le phénomène a poussé les entreprises américaines jeux, comme la Sierra Cinemaware et réciproque, de donner une plus grande importance à la qualité artistique de la musique de jeu vidéo.[13]

les années nonante

Alors que la console de la maison qu'ils approchaient de la quatrième génération (ou était de 16 bits), un hybride qui approche a continué à utiliser. En 1988, la console Sega Mega Drive Il a offert, entre autres innovations, un graphisme de pointe et une synthèse sonore améliorée par rapport à ceux des médias précédent. Le compositeur Yuzo Koshiro a utilisé le matériel Mega Drive pour composer des chansons » progressif, techno, et accrocheur très évolué « présente, par exemple, dans une série de jeux tels que La Revanche de Shinobi (1989) et Streets of Rage.[14] En particulier, la bande originale Streets of Rage 2 (1992), est considéré comme révolutionnaire en raison de son « mélange de house music, sales lignes de basse, et textures électroniques musique de transe».[15] Un autre compositeur important pour les dernières bandes originales basées sur des synthétiseurs FM était Ryu Umemoto, auteur de nombreux jeux vidéo shoot them up roman musique et Visul des années nonante.[16] En 1989, il a été fait en YS I II, dont la bande est toujours considéré comme l'un de l'histoire du jeu vidéo le plus influent.[17][18][19]

la musique de jeu vidéo
la guitariste Chris Kline interprète la chanson thème « Jungle Jam », tiré de Shoot « em up contra, un Jeux Vidéo en direct.

Depuis les années nonante, la musique pour les jeux vidéo a commencé à présenter des sons réalisés avec des instruments de musique réels. Cela est dû à l'évolution des ordinateurs qui sont devenus, grâce aux compétences de la maîtrise des données de jeu de plus en plus rapide et puissant. L'une des première console dans ce sens pour présenter « progrès » était le la Sega CD sorti au Japon en 1991.[5]

Dans la même année 'Atari Il a publié la console jaguar, un support de 64 bits se compose de deux coprocesseurs de 32 bits chacun, tandis que le premier PlayStation Elle a introduit dans les scores avant éléments non existants tels que réverbération.[20] En plus d'être considéré comme le meilleur jeu vidéo bande, celle de Final Fantasy VI, réalisé par Nobuo Uematsu en 1994, Il a démontré la sophistication croissante de la musique de jeu vidéo.[5]

Une innovation importante est l'Occident iMUSE, un moteur de jeu en temps réel qui contrôle la musique de jeu vidéo inventé par Terre Michael et Peter McConnell pour LucasArts.[21]

L'influence de la musique de jeu vidéo dans la musique populaire

Dans la musique populaire, des sons et de la musique de jeu vidéo a inspiré de nombreux musiciens.[22] La musique des jeux d'arcade a donné beaucoup de pop,[23] hip hop,[24] et électro.[25] Les jeux d'arcade ont influencé les pionniers de la synth pop Yellow Magic Orchestra,[26] que la musique campionarono Space Invaders dans leur chanson Jeu informatique.[27] La formation a influencé, à son tour, dans beaucoup de musique de jeux vidéo au cours des années quatre-vingt faite.[28]

Certaines chansons pop basées sur les sons provenant de Space Invaders ils comprennent Space Invaders disque (1979) Funny Stuff,[29] Space Invaders (1980) La lecture,[30] et les chansons à succès Space Invader (1980) de Pretenders[29] et Space Invaders (1980) Oncle Vic.[31] Buckner Garcia produit un album de succès dédié à la musique de jeux vidéo en 1982, Pac-Man Fever.[32] Le fondateur de Yellow Magic Orchestra, Haruomi Hosono, publié en 1984 un album entièrement basé sur des échantillons prélevés de la vidéo intitulée Musique de jeux vidéo, l'un des premiers disques de musique chiptune et, plus généralement, de la « musique de jeu vidéo ».[33][34] le disque testone (1990), publié par Sweet Exorcist (Richard Kirk et Richard Barratt) présente des échantillons prélevés à partir des sons de jeux vidéos Jeu informatique de Yellow Magic Orchestra, et est considéré comme la pierre angulaire de la musique techno bleep.[35]

Plus récemment, le « rythme videogame » est également apparue dans de telles chansons Tik Tok de kesha, le plus gros de 2010 de vente,[22][36] U devrait savoir mieux de Robyn et Snoop Dogg,[22] et Hellbound de Eminem. La musique de jeux vidéo a également influencé les musiciens electronica qui Dizzee Rascal et Kieran Hebden.[26] Parmi les styles musicaux la plupart des jeux vidéo liés à la musique sont les crasse, présentant des échantillons prélevés à partir des scores de jeu du passé,[37] la nintendocore,[38] et Skweee.[39]

notes

  1. ^ (FR) 5 Citations célèbres par Video Game Music Composers, videogamemusicacademy.com, Le 16 octobre 2015. Récupéré le 27 Décembre, 2016.
  2. ^ (FR) Mondes Distance, Distant mondiale: Concert Series international Final Fantasy, Ffdistantworlds.com. Récupéré 25 mai 2011 (Déposé par 'URL d'origine 23 septembre 2010).
  3. ^ (FR) L'évolution de la musique du jeu vidéo, NPR, 12 avril 2008. Extrait le 15 Octobre, 2012.
  4. ^ (FR) William Weir, De l'arcade aux Grammys: L'évolution de la musique du jeu vidéo, l'Atlantique, 10 février 2011. Extrait le 15 Octobre, 2012.
  5. ^ à b c (FR) Une histoire de la musique du jeu vidéo, gamespot.com, 28 mars 2005. Récupéré le 27 Décembre, 2016.
  6. ^ à b (FR) Musique de jeux vidéo, sur VGMdb. Récupéré le 6 Septembre 2011,.
  7. ^ (FR) Evolutions les plus importantes de jeux, sur GamesRadar, 9 octobre 2010. Récupéré le 27 Décembre, 2016.
  8. ^ (FR) L'homme derrière des chefs-d'œuvre musicaux de Nintendo, polygon.com, 15 décembre 2014. Récupéré le 27 Décembre, 2016.
  9. ^ (FR) John Szczepaniak, Rétro japonais Ordinateurs: Final Frontier Retro Gaming Ordinateurs japonais, Hardcore Gaming 101. Récupéré 29 Mars, 2011. Reproduit de Retro Gamer, nº 67, 2009.
  10. ^ (FR) Super Locomotive - Videogame par Sega, arcade-museum.com. Récupéré le 27 Décembre, 2016.
  11. ^ (FR) Couvertures de Yellow Magic Orchestra chansons, Whosampled. Récupéré le 21 Juillet, 2011.
  12. ^ (JA) Koichi Sugiyama Page d'accueil, Sugimania.com. Récupéré 25 mai 2011.
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  14. ^ Wayne Santos, chansons Sons au 21e siècle, en GameAxis Unwired, nº 40, Magazines SPH, Décembre 2006, p. 39, ISSN 0219-872X.
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  16. ^ Audun Sorlie, Le voyage de dragon: Ryu Umemoto en Europe, Hardcore Gaming 101. Récupéré le 23 Août, 2011.
  17. ^ (FR) Kurt Kalata, YS, sur Hardcore Gaming 101, 11/27/10. Récupéré le 3 Septembre 2011,.
  18. ^ (FR) Ryan Mattich, Falcom Classics II, sur RPGFan. Récupéré le 3 Septembre 2011,.
  19. ^ (FR) Chris Greening Don Kotowski, Entretien avec Yuzo Koshiro, Square Enix Musique en ligne, Février de 2011. 20 Juin Récupéré, 2011.
  20. ^ A l'intérieur du PlayStation, en Next Generation, nº 6, Future US, Juin 1995, p. 51.
  21. ^ (FR) Entretien avec le compositeur Michael Land, gsoundtracks.com. Récupéré le 27 Décembre, 2016.
  22. ^ à b c (NO) Robyn: Body Talk, Pt. 2, Puls Musique, le 10 Septembre 2010. Récupéré le 27 Décembre, 2016. (traduction)
  23. ^ (FR) Andrew Stout, Kraftwerk et Yellow Magic Orchestra sur Comment écrire Melody Au cours d'une révolution culturelle, sur SF hebdomadaire, 24 juin 2011. Récupéré le 30 Juin, 2011.
  24. ^ (FR) David Toop, Rap Attack 3: rap africain au hip hop mondial, numéro 3, 3, la queue du serpent, 2000, p. 129 ISBN 1-85242-627-6. Récupéré le 6 Juin, 2011.
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  31. ^ (FR) Craven Lovelace, Prenez un waka-waka-waka sur le côté sauvage, sur Grand Junction Free Press, 27 août 2010. Extrait le 15 Juillet, 2011.
  32. ^ (FR) Pac-Man Fever, Time Magazine, le 5 Avril 1982. Extrait le 15 Octobre, 2009.
    "Columbia / CBS Records Pac-Man Fever ... était n ° 9 sur le Billboard Hot 100 la semaine dernière.".
  33. ^ (FR) Haruomi Hosono - Musique Jeu vidéo, discogs.com. Récupéré le 27 Décembre, 2016.
  34. ^ (FR) Carlo Savorelli, Xevious, Hardcore Gaming 101, p. 2. Récupéré le 11 Juin, 2011.
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  39. ^ (FR) Skweee, electrofunk sauce Ikea, rivistastudio.com. Récupéré le 27 Décembre, 2016.

bibliographie

Articles connexes

  • chiptune
  • ordinateur
  • nintendocore
  • synthétiseur
  • Dynamedion

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