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Igor' Fëdorovič Stravinskij
Igor « Fyodorovich Stravinsky

Igor « Fyodorovich Stravinsky (en russe: Игорь Фёдорович Стравинский?; Lomonosov, 17 juin 1882 - New-York, 6 avril 1971) Ce fut un compositeur russe naturalisé français et plus tard États-Unis.

Igor Stravinsky en 1946 (v) .svg

La plupart de son travail fait partie de la néoclassicisme puis la sérialité, mais sa popularité auprès du grand public est due à 3 ballets composé au cours de sa première période (ballets Russes): l'Oiseau de feu (1910) Petruška (1911) et Le Sacre du printemps (1913), Des œuvres qui réinventé le genre du ballet. Stravinsky a écrit pour tous les types de matières organiques, la réutilisation souvent des formes classiques. son œuvres complètes Il comprend des compositions de toutes sortes, de symphonies à miniatures pour piano.

«J'ai vu récemment Stravinsky ...
Il dit: mon Firebird, ma Sagra, comme un enfant dirait, mon haut, mon cercle. Il est juste un enfant gâté qui met parfois ses doigts dans la musique. Il erre comme un jeune sauvage, avec cravates Eyesore, embrassant les mains du Seigneur, tout en même temps le pied sur leurs pieds. De vieux, il sera insupportable, ou plutôt ne supporte pas la musique; mais pour l'instant il est extraordinaire! »

(Claude Debussy[1])

Il a réalisé une grande renommée comme pianiste et conducteur, diriger souvent les premières de ses compositions, et il a également été agent publicitaire. Il a également écrit deux essais de philosophie musicale, dans laquelle il a expliqué les justifications concernant sa vision de la musique comme l'art dynamique suprême qui ne peut jamais être bloqué dans les frais fixes et une sage la théorie qui englobe une série de conférences à la 'Université de Harvard dans l'année scolaire 1940 intitulé Poétique de la musique, dans lequel l'auteur traite de la genèse d'une œuvre musicale aussi discourant sur l'histoire de la musique russe. Parmi les diverses idées exprimées sans doute l'expression " musique est incapable d'exprimer autre chose que lui-même « est le plus populaire et représentatif du compositeur, qui remonte au XIXe siècle slogan français »l'art pour l'art« Aussi connu sous le nom »L'art pour l'art« Dans la version anglaise.

Dans cette optique, nous pouvons comprendre son anti radicalewagnérisme. Craft a également retranscrit de nombreux entretiens avec le compositeur, publié plus tard sous le titre de Conversations avec Stravinsky. Russe typique cosmopolite, Stravinsky était l'un des compositeurs les plus populaires de la XX siècle, aussi bien en Occident que dans son pays d'origine.

biographie

Stravinsky est né à Oranienbaum (maintenant Lomonosov), Près de Saint-Pétersbourg, en Russie, en 1882. Il a grandi dans un appartement et dominé par son père et son frère aîné, son enfance a été l'artiste cosmopolite chose la plus éloignée qui deviendrait plus tard. Bien que son père, Fyodor Stravinsky Ignatyich, était faible la Théâtre Mariinsky, Igor se consacre à l'origine à des études de jurisprudence: le composition Il est venu assez tard. en 1902, à 20, il est devenu le protégé Nikolai Rimsky-Korsakov, probablement le plus compositeur russe temps, même si le jeune étudiant Stravinsky nourrit jamais admiration particulière pour son professeur. Stravinsky lui-même de son propre aveu se considérait comme toujours un autodidacte en tant que compositeur.

Igor' Fëdorovič Stravinskij
Igor Stravinskij en 1903

il a quitté Russie en 1910, en direction de Paris pour assister à la première de son ballet L'Oiseau de feu. Au cours de cette période, il a composé trois œuvres majeures pour les Ballets russes: l'Oiseau de feu, Petruška et Le Sacre du printemps (Le Sacre du Printemps). A partir de ces ballets peut comprendre son parcours stylistique; de l'Oiseau de feu, dont le style se rapproche même celle de Rimsky-Korsakov, un bitonalité de Petruška, un dissonance polyphonique et la nature Sacre du printemps. Comme il dit lui-même, avec ces premiers son intention était d'envoyer le public « à l'enfer. » Et il a réussi: la première de Sagra en 1913 Il se tourna dans une émeute.

Le musicien a montré un désir inépuisable d'apprendre et d'explorer le 'art, la littérature, la vie. Ce désir se manifeste dans plusieurs de ses collaborations Paris. Non seulement était le principal auteur-compositeur pour ballets Russes de Sergej Djagilev, mais aussi il a collaboré avec Picasso (Pulcinella en 1920) Jean Cocteau (Oedipus Rex en 1927) et George Balanchine (Apollon Musagète ou Apollon en 1928).

Relativement grand, mais certainement pas un bel homme selon des conventions communes, Stravinsky était néanmoins photogéniques, comme nous le démontrons beaucoup de ses images. En dépit d'être un coureur de jupons reconnu (aussi j'ai discuté des relations avec les représentants de la haute société comme Coco Chanel), Elle était aussi un homme de famille qui fait un don de grande partie de son temps et de ses dépenses pour les enfants. Il était encore jeune quand, le 23 Janvier 1906, Il a épousé son cousin Katerina Nossenko, qui connaissait depuis l'enfance. Les deux hommes avaient quatre enfants et est resté marié jusqu'à ce que la 1939 Lorsque Katerina morì de tuberculose, mais la relation d'amour le plus important était avec sa seconde épouse Vera de Bosset qui a tissé une relation déjà au cours du premier mariage.

Lorsque Stravinsky a rencontré Vera au début vingtaine d'années, elle a été mariée peintre et scénographe Serge Sudeikin, mais bientôt commencé leur relation qui l'a amenée à quitter son mari. Katerina, elle fut bientôt connu et accepté comme inévitable et permanent. Après sa mort, les deux se sont mariés en New-York . Au début des années vingt, Leopold Stokowski Il a pu l'aider régulièrement par un « bienfaiteur » fictive. Le compositeur a toujours réussi à attirer des clients, la majorité de ses œuvres ultérieures l'Oiseau de feu Ils ont été écrits pour des occasions spécifiques et généreusement payés.

Stravinsky est devenu bientôt homme du monde, l'acquisition d'un instinct vif pour les questions d'affaires et de paraître détendu et confortable dans de nombreuses grandes villes. Paris, Venise, Berlin, Londres et New-York: Ses apparitions avec succès tous hébergés comme pianiste et comme chef d'orchestre. La plupart des gens qui le connaissaient à cause de ses représentations publiques ont parlé de lui comme courtois, gentil et serviable. Par exemple, Otto Klemperer, qui savait Schoenberg, Il a dit qu'il avait toujours trouvé Stravinsky beaucoup plus coopératif et plus facile à traiter. En même temps, il n'a pas fallu beaucoup de réflexion au peuple de lui sociaux inférieurs: Robert Craft déplorait son habitude de frapper un verre avec une fourchette exigeant une attention dans les restaurants.

Lors des funérailles du grand compositeur Nicolaj Rismkij-Korsakov, La musique de Stravinsky a été remarqué par Diaghilev, le directeur de ballets Russes à Paris, qui a commandé un ballet pour elle théâtre. Par conséquent, 1911, Stravinsky a voyagé à Paris. la ballet en question, il a fini par être célèbre l'Oiseau de feu. Cependant, en raison de Première Guerre mondiale et Révolution d'Octobre en Russie, elle a décidé de passer à Suisse en 1914Il est revenu à Paris seulement 1920 à composer plusieurs autres ballets et opéras. en 1932 Il se dirigea vers ses propres compositions Teatro La Fenice de Venise avec l'Orchestre de Venise.

en 1939 Il est parti pour la États-Unis où il a été appelé à tenir une poétique musicale va Harvard. Surpris par la guerre, il installe à Hollywood et il est devenu citoyen naturalisé en 1945, vivendovi jusqu'à sa mort en 1971. Après tout, bien que russe, avait adapté pour vivre en France, mais le déplacement si loin à l'âge de cinquante-huit ans a donné une perspective très différente. Pendant un certain temps, il a maintenu un cercle d'amis et de connaissances émigrés russes, mais a finalement réalisé que son comportement n'a pas été encouragé ou soutenu sa vie intellectuelle et professionnelle dans ce pays. Alors qu'il prévoyait d'écrire un opéra W.H.Auden, la nécessité d'acquérir plus de familiarité avec le monde anglophone a coïncidé avec sa rencontre avec le directeur et musicologue Robert Craft. Craft a vécu avec Stravinsky jusqu'à sa mort, interprète, reporter, directeur adjoint et factotum d'innombrables tâches musicales et sociales. Parmi ses étudiants, il était notamment le célèbre compositeur / edicatore américain Robert Strassburg [2][3]

Le goût de Stravinsky dans le domaine littéraire Il était large et reflète son désir constant de nouvelles découvertes. Les textes et les sources littéraires pour son travail a commencé à partir d'un intérêt initial folklore russe, Ils ont traversé les auteurs classiques et liturgie Latin, puis d'arrêter en France contemporaine (André Gide, avec Perséphone) Et enfin à la littérature anglaise: Auden, Thomas Stearns Eliot et poésie médiéval Anglais. A la fin de sa carrière et la vie aussi inséré dans le script hébreu Abraham et Isaac.

en 1958 Il a dirigé un concert consacré à sa musique au Teatro La Fenice avec l'Orchestre symphonique et le Chœur de la Norddeutscher Rundfunk Hambourg récupéré RAI et Oedipus Rex un Wiener Staatsoper. en 1962 Il a accepté une invitation à rentrer chez eux pour un certain nombre de concerts, mais il est resté un émigrant avec des racines fortes Ouest. Il est mort à New York 6 Avril 1971, à quatre-vingt-huit ans, en raison de l'insuffisance cardiaque.

Pour sa demande expresse, sa tombe est proche de celle de son collaborateur de longue date, Diaghilev, en Venise l'île de San Michele, où elle est née le travail central de la dernière période de son activité prolifique, Progrès du Râteau (The Rake de progrès). Sa vie a pris une grande partie de la XX siècle, et même beaucoup de styles musicaux classique moderne, influençant d'autres compositeurs à la fois pendant et après sa vie. une étoile a été placée en son nom au numéro 6340 Hollywood Boulevard, dans le Hollywood Walk of Fame.

périodes stylistiques

Igor' Fëdorovič Stravinskij
Stravinsky avec Nadia Boulanger en 1937

Dans la carrière de Stravinsky se distingue dans quatre grandes lignes de périodes stylistiques.

  • La période russe
  • Les fauvista période
  • La période néo-classique
  • La période de douze tons ou en série

La période russe

La première période stylistique de Stravinsky commence à vingt-trois ans quand il a rencontré Rimsky-Korsakov devenant sa composition de l'élève et donnant lieu à Symphonie en mi bémol, la suite Le Faune et la Bergère 1905, deux œuvres symphoniques de 1908: feu d'artifice et Scherzo fantastique, écrit avec un chant funèbre pour Rimsky-Korsakov, il était perdu; Il se poursuit avec le premier ballet (l'Oiseau de feu) ballets que Stravinsky composé de Diaghilev qui a décidé de commissionarglielo après avoir entendu feu d'artifice et Scherzo fantastique, les deux œuvres qui ont ouvert la voie au célèbre compositeur. l'Oiseau de feu, présenté à Paris en 1910, il a été un grand succès. En ce qui concerne la feuille est à noter pour ses (contrebasses de lentilles de triplets) d'introduction inhabituelle et orchestration riche en événements.

Les fauvista période

aussi Petruška, cependant, il se distingue comme l'Oiseau de feu, pour son score et il est le premier parmi les ballets de Stravinsky pour attirer l'attention sur la mythologie russe très impressionné Debussy pour son rythme. Mais il est le troisième ballet, Le Sacre du Printemps 1913 (un an après la De même « scandaleux » Pierrot Lunaire de Schoenberg), Généralement considéré comme l'apothéose de la « période Fauve » Stravinsky.

Dans le ballet compositeur Il dépeint un rituel païen pour commencer leur propre source de l'ancienne Russie: a été choisi une jeune fille à danser jusqu'à ce que vous laissez tomber, et sa mort a été un sacrifice offert aux dieux pour les rendre favorables à la nouvelle saison. De nombreux cols célèbres, mais deux méritent une attention particulière: les premières notes de la pièce, jouée par un basson avec des notes à l'extrême de son registre, presque à l'extension; les huit accord notes réalisée par des chaînes et accentués par cornes dans la mésaventure. Le bloc rythmique obsessionnelle combiné avec polytonalité a provoqué un scandale à Paris à cette époque presque comme un second Wagner.

En 1914, Stravinsky a réussi avec Le Rossignol (Le Rossignol), fonctionne en trois actes déjà commencé au cours des études avec Rimsky-Korsakov: produit de ce travail sera le ballet Le chant du rossignol 1920. D'autres œuvres de cette période comprennent Renard (1916) Histoire du soldat (1918), Œuvres composées après le départ de Saint-Pétersbourg et le transfert à Morges, en Suisse en 1914.

L 'Histoire du soldat est une chambre dans laquelle Stravinsky fusionne toutes les expériences accumulées jusque-là, de 'impressionnisme un polytonalité, de cabaret un jazz, genre dans lequel le compositeur était également intéressé par l'instrument, en remplaçant le basson saxophone, considéré comme plus pénétrant (en 1918, il écrit aussi rag pour onze instruments); l'environnement de travail a été comparé par certains Cubisme: leurs similitudes ont été trouvées entre l'évolution des langues de Stravinsky et Picasso, claquant le compositeur russe impressionniste avec des périodes rose et bleu du peintre.

A la contagion n'a pas échappé à la même Igor Stravinskij, qui avait exprimé sans réserves son attirance pour la rag plus authentique. L'influence de Stravinsky se révèle plus dans son Histoire du soldat et peut-être encore plus dans son Ragtime pour onze instruments et Musique Rag Piano 1919: chanson - ce dernier - que le grand pianiste polonais Arthur Rubinstein Il a refusé de jouer, même si l'auteur écrit et conçu pour lui, parce qu'il était trop percutant pour le caractère propre[4].

La période néo-classique

Igor' Fëdorovič Stravinskij
Essex House New-York, l 'hôtel Stravinsky où il a vécu jusqu'à sa mort.

La phase suivante du style de composition de l'artiste, brièvement superposé au précédent, est inauguré par deux œuvres: Pulcinella (1919), Musique de Giovanni Battista Pergolesi et l 'octuor (1923) à vents. Ces deux œuvres sont la marque de cette période: le retour de Stravinsky aux caractéristiques stylistiques de la musique ancienne. Cette percée néo-classique ou mieux - d'utiliser le terme préféré par le compositeur - formaliste, impliqué l'abandon des grandes bandes utilisées pour ballets. écrit entre Dans ces nouveaux travaux, 1920 et 1951, Stravinskij choisit comme réduit diversement organique, pour conférer à chaque composition une « teinte » et caractéristique unique.

Néoclassicisme Stravinsky n'est pas un remake du diatonisme comme dans Paul Hindemith, bien comme il complètement coupé tous les liens avec le dix-neuvième siècle, mais il est un « contaminatio » avec son style rythmique et polytonal indiqué précédemment. Ce sera à ce stade que Stravinsky s'opposera all'atonalismo Schoenberg, qui avait déjà presque touché en 1913 avec Trois paroles en japonais pour la voix et les instruments.[5] Stravinskij souvent de manière erronée est étiqueté d'une manière totale néo-classique, aussi pour appeler le salaire de Sacre du printemps, mais cela se produit peut-être parce que la période néo-classique est l'un des plus fertile pour le compositeur.

A Pulcinella Suivez également d'autres compositions riches de l'atmosphère russe comme Symphonies d'instruments à vent (1920), écrit en l'honneur de Debussy, mavra, opéra comique en un acte de 1923, Les noces, Ballet pour quatre pianos et percussions avec chœur mixte et quatre solistes. D'autres travaux tels que l'oratorio en latin Oedipus Rex (1927) Et les ballets Le Baiser de la fée (Sur les questions de Tchaïkovski) et Apollon musagète, les deux de 1928, continuent le long de cette ligne. En outre, en 1928, il dirige le Rossignol (Rossignol) à Teatro dell'Opera di Roma (Puis la Royal Opera House).

plus grandes œuvres de cette période sont les trois symphonies: le Symphonie des Psaumes (1930) Travail particulier, peut-être ensuite seulement à 'Œdipe roi, pour orchestre avec piano qui agit comme un squelette de support harmonique (est divisé en trois mouvements qui correspondent aux psaumes 39, 40 et 150, dans le deuxième mouvement est utilisé, la forme de la fuite), le Symphonie en ut (1940) Et Symphonie en trois mouvements (1945). Perséphone (1934) Un mélodrame pour conteur, ténor, choeur et orchestre, ballet Orphée et Jeu de cartes (1937) marque également l'intérêt de Stravinsky pour les mythes grecs et la volonté de composer un opéra du XVIIIe siècle (l'avenir d'une carrière libertins).

Le sommet de cette période est le travail Progrès du Râteau (The Rake de progrès), opéra en trois actes accomplis et mis en scène première au Teatro La Fenice à Venise 1951 à partir du complexe de la Teatro alla Scala de Milan avec Elisabeth Schwarzkopf dirigé par le compositeur. Ce travail, écrit un livret de Auden et croquis basé sur William Hogarth, Il encapsule tout ce que le compositeur avait mis au point au cours des 20 dernières années de sa période néo-classique.

La musique est directe mais capricieuse; inspiré par 'harmonie Il jongle avec des tons classiques, mais aussi surprenant dissonances; Il comprend la marque de l'usine de Stravinsky, « contre le rythme »; en retournant les œuvres et les thèmes Monteverdi, Gluck et Mozart. Ce travail, ainsi que des duos, trios et Cavatine cabalettas contient même les virtuoses récitatifs secs au clavecin. Le buzz généré par ce travail a conduit à conclure que Stravinsky sa régression dans le passé ne pouvait plus avancer, avait atteint la « limite permise », une considération qui l'a amené à changer radicalement de style, embrassant sérialisme Webern de l'école de Vienne. De plus en 1951, au Teatro alla Scala dirige ses propres compositions dans deux concerts.

La période de douze tons, ou en série

Igor' Fëdorovič Stravinskij
timbre ukrainien Mémorial Igor Stravinskij

Seulement après la mort de Arnold Schoenberg, l'inventeur dodécaphonisme, en 1951, Stravinsky a commencé à utiliser cette technique dans ses œuvres, après avoir pris connaissance de l'élève de Schoenberg Anton Webern. Sans aucun doute, le compositeur a été aidé dans la compréhension de la méthode dodécaphonique (et peut-être dans la conversion à elle) de son confident et assistant Robert Craft, qui a longtemps prôné le changement. Par conséquent, Stravinsky passer les quinze prochaines années à composer des œuvres dans ce style.

Il a commencé à barboter avec dodécaphonisme pour la première fois, d'une manière partielle, en Septet 1952, et plus tard dans des œuvres plus petits vocaux tels que cantate (1952) Trois chansons de Shakespeare (1953) et In memoriam Dylan Thomas (1954) Pour la voix et des instruments, comme s'il teste le système. Par la suite, il a commencé à étendre son utilisation de cette technique dans les travaux souvent basées sur écriture, comment Threni, id est Lamentationes Jeremiae Prophetae Il a représenté pour la première fois avec l'Orchestre symphonique et le Chœur de Norddeutscher Rundfunk Hambourg 1958 un Scuola Grande di San Rocco La Fenice, Un sermon, un récit et une prière (1961) Canticum sacrum ad honorem Sancti Marci nominis (1955) Dont la première exécution absolue a été effectuée en Basilique San Marco pour Teatro La Fenice de Venise en 1956 avec Johann Sebastian Bach-Stravinsky, Chorale und Variationen über das Weinachtslied "Von Himmel Hoch", le déluge (1962).

A La Scala dirige le déluge et Oedipus Rex en 1963 avec l'Orchestre Philharmonie d'Etat de Hambourg. en 1955 Il a lieu la première représentation dans la salle symphonique à Boston « Salutation Prelude » pour orchestre par sa composition directe Pierre Monteux. Un travail de transition important dans cette période de l'œuvre de Stravinsky était un retour à la ballet: Agon, pour douze danseurs et un orchestre de 112 éléments, composée entre 1954 et 1957.

Ce ballet peut être vu comme une sorte d'encyclopédie miniature de Stravinsky, car il contient beaucoup d'idées qui se trouvent tout au long de l'arc de sa vie de composition, que ce soit primitivistes, néo-classique, ou série: fioritures rythmique et l'expérimentation, l'ingéniosité harmonique, et une « oreille » intelligent pour l'orchestration impétueux et autoritaire. En fait, ces caractéristiques sont celles qui font la production de Stravinsky si unique par rapport au travail des compositeurs sériels de son temps.

La phase sérialiste Stravinsky était un tournant important, étant un antagoniste de l'école de schoenberghiana: il a vu dans sérialisme une reprise formelle et rigoureuse des anciennes formes de la Renaissance contrapuntiques - à savoir les Flamands - qui est lié sérialisme. Vous pouvez voir si la phase sérialiste Stravinsky comme néoclassicisme indirecte, citation de néoclassicisme qui l'a amené à composer Monumentum pro Gesualdo di Venosa CD Annum, pour les instruments à vent et les cordes, l'un des derniers travaux importants de sa vie, dirigée par le compositeur dans la première mondiale dans la salle d'examen Palazzo Ducale (Venise) pour le Teatro La Fenice 1960.

style

Igor' Fëdorovič Stravinskij
Stravinsky au piano avec Wilhelm Furtwängler.

La production de Stravinsky est extrêmement hétérogène. Il a des styles différents et a essayé sa main tout genres musicaux. Il a réinventé la forme du ballet et il a incorporé dans ses cultures et traditions linguistiques musicales très éloignées dans le temps et l'espace. Stravinsky a commencé à repenser son usage de la raison et 'têtu déjà au moment du ballet l'Oiseau de feu (L'Oiseau de feu), Dans lequel il est connu aussi une utilisation rationnelle et innovante du silence, bien que l'utilisation de ces éléments musicaux a atteint son apogée au cours Sacre du printemps (Le Sacre du printemps).

Le développement du motif musical, en utilisant une phrase musicale distincte par la suite modifié et développé tout au long de la chanson, a ses racines dans sonates ère Mozart. Le premier innovateur majeur dans cette méthode était Beethoven; la célèbre ouverture de raison de la Cinquième Symphonie réapparaît tout au long du travail avec des variations surprenantes et fraîches. Cependant, l'utilisation par le développement Stravinsky de motifs musicaux est unique dans la façon dont il a développé ses raisons. Ne Le Sacre du printemps Il introduit des variations « additifs », ceux qui ajoutent ou soustraient une note à un motif sans tenir compte des mesures de modification.

Le même ballet se distingue par son utilisation intensive de 'têtu. Le meilleur passage connu est formé par un têtu 8 notes à faire partie des arcs rehaussés de 8 cornes que vous pouvez écouter dans la section « Danse Greeting Printemps ». Ceci est peut-être d'abord dans la musique d'un têtu « Elargi » qui n'est pas utilisé soit pour la modification ou de l'accompagnement mélodie. À d'autres moments dans ce travail Stravinsky « cache » plus têtu par opposition à l'autre, sans tenir compte de 'harmonie ou temps, la création d'un pot-pourri musical, équivalent d'un cadre cubiste.

Ces mesures doivent être considérées non seulement pour leur qualité pastiche mais aussi pour leur longueur, comme nous les traite comme une section musicale complète et séparée. L'orchestration est postromantica et compte 5 flûtes, 4 hautbois, cor anglais 1, 5 clarinettes, 4 bassons, contrebasson 1, 8 cors, 5 trompettes, 3 trombones, tube 2 et une vaste percussion organique (2 percussionists de timbales). Stravinsky est comparable à aucun compositeur russe de la période comme point de vue rythmique et harmonique est plus proche de Béla Bartók, bien qu'il y ait une différence de caractère musical fondamental étant Bartók ethnomusicologue. Ces techniques ci-dessus prévoient plusieurs décennies, les travaux de minimaliste de compositeurs tels que Terry Riley et Steve Reich.

les écrits

Stravinsky a publié ses mémoires en 1936 (Chronic de ma vie), Où il est également effectué une description de son parcours stylistique et idéologique, à la fois la synthèse des enseignements tenue à l'Université Harvard musique Poétique (1942, Trans italiennes. 1954).

Citations et pastiches

Stravinsky a utilisé la technique, aujourd'hui très actuelle, nous pouvons même envisager post-moderne, citation musicale directe et l'imitation déjà 1920 dans son travail Pulcinella. Sur la base de la musique Pergolesi, parfois reproduire et d'autres réinvente tout simplement directement ce, crée un nouveau travail et « frais ». Il utilisera la même technique dans le ballet Baiser de la fée la 1928. Voici la musique Tchaïkovski, Plus précisément, vous aurez pas de pièces d'orchestre, qui Stravinsky utilise les citant ou les revisitant avec ses autres originaux inspirés par le style du compositeur qu'il admirait. Cette composition « emprunt » sera en vogue sixties, comme dans symphonie de Luciano Berio.

Votre utilisation du matériel populaire

Il y avait d'autres compositeurs au premier semestre XX siècle Ils ont recueilli et ont augmenté la musique folklorique de leur pays d'origine, l'utilisation de ces thèmes dans leurs œuvres. Des exemples notables sont Béla Bartók et Zoltán Kodály. déjà en Le Sacre du Printemps Stravinsky renouvelle pour la énième fois dans son utilisation de thèmes folkloriques. Li dépouillé leurs éléments les plus fondamentaux, une seule mélodie, et souvent se tord et les modifie au-delà de toute reconnaissance possible avec des notes supplémentaires, des inversions, des diminutions et d'autres techniques. Il le fait magistralement, en effet, que seules des études récentes, Stravinsky et les traditions russes: Une biographie des Travaux Grâce Mavra de Richard Taruskin, Les analystes ont pu reconstituer le matériau d'origine de l'inspiration de quelque chanson Sacré.

Innovations pour orchestre

Igor' Fëdorovič Stravinskij
La tombe du Stravinsky cimetière de San Michele, à Venise

La période entre la fin de XIXe siècle et au début XX siècle Il était une fois débordait d'innovations d'orchestre. Des compositeurs tels que Anton Bruckner et Gustav Mahler Ils étaient bien considérés pour leurs compétences par écrit pour ce milieu. A leur tour, ils ont été influencés par l'expansion de l'orchestre classique traditionnel Richard Wagner qu'il a promu une utilisation de grandes masses instruments, types souvent inhabituelles.

Stravinsky a poursuivi cette tendance romantique écrire pour d'énormes orchestres, en particulier dans ses ballets début. Mais il était quand il a commencé à se détourner de ce chemin qui a commencé à innover avec l'introduction de combinaisons inhabituelles d'instruments. Par exemple, il L'Histoire du Soldat Les instruments utilisés sont clarinette, basson, trombone (Bass et ténor), trompette, violon, contrebasse et percussion, un peu surprenant ensemble pour cette période (1918).

Tout deviendra pratiquement un stéréotype dans la musique de la période d'après-guerre. Un autre changement digne de note en partie à Stravinsky est l'exploitation des sons extrêmes atteints par les instruments de musique. Le passage le plus célèbre dans ce domaine est le début de Le Sacre du Printemps, où le compositeur utilise les notes extrêmes du basson pour simuler le réveil symbolique d'un matin de printemps.

Il convient également de noter que les compositeurs tels que Anton Webern, Alban Berg et ce qui précède Schoenberg Ils avaient déjà exploré certaines de ces musique orchestrale et au début des techniques du XXe siècle, bien que leur influence sur les générations suivantes de musiciens a été égalée, sinon dépassé, par celle de Stravinsky.

la critique

« La musique de Le Sacre du Printemps va au-delà toute description verbale. Dire que c'est un son horrible est un euphémisme. Il peut certainement reconnaître un rythme incitation. Mais dans la pratique, il n'a rien à voir avec la musique comme la plupart d'entre nous considèrent ". Musical Times, Londres, 1 Août 1913 (Nicolas Slonimsky, 1953)

« Tous les signes indiquent une forte réaction contre le cauchemar du bruit et de l'excentricité qui était l'un des héritages de la guerre .... Ce qui est devenu des œuvres qui forment le programme de concert Stravinsky qui a créé un tel émoi, seulement il y a quelques années? Pratiquement entiers sont déjà stockés, et y resteront jusqu'à ce que certains fatigués et épuisés à nouveau névrotique sentir le désir de manger des cendres et de remplir leurs estomacs avec un vent d'est " musical Times, Londres, Octobre 1923 (Ibid.)

le compositeur constant Lambert (Dans le 1936) Fonctionne comme décrit L'Histoire du Soldat comme contenant « abstraction essentiellement sang froid. » En outre, les « fragments mélodiques (dans le même travail) sont eux-mêmes sans aucun sens. Ils sont purement successions de notes qui peuvent être divisés de manière pratique en groupes de 3, 5 ou 7 et disposés par rapport aux autres groupes mathématiques », et la cadence la percussion solo est « pureté musicale ... réalisée par une espèce de castration musicale ». Il compare le choix de Stravinsky « les phrases les plus monotone et moins importants » à ceux de Gertrude Stein dans son livre 1922 Helen Furr et Georgine Skeene « Everday qu'ils étaient homosexuels là, ils étaient régulièrement gay là tous les jours », « dont l'effet serait également apprécié par une personne ayant une connaissance non »

Dans son livre Philosophie de la musique moderne (1948) Theodor Adorno Il appelle Stravinsky un acrobate, un fonctionnaire, un mannequin de modiste, psychotique, infantile, fasciste, et consacré uniquement à l'argent. Une partie des erreurs du compositeur, de l'avis de Adorno, était son néo-classicisme, mais le plus important était « la peinture pseudomorphism » de sa musique, qui reproduit la espace temps plutôt que la long terme de Henri Bergson. « Une déception caractérise tous les efforts officiels Stravinsky:. La tentative de sa musique pour représenter le temps comme dans un tableau de cirque et de présenter des complexes de temps comme si elles étaient spatiale Cette déception, cependant, va bientôt. » (1948)

Ces dernières années, Mario Baroni a réévalué la Stravinsky attribuant un poétique fond de pessimisme absolu, le pessimisme « d'un grand artiste qui célèbre sa méfiance dans les fonctions de son art et déclare à un public qui était encore assez naïf pour croire les un non-sens romantique ". Au fond, au-delà des mêmes intentions du musicien, la musique de Stravinsky constitue un rictus et une rupture du cadre culturel bourgeois presque déloyal du début du XXe siècle.[6]

médias

compositions

ballets

Opéra / Théâtre

  • Le rossignol (1914)
  • Histoire du soldat (1918)
  • mavra (1922)
  • Œdipe roi (1927)
  • Perséphone (1934)
  • Babel (1944)
  • Progrès du Râteau (1951)
  • le déluge (1962)

Musique de chambre

  • rag pour 11 instruments (1918)
  • Trois pièces pour clarinette solo (1919)
  • octuor (1923)
  • Duo concertant (1932)
  • Septet (1953)
  • Monumentum pro Gesualdo di Venosa CD Annum, 3 madrigals instrument remonté (1960)
  • Trois pièces pour quatuor
  • Concertino pour quatuor à cordes
  • Concertino pour 12 instruments
  • Pour 5 instruments Pastorale
  • Histoire du Soldat Suite pour clarinette, violon et piano
  • Epitaph pour clarinette, flûte et harpe (1964)

musique chorale

  • Le Roi des étoiles pour choeur d'hommes et orchestre (1912)
  • Pater Noster (1926)
  • Symphonie de Psaumes (1930)
  • mise en service (1948)
  • cantate pour solistes, choeur de femmes et instruments (1951-1952)
  • Canticum Sacrum (1955)
  • Threni (1958)
  • Un sermon, un récit et une prière (1961)
  • Abraham et Isaac (1963)
  • introitus (1965)
  • Requiem Canticles (1966)

Compositions d'orchestre

Les compositions pour piano

  • tarentelle (1898)
  • Scherzo (1902)
  • Sonate en fa dièse mineur (1904)
  • chiffon de musique de piano (1919)
  • sonate (1924)
  • Concerto pour piano et vents (1924)
  • la sérénade (1925)
  • Capriccio pour piano et orchestre (1929)
  • tango Piano (1940)
  • Mouvements pour piano et orchestre (1958-1959)

chambre compositions vocales

  • orageux Nuage, romance pour voix et piano (1902)
  • Les champignons vont à la guerre, pour contrebasse et piano (1904)
  • pastoral, pour voix et piano (1907)
  • Deux Poèmes de Paul Verlaine, pour baryton et piano (1910)
  • Deux poèmes de Constantin Balmont, pour soprano, ténor et piano (1911)
  • Pribautki, pour la voix et orchestre de chambre (1914)
  • Trois chansons de William Shakespeare, pour mezzo-soprano, flûte, clarinette et alto (1953)
  • quatre Chansons, pour la voix et ensembe instrumentale (1954)
  • In memoriam Dylan Thomas, pour ténor, quatuor à cordes et quatre trombones (1954)
  • Elégie pour J.F.K., pour baryton ou mezzo et trois clarinettes (1964)
  • Le hibou et le chat chatte, pour voix et piano (1966)

écrits

  • Poétique de la musique, Trad. Italien Lino Curci, Edizioni Curci, Milan, 1942
  • Chroniques de ma vie, Trad. Italien Alberto Capes, SE, Milan, 2006 - ISBN 978-88-7710-832-6

chance Discographie au directeur

  • Stravinsky, Le Sacre Du Mène des Printemps / Petrouchka de Stravinsky - Columbia Symphony Orchestra, 1960 Columbia Masterworks - Grammy Award du meilleur album classique 1962 et Grammy Hall of Fame 2000 pour Petrouchka
  • Stravinsky Concerto pour violon en ré majeur - Stravinsky / Stern / Columbia Symphony Orchestra 1962 CBS - Meilleure performance par soliste classique avec orchestre (Grammy) 1963
  • Igor Stravinsky, Stravinsky Conducts Stravinsky: L'Oiseau de feu - Columbia Symphony Orchestra - 1962 Columbia / CBS - Grammy Award pour le meilleur orchestre performance 1963
  • Igor Stravinsky et l'Orchestre symphonique de Columbia - Stravinsky Mène Oiseau de feu / Petrouchka Suite - 1967 Columbia / CBS - Grammy Award pour le meilleur orchestre performance 1968

notes

  1. ^ Extrait de la lettre de Debussy à Robert Godet. 4 janvier 1916 Il a mentionné: « L'appartement est bleu, les lettres de 1884 à 1918 » de Claude Debussy. pag. 199
  2. ^ Compositeurs généalogies: Un recueil des compositeurs, de leurs enseignants et leurs élèves Pfitzinger, Scott. romain Littlefield. Lond New York, 2017. P. 522 ISBN 9781442272248 #
  3. ^ https://books.google.com/books?id=ugfWDQAAQBAJp
  4. ^ Gildo De Stefano, Ragtime, jazz alentours, Milan 2007 - Chapitre: Les influences sur les auteurs de la vieille Europe
  5. ^ Roman Vlad, Stravinsky, Einaudi 1958 pp.62-63.
  6. ^ Mario Baroni, Montée et le déclin des avant-gardes historiques, Encyclopédie de la musique, I, Il Novecento, Turin 2001, p. 14-15

bibliographie

  • Alfredo Casella, Igor Strawinski, Rome, Formiggini, 1à éd., 1926, Brescia, La Scuola, 2à ed. 1951 3à ed. 1961; nouvelle édition par Benedetta Saglietti et Giangiorgio Satragni, avant-propos par Quirino Principe, Rome, Castelvecchi, 2016
  • André Schaeffner, Stravinsky, Paris, Les Editions Rieder, 1931
  • Domenico De Paoli, L'œuvre de Stravinsky, Milano, 1931 (nouvelle édition révisée avec le titre Igor Stravinskij. De "L'Oiseau de feu" à "Perséphone", Turin, 1934)
  • Gian Francesco Malipiero, Igor Stravinskij, Venise, Cavallino, 1945
  • Robert Craft, et Alessandro Piovesan Roman Vlad, La musique religieuse de Igor Stravinsky, Venise, Lombroso, 1956
  • Roman Vlad, Stravinsky, Turin, Einaudi, 1958 (2e éd, 1973;. 3 e éd., 1983)
  • Giampiero Tintori, stravinski, Milan New Academy, 1964 (2e édition révisée, 1979) * Pierre Boulez, « Stravinsky reste » dans apprentissage Remarques, Turin, Einaudi, 1968
  • Giorgio Pestelli, Le jeune Stravinsky. (1906-1913), Turin, Giappichelli, 1973
  • Igor Stravinskij et Robert Craft, Conversations avec Stravinsky (Ed. Orig. Conversations avec Igor Stravinsky, Souvenirs et commentaires, Expositions et développements, Faber et Faber et Doubleday), Turin, Einaudi, 1977
  • Allen Forte, L'Organisation harmonique du Sacre du printemps, New Haven et Londres, Yale University Press, 1978
  • Eric Walter White, Stravinsky, Trad. Italien Maurizio Papini, Milan, Mondadori, 1983
  • Pieter C. van den Toorn, La musique d'Igor Stravinsky, New Haven, Yale University Press, 1983
  • André Boucourechliev, Stravinsky, Trad. Italien Lorenzo Pellizzari, Milan, Rusconi, 1984 (2e éd., 1996)
  • Massimo Mila, compagnon Stravinsky, Turin, Einaudi, 1985
  • Gianfranco Vinay, Stravinsky néoclassiques. La mémoire de l'invention dans le « 900 musique, Venezia, Marsilio, 1987
  • Gianfranco Vinay (ed) Stravinsky, Bologne, Il Mulino, 1992
  • Carlo Migliaccio, Les ballets par Igor Stravinskij, Milan, Murcia, 1992
  • Richard Taruskin, Stravinsky et les traditions russes: Une Biographie des œuvres par la Mavra, Berkeley et Los Angeles, University of California Press, 1996
  • Richard Taruskin, Le Sacre du printemps. Les traditions russes, la synthèse de Stravinsky, Trad. Italien Daniele Torelli, Milan-Rome, Publications BMG, 2002
  • Roman Vlad, Architecture d'un chef-d'œuvre. analyse des Sacre du printemps Igor Stravinsky, Turin, Publications BMG, 2005
  • Gianluigi Passaro, Le vent souffle avant. Les horizons de volonté inconsciente Le Sacre du Printemps Igor Stravinsky, Roma, Edizioni Kappa, 2010
  • Jonah Lehrer. Proust était un neuroscientifique. Turin, Code Edizioni, 2008
  • Mark McFarland, Igor Stravinsky en Oxford Bibliographies en ligne: Musique. Sous la direction de Bruce Gustavson. New York: Oxford University Press, 2011
  • Susanna Pasticci. Symphonie des Psaumes: L'expérience du sacré dans Stravinsky. Lucca, LIM, 2012

particularités

  • Stravinsky était l'un des rares compositeurs qui ont utilisé le stylo pour écrire les lignes de Pentagram à cinq branches.
  • Stravinsky avait la manie de manger un œuf à la coque avant chaque concert (cité par Claude Desmeils dans son livre « Ma Vie avec les musiciens. Bruxelles, 1946).

Articles connexes

  • Editions des compositions de Igor Stravinskij

D'autres projets

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liens externes

actuellement, le Fondation Igor Stravinsky de Genève Il traite de la divulgation de l'œuvre du compositeur.

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