s
19 708 Pages

Cinéma italien
L'entrée aux établissements Cinecittà

Par convention, date de la naissance de cinéma italien la première projection publique de frères Lumière qui a eu lieu le 13 Mars, 1896, au studio de Le Lieure Rome.[1][2] Dans les mois qui ont fait de nouvelles manifestations dans plusieurs grandes villes du pays comme Naples, Milan, Gênes, Venise et Bologne, souvent dans les théâtres et Café-Chantant le plus célèbre, presque toujours prévu à la fin d'un jeu ou d'un concert.[3] Peu de temps après, dans les salons et dans les salons italiens de la fin du XIXe siècle, les premières images sont vues en mouvement photographique Auguste et Louis Lumière, de Thomas Edison et Georges Méliès.[3]

index

Les débuts (1896-1909)

Le premier documentaire

Cinéma italien
Un cadre du plus ancien documentaire italien qui dépeint encore visibles papa Leone XIII

Les premières images imprimées sur le film et produit en Italie documentaires de quelques minutes donnés aux rois, des empereurs, des papes et des aperçus de certaines villes. Le premier opérateur est d'une importance historique Vittorio Calcina, auteur de courts métrages à la fois sous forme documentaire, ce sujet. Parmi ses « vues » devrait mentionner le plus célèbre de la visite de la reprise Monza roi Umberto I et la reine Margherita di Savoia, tourné vers le Comité au nom des frères Lumière[4]. Son est aussi le plus ancien documentaire italien encore visible: Sa Sainteté papa Leone XIII (1896), un court coup de papa Leone XIII en Jardins du Vatican.

Italo Pacchioni, Le faux estropié le Castello Sforzesco (1896)

Bientôt d'autres pionniers qui font leur chemin. A à briller est le directeur et inventeur Filoteo Alberini, que déjà à partir de 1895 un dispositif de perfectionne la récupération semblable à celle de la Lumière[5]. Ils sont également actifs Italo Pacchioni, Arturo Ambrosio, Giuseppe Filippi, Giovanni Vitrotti et Roberto Omegna.

Le succès de ces « images en mouvement » est immédiat. la cinéma fascinant pour sa capacité à montrer des réalités géographiques d'une précision sans précédent lointaine et, à l'inverse, de capturer des moments de tous les jours sans histoire. Ils ont repris les événements sportifs, les événements locaux, le trafic routier intense, l'arrivée d'un train, des visites de personnes célèbres, mais aussi les catastrophes naturelles et les catastrophes.

Pour donner une idée approximative du type de récupération, certains délais rapportent les titres suivants: Vérifiez le train à la gare de Milan (1896) La bataille de la neige (1896) la cage des fous (1896) Balle dans la famille (1896) Le faux estropié le Castello Sforzesco (1896) et La Foire Porta Genova (1898), tout tir de Italo Pacchioni, également l'inventeur d'une caméra avec effet stéréoscopique Machine conservé à la Bibliothèque du cinéma italien de Milan.[6]

Si la réponse de la classe ouvrière est excité, la nouvelle technologie sera traitée avec réserve par la presse et une partie du monde intellectuel. En dépit de la méfiance initiale, en deux ans seulement, l'échelle du film hiérarchies entreprises intrigants les classes aisées. Le 28 janvier 1897, les principes Vittorio Emanuele et Helen du Monténégro assister à une projection organisée par Vittorio Calcina, dans une salle de Palazzo Pitti à Florence[7]. J'ai décidé d'expérimenter avec le nouveau milieu, ils partiront à nouveau en S.A.R. Prince de Naples et la princesse Elena visite Baptistère de San Giovanni à Florence et le jour de leur mariage manifestation populaire à LL. AA. Les Principes jeunes mariés (le Panthéon - Rome)[8][9].

Rue Cinéma et la naissance de l'industrie cinématographique

icône Loupe mgx2.svg Le même sujet en détail: Naissance du film italien.
Cinéma italien
L'un des nombreux logos Cines

Dans les premières années du XXe siècle répartis dans toute l'Italie le phénomène de déplacement des cinémas qui offrent l'alphabétisation du milieu visuel. Cette forme de divertissement innovant dans un court laps de temps, une quantité de viseurs optiques (lanternes magiques, cineografi, stéréoscopique, vues, dioramas ...) qui avait l'imagination européenne alimenté et facilité le mouvement d'un marché commun des images.[3] Le nouveau cinéma italien, donc, reste liée à des spectacles traditionnels de art de la comédie ou celles qui sont typiques des gens du cirque. Les projections publiques se déroulent dans les rues, dans les cafés ou dans des théâtres de variétés en présence d'un aboyeur dont la mission est de promouvoir et d'enrichir l'histoire.[10]

entre 1903 et 1909 le cinéma ambulant, jusque-là considéré comme un monstre, perd la cohérence en supposant les caractères d'une véritable industrie. Des centaines de studios sont situés dans tout le pays: Cines, Milano Film, Itala Film, Caesar Film, Società Anonima Ambrosio, Partenope Film, Pasquali Film, et d'innombrables autres abréviations, destinés à durer le temps de traitement d'un film. En même temps, organisé dans les centres urbains de plus en plus répandu réseau de salles de cinéma (la Cinéma Lumière Pise commence les projections déjà en 1899, le cinéma Sivori Gênes même de 1896[11]). Cette transformation conduira à la production de film un sujet qui pour la plupart des période de silence se joindra à la documentaire jusqu'à remplacer presque au sommet de Première Guerre mondiale.

La découverte du potentiel spectaculaire du milieu du film favorise le développement d'un film d'une grande ambition, capable d'englober tout le charme culturel et historique du pays. L'éducation est la source des idées et des suggestions facilement assimilables non seulement d'un public instruit, mais aussi des personnes. Des dizaines de personnes rencontrées sur les manuels scolaires font leur entrée sur le grand écran: Le comte de Monte-Cristo, Giordano Bruno, Judith et Holopherne, Francesca da Rimini, Lorenzino de Médicis, Rigoletto, la Conte Ugolino et d'autres. D'un point de vue iconographique, les principales références sont les grands artistes de la Renaissance et néo-classique, et les symbolistes et les illustrations populaires[12].

En 1905, la Cines inaugure le genre de historien du cinéma, qui en dix ans, il va donner fortune à de nombreux cinéastes italiens. Cette éventualité conduira à la naissance d'un des premier long métrage intitulé La chute de Rome (1905), d'une durée de dix minutes et réalisé par Filoteo Alberini. L'opérateur emploie pour les premiers acteurs du temps d'origine théâtrale, en profitant de l'argument historique clé populariser et pédagogique. Le film, assimilant la leçon de Manzoni fiction historique crédible reconstitue la prise de Rome du 20 Septembre 1870, les affaires notoires avec l'annexe Violation de Porta Pia.

L'âge d'or (1910-1919)

Au cours des dix premières années, l'industrie cinématographique a connu un développement rapide. en 1912, l'année de la plus grande expansion sont produits 569 films à Turin, Rome et Milan 420 120[13]. Au cours des trois années précédentes, la Première Guerre mondiale, tandis que la production est consolidée, nous exportons partout dans le monde des films mythologiques, comiques et dramatiques. Pendant ce temps, dans le domaine de l'acteur, il né le phénomène de la célébrité depuis quelques années connaissent un succès imparable. Avec la fin de la décennie des Roms est imposée de façon permanente comme le principal centre de production; Il restera en dépit des crises qui secouent périodiquement l'industrie jusqu'à nos jours.

L'épopée historique

Cinéma italien
affiche de Cabiria (1914) de Giovanni Pastrone

A la croissance de la production de pointe, le genre historique perd son éducation et illustrative en faveur de la plus spectaculaire. Le blockbuster présenté au début du XXe siècle montrent toutes les ambitions de 'Italie Giolitti pour célébrer les grands événements de l'écran de l'antiquité, avec les aspirations d'une puissance internationale. Même avant l'avènement du fascisme, ces films évoquent les triomphes des anciens empires romains, dont il revendique fièrement les descendants culturels[14]. la la conquête de la Libye Elle marque le rapprochement final entre le substrat nationaliste de ces films et la politique impérialiste.

Les archétypes sont le logement Les derniers jours de Pompéi (1908), de Arturo Ambrosio et Luigi Maggi et Nerone (1909), De même Maggi et Arrigo Frusta. Ce dernier film est inspiré des travaux de Pietro Cossa iconographie qui remonte aux eaux-fortes Bartolomeo Pinelli, un néoclassicisme et le spectacle Noir, ou la destruction de Rome représenté par cirque Barnum.[15] ils suivent Marin Faliero, doge de Venise (1909), De Giuseppe De Liguori, Othello (1909), de Yambo et Odyssée (1911), Bertolini, et Padovan De Liguori. enfer (1911), Avant même une adaptation de Le poème de Dante, Il est une traduction cinématographique des gravures de Gustave Doré l'expérience de l'intégration des effets optiques et action scénique, alors que Les derniers jours de Pompéi (1913), De Mario Caserini, utilise des effets spéciaux innovants.

Le premier à tirer pleinement parti de cet énorme appareil est spectaculaire Enrico Guazzoni, déjà célèbre peintre et scénographe. dans son Quo vadis? (1913) Caractères et l'espace scénique créer des rapports non publiés à ce jour, mettant en évidence la dialectique entre l'individu et la masse qui sera l'objet de films historiques futurs. L'histoire reste en arrière-plan, alors que l'agitation de premier plan tragédies personnelles résultant de mélodrame[16]. Le succès international du film marque la maturation du genre et permet Guazzoni de mettre en œuvre des films les plus spectaculaires comme Caius Julius Caesar (1913) et Marcantonio et Cléopâtre (1913). Après Guazzoni sont Emilio Ghione, Febo Mari, Carmine Gallone, Giulio Antamoro et bien d'autres qui contribuent à l'expansion du genre.

Giovanni Pastrone le directeur est plus intéressé à la recherche de solutions scéniques hors du commun. déjà en La chute de Troie (1911) Les expériences de constructions en perspective originale, mais avec le titanesque Cabiria (1914) Que sa filmographie et l'ensemble atteignent généralement le sommet. Conçu comme un véritable films d'événements (grâce à la collaboration de Gabriele D'Annunzio), Le film touche le public pour son ambition, soutenue par le financement et les coûts de production sans précédent. Les innovations techniques (y compris l'utilisation des chariots et le premier étage), la complexité de l'intrigue, l'utilisation expressive de maquillage, l'éclairage et l'opulence scénique contribuent à sa réputation de « objets d'art » capable de repousser les limites du support du film[17]. Dans les années à venir, des films comme intolérance (1916) par David W. Griffith ou métropole (1927) par Fritz Lang Ils devoir le film Pastrone.

Après le grand succès de Cabiria, avec l'évolution des goûts du public et les premiers signes de la crise industrielle, le genre commence à montrer des signes de fatigue. Le projet d'adapter Pastrone Bible avec des milliers de figurants reste lettre morte. la Christus (1916) Et le Antamoro La Jérusalem délivrée (1918) De Guazzoni demeurent élevés pour la complexité iconographique, mais ne proposent pas des innovations importantes. En dépit des tentatives sporadiques pour verrouiller sur grandeur le passé, le gîte de blockbuster historique arrête une vingtaine d'années.

La plongée silencieuse

Cinéma italien
Francesca Bertini sur l'ensemble du film Assunta Spina de Gustavo Serena (1915)

entre 1913 et 1920 on assiste à la montée, le développement et le déclin du phénomène du vedettariat de cinéma, né avec la sortie de Mais mon amour ne mourra jamais (1913), De Mario Caserini. Le film a été un énorme succès et l'encodage et l'apparition de la femme vedettariat. La récitation Lyda Borelli Il exerce une grande influence tout au long de la décennie et contribue à renouveler l'imagination romantique avec des influences mélodramatiques, décadente et symboliste.

Francesca Bertini Il est, après Lyda Borelli, la deuxième grande star du cinéma italien. Avec une plus grande polyvalence par rapport aux divas contemporaines, en passant de la comédie au drame passionnel couvrant divers rôles sociaux et de communiquer efficacement avec un large éventail de sentiments. en Assunta Spina (1915), De Gustavo Serena Il se éloigne de la liberté des influences d'aborder une action plus naturaliste qui favorise la puissance expressive[18].

Cinéma italien
Leda Gys l'affiche de santarellina de Mario Caserini (1922)

En quelques années, ils disent: Eleonora Duse, Pina Menichelli, Rina De Liguori, Leda Gys, Vittoria Lepanto et Italie Almirante Manzini. des films comme mal Fior (1914), De Carmine Gallone, le feu (1915), De Giovanni Pastrone, satanique Rhapsody (1917), De Nino Oxilia et cendre (1917), De Febo Mari, venu de changer le costume national, en imposant des normes de beauté, des comportements et des objets de désir. Ces modèles, très stylisé selon les tendances culturelles et artistiques de l'époque, se éloigner du naturalisme en faveur d'agir mélodramatique, le geste pictural et pose théâtrale; tout favorisé par l'utilisation de continu premier plan qui amplifie en outre le bagage actrice expressive. [19].

En dépit de la diversité des acteurs et du cinéma, le modèle féminin qui se dégage du cinéma de cette période est en grande partie attribuable au modèle mélodramatique, bien contaminé par la décadence de D'Annunzio et les théories de Lombroso: « Maintenant innocents et purs, maintenant délirants, et en proie à « de tous les dérèglement SEnS » mères maintenant doux qui se voient refuser la maternité, les femmes maintenant capables d'aimer au-delà de la mort elle-même "[20]. Seulement dans les années vingt, avec la crise de la production et le coucher du soleil des étoiles, il sera possible l'émergence d'une figure féminine plus réaliste, sans aura divine et plus accessible au spectateur.

Dans le même laps de temps, le phénomène divismo développe également sur le visage des hommes, dans la vertu de l'affirmation des différents acteurs de théâtre Amleto Novelli, Novelli Ermete, Emilio Ghione, Ermete Zacconi, Febo Mari et futurs administrateurs Ubaldo Maria Del Colle, Carlo Campogalliani et Mario Bonnard. Il faut se rappeler, enfin, la figure de Bartolomeo Pagano, un ancien camallo le port de Gênes, prit de l'importance pour les nombreuses interprétations dans plusieurs blockbuster du moment, y compris ceux déjà mentionnés Cabiria (1914).

la bande dessinée

Malgré un certain succès dans la première décennie du siècle, les comiques ont jamais wetsuits devenu un général. La caractéristique importante de cette production, qui a des centaines de films (presque tous les courts métrages), est la capacité d'assimiler diverses formes de divertissement populaire, du théâtre de rue vaudeville. Construit autour d'une intrigue mince avec des idées humoristiques et catastrophiques, ces courts métrages agissent comme un simple accompagnement à des films plus ambitieux.

Le comédien est le plus de succès en Italie André Deed, mieux connu sous le nom Cretinetti, l'étoile de nombreux tribunaux Itala Film. Son succès ouvre la voie à Marcel Fabre (Robinet) Ernesto Vaser (Fricot) et bien d'autres. Le seul acteur d'une certaine substance, cependant, Ferdinand Guillaume, qui est devenu célèbre avec le nom de l'art par Polidor[21].

L'intérêt historique de ces films réside dans leur capacité à révéler les aspirations et les craintes d'une société de classe moyenne divisée entre le désir d'affirmation et incertitudes du présent. Il est significatif que les protagonistes de la comédie italienne est jamais mis en conflit direct avec la société ni incarnent des désirs de compensation sociale (comme cela se produit par exemple avec Charlie Chaplin), Mais plutôt essayer d'intégrer dans un monde hautement désiré[22].

Le film futuriste

Cinéma italien
Un cadre thaïs (1917) de Giulio Bragaglia Anton
icône Loupe mgx2.svg Le même sujet en détail: Cinéma Futurist.

Bien que légèrement, les effets futurisme d'avant-garde sur le cinéma de la période et surtout est affectée. Avec son intérêt pour la rapidité et la violence expressive, futurisme situé dans l'art du film plus jeune, moins compromis avec la rhétorique traditionaliste et surtout ouvert aux développements technologiques futurs. Dans le Manifeste du cinéma Futurist (1916) Filippo Tommaso Marinetti, Bruno Corra, Emilio Settimelli, Arnaldo Ginna et Giacomo Balla décrire le film comme l'art capable de synthétiser toutes les tendances expérimentales de l'âge. Ce faisant, revendiquant l'utilisation de « drames d'objets », « symphonie de lignes et de couleurs » et « Jeux de proportion » de dépasser les limites du naturalisme du XIXe siècle. Le cinéma que l'espoir est « antigraceful, déformation, impressionniste, synthétique, dynamique, parolibero »[23].

Au-delà de la déclaration, futurisme ne pas être en mesure de prendre possession du nouveau moyen d'expression, et ne sera pas en mesure de laisser une marque durable dans son évolution. L'influence opère plutôt dans le sens inverse: le film sera d'influencer le mouvement de la production artistique, l'ensemble des matériaux les plus disparates, les premiers étages et les détails, les images de coupe excentrique, l'utilisation des sous-titres, accroupir et fades[24].

Les films en raison du mouvement sont très peu. En plus des peintures abstraites sur le film de Bruno Corra et Arnaldo Ginna, perdus, les œuvres les plus importantes ne sont que deux. La première, La vie Futurist (1916), Arnaldo Ginna, est une sorte de vérification pratique des arguments exposés dans manifeste: Ironique et intentionnellement provocateur, le film utilise de nombreux effets spéciaux (pièces colorées à la main, toners, coups excentriques, assemblage anti-naturaliste) pour stimuler les réactions émotionnelles du spectateur. La seconde, thaïs (1917), de Giulio Bragaglia Anton, Elle a été fondée sur la base de l'esthétique traité Fotodinamismo futurologue (1911), écrit par le même auteur. Le film, construit autour d'un mélodrame et déclinant l'autre, révèle en réalité de nombreuses influences artistiques de futurisme Marinetti; les jeux sécessionniste, mobilier liberté, et des moments abstraits surréaliste aider à créer une forte syncrétisme formelle. Dans la même période Bragaglia réalise d'autres travaux tels que charme perfides, mon corps et le court-métrage Drame Olympus, tout perdu.

La grande crise et l'avènement du son (1920-1930)

Cinéma italien
le directeur Roberto Roberti

Avec la fin de grande guerre le cinéma italien à travers une période de crise en raison de nombreux facteurs: la désorganisation de la production, augmentation des coûts, le retard technologique, la perte des marchés étrangers et l'incapacité de faire face à la concurrence internationale, en particulier Hollywood[25]. Parmi les principales causes de note est l'absence d'un changement de génération à la production encore dominé par les auteurs et les fabricants d'éducation littéraires, incapables de faire face aux défis de la modernité. La première moitié des années vingt a marqué un reflux de la production nette: les 350 films produits en 1921 iront à 60, 1924[26].

La littérature et le théâtre sont encore les sources narratives préférées. Ils résistent à la feuilleton, la plupart du temps pris des textes classiques ou populaires et mis en scène par les spécialistes Roberto Roberti et blockbuster religieux Giulio Antamoro. Sur la base de la dernière génération de divas, répand un sentimental cinéastes femmes, en se concentrant sur les chiffres en marge de la société, au lieu de lutter pour l'émancipation (comme dans le cinéma contemporain Hollywood), à travers un véritable calvaire afin de préserver leur vertus. La protestation et de rébellion de la part des conducteurs féminins sont hors de question. Il est un cinéma très conservatrice, liée à des règles sociales ravagées par la guerre et dans le processus de dissolution dans toute l'Europe. Un cas exemplaire est celui de L'histoire d'une femme (1920), De Eugenio Perego, qui utilise un bâtiment avec récit originale de proposer une morale mélodramatique du XIXe siècle[27]. Une tendance particulière est de mise réaliste, grâce au travail du premier féminin du cinéma italien, Elvira Notari, diriger de nombreux films influencés par le théâtre populaire et pris de la célèbre dramatisé, des chansons napolitaines, publications en série ou inspirées de l'actualité.[28] Un autre cadre réaliste du film est Perdu dans l'obscurité (1914), le réalisateur sicilien Nino Martoglio, considéré par certains critiques comme un exemple du cinéma néoréaliste.[29]

En fait, la production italienne de cette période est marginale et le marché est dominé par les films d'Hollywood. Le seul producteur capable de s'adapter à la situation Stefano Pittaluga, Il a l'intention d'exercer un contrôle quasi absolu sur la place du cinéma italien aux années trente. Parmi les administrateurs sont en mesure de concurrencer les produits européens Lucio D'Ambra, Carmine Gallone et au-dessus Augusto Genina. La mise en œuvre flexible et attentif aux goûts du public, Geneina se déplace avec aisance dans la comédie, mélodrames et des films d'aventure, la réalisation souvent de grands succès au box-office. A partir de la seconde moitié des années trente prêteront ses films de guerre dirigés à particulier, voulu et organisé par la propagande fasciste[30].

Vous devrez attendre la fin de la décennie pour trouver plus de films de respiration. Au cours de cette période, un groupe d'intellectuels proches du magazine cinéma et guidé par Alessandro Blasetti lance un programme simple qu'ambitieux. Conscient du retard culturel italien, décide de rompre tous les liens avec la tradition précédente par une redécouverte du monde rural, qui avait été pratiquement absent dans le cinéma italien. soleil (1929) par Alessandro Blasetti montre l'influence évidente de l'avant-garde soviétique et allemande pour tenter de renouveler la cinématographie italienne conformément aux intérêts du régime fasciste. rails (1930) de Mario Camerini Il allie le genre traditionnel de la comédie avec Kammerspiel et les films réalistes, révélant la capacité du directeur en décrivant les personnages de la classe moyenne[31]. Bien que pas comparable aux plus hautes réalisations du cinéma international de la période, le travail d'Alessandro Blasetti et Mario Camerini témoin d'un changement de génération a eu lieu entre les cinéastes et les intellectuels italiens, et surtout l'émancipation des modèles littéraires et une approche au goût du public . Une fois réorganisé l'industrie, les fruits de cette renaissance sera complètement véhiculée par le régime fasciste.

Cinéma italien
film d'image La chanson d'amour (1930) de Gennaro Righelli, premier film sonore italien qui sortira dans les salles.

Parallèlement, dans la première moitié des années 30, le marché mondial du film traverse un véritable bouleversement causé par l'avènement du son. Le scepticisme initial du nouveau média implique les producteurs et les réalisateurs de nombreux pays, réticents immédiatement à débattre avec son design. La présente invention a enfreint les règles de la grammaire cinématographique et est considérée comme une menace pour la distribution internationale, potentiellement sujet (via le doublage) à tout type de manipulation. Le son arrive en Italie en 1930, trois ans après la sortie de Le chanteur de jazz (1927), et conduit immédiatement à un débat sur la validité du film et a parlé de sa relation avec le théâtre.

Certains metteurs en scène face au nouveau défi avec enthousiasme. Le premier film sonore italien La chanson d'amour (1930), De Gennaro Righelli, qui se trouve être un grand succès. Même Alessandro Blasetti expérimenté avec l'utilisation d'une piste sonore optique pour le film Resurrectio (1930), avant le virage chanson d'amour mais il a distribué quelques mois plus tard[32]. Similaire au film Rulers Les hommes, qui Rascals ... (1932), de Mario Camerini, dont il a le mérite de ses débuts sur les écrans Vittorio De Sica.

Avec la transition vers le cinéma parlé la plupart des acteurs italiens du film muet, toujours liés à la stylisation théâtrale, il se trouve disqualifiée. L'âge des étoiles et des blockbusters, a survécu à peine vingt ans, a finalement pris fin. Bien que certains interprètes passeront directeur ou à la production, l'arrivée du son favorise le changement de génération et la modernisation conséquente des installations.

L'industrie cinématographique dans la période fasciste (1922-1945)

icône Loupe mgx2.svg Le même sujet en détail: Cinecittà.
Cinéma italien
Le Centre expérimental de cinématographie Rome

Conscient de l'importance du cinéma dans la gestion du consensus social, le régime fasciste soucis tout de suite élever un cinéma en déclin. En 1924, il a fondé la 'Union film éducatif Lumière, une des sociétés de production et de distribution contrôlées par l'Etat. Dans la même période, il est établi Ministère de la culture populaire que, grâce à des subventions substantielles (régies par la loi 918 de 1931), les finances directement l'industrie du divertissement.[33] Parmi les plus grands bénéficiaires est la société de production Cines-Pittaluga, qui en 1925 a construit de nouvelles soundstages aux portes de Rome. En dépit de l'augmentation des investissements est dérivé de cette politique interventionniste, le retard technologique et culturel condamne la marge de la dernière période du cinéma muet. Dans la première année de la vie Cines nous allons produit en Italie seulement 12 films, contre 350 importés de l'étranger[34].

À la fin de la décennie, le régime deviendra le seul prêteur peut l'industrie du cinéma. A partir de ce point, jusqu'à l'éclatement de la guerre, la production et le marché, ils seront contrôlés en permanence par les autorités gouvernementales. En 1934, est créé le Conseil d'administration de la cinématographie dirigée par Luigi Freddi, qui contrôlent efficacement la production de films italiens et étrangers jusqu'à la chute du régime (non sans surveillance et coupures de censure).[35] La même année, il a été la guilde a créé le spectacle, où il y a tous les principaux fabricants et distributeurs dans le pays. Dans cette période, en plus de Cines, né d'autres sociétés de production, y compris Lux Film, spécialisée dans les adaptations cinématographiques littéraires et religieuses, et Novella Film Angelo Rizzoli. Parmi il faut mentionner les producteurs les plus actifs Gustavo Lombardo (Président du titanus) Giovacchino Forzano et frères Scalera. Tous les fabricants et les distributeurs reçoivent des fonds de l'Etat, qui confère également sa propre chaîne de cinéma, l'ENIC.

En 1935, établi le Centre expérimental Cinématographie, Il vise à se positionner comme le lieu principal de la formation professionnelle du cinéma italien. Dans la même année, l'usine de Cines sont détruits par le feu. Sur les cendres de l'ancien site industriel, il monte en 1937 Cinecittà, un des plus grands complexes de production en Europe, a ouvert en défi ouvert aux studios d'Hollywood.[36] En 1940, les plantes sont nationalisées et bientôt devenir le cœur du bouton de l'industrie cinématographique, ce qui conduit la moitié de la production pour tirer dans ses soundstages. Depuis ce temps, Rome devenir la capitale incontestée du cinéma italien, avec Cinecittà et le Centro Sperimentale l'intention d'exercer pendant environ un demi-siècle la domination incontestée dans la formation et la production.

Jusqu'à la fin de 1938, le régime fasciste n'empêchera pas l'importation de films étrangers (penser que 73% des produits de cette année vont aux films d'Hollywood), mais avec le renforcement financier et le rôle croissant de l'Etat dans la production sont adopté des mesures protectionnistes visant à limiter les importations. En développant une politique dictatoriale consacrées au monopole des médias, la loi du 6 Juin, 1938 blocs Alfieri la circulation des films étrangers, ce qui donne une impulsion à la production nationale. En 1939, ils ont réalisé 50 films, qui deviendront 119 en 1942; tandis que la part des films nationaux du marché italien est passé de 13% à 50%[37]. Pas même la guerre est en mesure d'arrêter cet état de la production d'euphorie, qui durera jusqu'en 1943.

Cinéma italien
Au-dessus d'un jeune Alida Valli

Jusqu'au moment de sa chute, le régime imposera un films structurés dans des genres codés: comédie burlesque et le mélodrame sentimental, costume soap opera, la police jaune (presque tous de l'environnement à l'étranger), films d'aventure, un des films sur le thème de la guerre et des films historique. Le cinéma de la période fasciste ne sera pas le véhicule privilégié de la propagande (une tâche réalisée beaucoup plus par Luce Newsreels de façon persuasive[38] ), Mais il vous aidera à former l'idée des entreprises que le fascisme veut imposer: une société pacifique, libre de conflits internes, capables d'impulsions productives mais non touchés par les maux de la modernité.

A cette célébration contribue à une nouvelle génération d'acteurs, dont beaucoup intensifieront leurs activités même (et surtout) après l'effondrement du régime. Vittorio De Sica incarne une commune et donc la virilité plus en mesure de capter l'attention du public; à côté de lui réciter dria Paola, Isa Pola, Gianfranco Giachetti, Carlo Ninchi, Germana Paolieri, Elio Steiner et Isa Miranda. Tous ces acteurs représentent une tentative réussie de faire revivre un système d'étoile d'envergure internationale. Au cours des années trente et quarante, de la même manière, interprètes Gino Cervi, Amedeo Nazzari, Fosco Giachetti, Massimo Girotti, Leonardo Cortese et Raf Vallone continuera à incarner la virilité italienne, tiraillé entre la fierté nationale et les approches progressives à la réalité; aussi bien que Antonio Centa, Osvaldo Valenti, Rossano Brazzi, Adriano Rimoldi, Massimo Serato, Andrea Checchi, Renato Cialente, Guido Celano et Roberto Villa. Du côté féminin Alida Valli, Assia Noris, Clara Calamai, Doris Duranti, María Denis et Dina Sassoli, porter à l'écran une beauté plus commune, loin du charme stylisé des étoiles silencieux. Sur la même longueur d'onde, ils feront leurs débuts Valentina Cortese, Luisa Ferida, Elisa Cegani, Caterina Boratto, Carla Del Poggio, Mariella Lotti, Vivi Gioi, Marina Berti et Elsa De Giorgi. En même temps, il fait ses débuts un jeune Anna Magnani, que, après la guerre pour devenir l'un des plus importants artistes de partout dans le cinéma italien.

Une discussion séparée méritent quelques acteurs de la variété et capables d'amener les masques de comédie à succès du film: le cas de Ettore Petrolini, toto, Gilberto Govi, frères Eduardo, Titina et Peppino De Filippo, Aldo Fabrizi et Erminio Macario[39].

Film de propagande

icône Loupe mgx2.svg Le même sujet en détail: Cinéma de propagande fasciste.
Cinéma italien
Une image du film Scipion (1937), dirigé par Carmine Gallone

Les représentations cinématographiques des équipes et les premières actions fascistes sont rares. la vieille garde (1934), Alessandro Blasetti évoque la spontanéité supposée des escadrons de la vitalisme avec des tons populistes, mais n'est pas apprécié par la critique officielle[40]. shirt noir (1933), de Giovacchino Forzano, fait pour le dixième anniversaire de la Mars sur Rome, Il célèbre les politiques du régime (la remise en état des marais Pontins et la construction Littoria) Alternant des séquences narratives dans des pistes de documentaires.

Avec la consolidation politique, l'autorité gouvernementale impose l'industrie cinématographique pour renforcer l'identification du régime avec l'histoire et la culture du pays. D'où la tentative de relire l'histoire italienne dans une perspective autoritaire, ce qui réduit téléologique chaque événement passe à un précurseur de la « révolution fasciste », en continuité avec le travail de l'historiographie Gioacchino Volpe. Après les premières tentatives dans ce sens, spécialement conçu pour mettre l'accent sur le lien allégué entre Risorgimento et fascisme (Villafranca Forzano, 1933; 1860 Blasetti, 1933), la tendance atteint son apogée juste avant la guerre. cavalerie (1936), de Goffredo Alessandrini, Il évoque la noblesse des combattants Savoie présentant les exploits des équipes à l'avance. Les chefs militaires, (1937), de Luis Trenker, Il raconte l'histoire de Giovanni delle Bande Nere établir explicitement un parallèle avec Benito Mussolini, tandis que Scipion (1937), de Carmine Gallone (Un des plus grands efforts financiers de l'époque), il célèbre l'Empire romain et, indirectement Fasciste[41].

L 'l'invasion de l'Ethiopie réalisateurs italiens donne la possibilité d'étendre les horizons des lieux[42]. Le grand appel (1936), de Mario Camerini, améliore l'impérialisme qui décrit la « nouvelle terre » comme une opportunité d'emploi et de la rédemption, ce qui contraste l'héroïsme des jeunes soldats à la lâcheté bourgeoise. La polémique anti-pacifiste qui accompagne l'entreprise coloniale est également évidente dans L'équipe blanche (1936), de Augusto Genina, combinant rhétorique propagandísticas majeur des séquences filmées de combat dans le désert de Tripolitaine. La plupart de l'empire pour célébrer le film sont pour la plupart des documentaires, destinés à masquer la guerre comme une lutte de la civilisation contre la barbarie. la Guerre civile espagnole Il est décrit dans les documentaires Los novios de la muerte (1936), de Romolo Marcellini et Arriba España, España, grand, libre! (1939), de Giorgio Ferroni et est le cadre d'une douzaine de films, parmi lesquels le plus spectaculaire est Le siège de l'Alcazar (1940), Augusto Genina[41].

Cinéma italien
Une scène du film la vieille garde (1934) de Alessandro Blasetti

Avec la participation de l'Italie dans la Guerre mondiale, le régime fasciste renforce encore le contrôle de la production et exige un engagement plus ferme de la propagande. Outre les documentaires maintenant canoniques, courts-métrages et films d'actualités, augmentent également le long métrage dans la louange de l'effort de guerre italienne. Parmi nous sommes les plus représentatifs Benghazi (1942), Geneina, air Personnes (1942), de Esodo Pratelli, Les trois aiglons (1942), de Mario Mattoli (Scénario Vittorio Mussolini) et les montagnes (1943), de Aldo Vergano sous la direction de Blasetti. Une citation mérite Les hommes sur le fond (1941) de Francesco De Robertis, un film remarquable par son approche presque documentaire[43].

Les films les plus réussis de la période est le dyptique nous vivons-Addio Kira! (1942), de Goffredo Alessandrini. Datant du genre de drame anti, ce mélodrame sombre (situé dans un improbable Union soviétique) Il a été inspiré par un roman l'écrivain Ayn Rand ce qui souligne l'individualisme philosophique radical. Précisément à cause de cette critique générale de l'autoritarisme, le diptyque pourrait être interprété comme une légère accuse le régime fasciste en train de mourir[44].

Parmi les administrateurs qui donnent leur contribution à la propagande de guerre, il est également Roberto Rossellini, auteur d'une trilogie Le navire blanc (1941), Un pilote est de retour (1942) et L'homme de la croix (1943). Anticipant une certaine façon ses œuvres de maturité, le directeur adopte un style résigné et immédiat, ce qui ne contredit pas l'efficacité de la propagande, mais améliore même la rhétorique dominante de la guerre: la même approche anti-spectaculaire qui restera fidèle à la vie[44].

Le cinéma des téléphones blancs

icône Loupe mgx2.svg Le même sujet en détail: Cinéma téléphone blanc.
Cinéma italien
Assia Noris dans le film Grands magasins de Mario Camerini (1939)

la saison téléphones blancs intéressé par une période de temps relativement court, la seconde moitié des années trente la chute du fascisme. La référence aux téléphones blancs (à l'époque un signe de la protection sociale) indique immédiatement les personnages de ce film qui conduisent au rejet de tout problème social, en mettant à la scène mince comédies romantiques. Ces comédies connaissent un succès éphémère dans les années où l'échec des promesses du fascisme devient de plus en plus évidente. Alors que la mise en petit-bourgeois révèle les espoirs et les rêves de la société italienne, l'autre le caractère agréable des histoires est en contraste frappant avec le film politique et la propagande dominante liée à ce[45].

Un autre nom du genre est « cinéma déco »[46], de souligner les nombreuses références aux tendances et aux coutumes de l'époque. Ses productions, en fait, sont pleins de maisons de luxe, machines, crier des vêtements et des meubles à la mode, les grandes lignes digne des amours anodins Amedeo Nazzari, Vittorio De Sica, Alida Valli et Assia Noris. Le cosmopolitisme superficiel de ce type peut également être expliqué par les besoins de production: de nombreux films sont des adaptations de comédies d'Europe centrale du siècle, en essayant de masquer la frivolité du contenu avec l'éclat de style. Le réglage étranger pour beaucoup d'histoires (souvent en Europe centrale indifférent aux tragédies du continent[47]), Elle contribue à reléguer ce film dans le couloir pur, loin de la guerre et les préoccupations sociales. De plus, le « cinéma déco » se révélera bientôt l'épreuve de nombreux écrivains destinés à se mettre en place au cours des décennies (y compris Cesare Zavattini et Sergio Amidei), Et surtout de nombreux designers comme Guido Fiorini, Gino et Sensani Antonio Valente, qui, en vertu des inventions graphiques avec succès, apportera ces productions pour devenir une sorte de « summa » esthétique de la classe moyenne du temps[46][48].

Parmi les auteurs, Mario Camerini Il est le plus grand cinéaste du genre. Après avoir pratiqué les différents volets, dans les années trente, il se déplace avec bonheur sur le territoire de la comédie sentimentale avec Les hommes, qui Rascals ... (1932) M. Max (1937) et Grands magasins (1939), Dans lequel il met en place une légèreté du toucher capable de valoriser l'ère Divi. Dans d'autres films confronte le modèle de l'empreinte comédie Hollywood Frank Capra (battement du cœur, 1939) et que l'irréel René Clair (Je donnerai un million, 1936). Camerini est intéressé par la figure italienne typique et populaire, beaucoup à certains éléments de anticiper la future comédie italienne[49]. Son plus grand interprète, Vittorio De Sica, Elle poursuivra la leçon Maddalena ... zéro dans la conduite (1940) et Theresa vendredi (1941), valorisant en particulier la direction des acteurs et de soins pour les environnements.

D'autres administrateurs (beaucoup plus formel) sont Mario Mattoli (9 heures de cours de chimie, 1941), Jean de Limur (apparence, 1944) et max Neufeld (La maison du péché, 1938; Mille livres par mois, 1939). Un signe tout à fait différent sont des comédies réalistes Mario Bonnard (A la place ..., 1942; Campo de « Fiori, 1943), qui s'écartent considérablement de l'impression Deco et ils voient le premier film de Aldo Fabrizi.

la calligraphie

icône Loupe mgx2.svg Le même sujet en détail: Calligraphism (cinéma).
Cinéma italien
A photos de la scène tragique nuit (1942) par Mario Soldati

la calligraphism Il est une tendance cinématographique dans certains films réalisés en Italie au premier semestre une quarantaine d'années et équipé d'une complexité expressive qui les isole du contexte général. L'exposant le plus célèbre de cette tendance est Mario Soldati, écrivain et directeur de long cours destinés à se mettre en place avec la structure formelle littéraires et solides films d'ascendance. Ses films mis au centre de l'histoire avec une force dramatique et psychologique est étranger au cinéma de téléphone blanc est le film de propagande, et perceptible dans des œuvres telles que Dora Nelson (1939) Piccolo Mondo Antico (1941) Malombra (1942) tragique nuit (1942) et District haute (1943). Luigi Chiarini, déjà actif en tant que critique, il explore la tendance dans son Sleeping Beauty (1942) Via delle Cinque Lune (1942) et l'aubergiste (1944). Les conflits internes des personnages et la richesse scénique sont récurrents dans le premier film Alberto Lattuada (Giacomo le Idéaliste, 1943) et Renato Castellani (Un coup de fusil, 1942), Dominée par un sentiment de décadence morale et culturelle qui semble anticiper la fin de la guerre.

Un autre exemple important du cinéma calligraphique est la version cinématographique de Les Fiancés (1941), De Mario Camerini (Cela est vrai dans le chef-d'œuvre de mise en scène de Manzoni), qui grâce au revenu gagné devient la fonction de cheval le plus regardé entre les années 1941 et 1942.[50]

La principale caractéristique de ce corpus hétérogène de films est la volonté de concurrencer les produits européens affirmant l'autonomie du cinéma par rapport aux autres arts. En même temps, il évoque la possibilité de le comparer avec eux au moyen d'un style qui pourrait fondre et contaminer les différentes langues d'expression[51]. Le résultat est un cinéma formellement complexe, capable de se rappeler de nombreuses tendances culturelles et de les harmoniser dans une forme d'art fait. Il réévalue la façon dont le caractère « artisanal » du film, souvent avili par les productions contemporaines des téléphones blancs. Les principales références littéraires sont celles de la fiction du XIXe siècle, principalement italienne (de Antonio Fogazzaro à Emilio De Marchi), Le russe et le français. Au cinéma comme collaborer écrivains Corrado Alvaro, Ennio Flaiano, Emilio Cecchi, Vitaliano Brancati, Mario Bonfantini, Umberto Barbaro et comme documentaire Francesco Pasinetti. Du côté visuel, la calligraphie se réfère à macchiaioli Toscane, à Préraphaélites et symboliste[52].

Les films de cette courte période ne sont pas vocation réaliste ou l'engagement social. L'intérêt principal reste la prise en charge formelle et la richesse des références culturelles enfermées dans un film capable d'améliorer le professionnalisme de chaque composante de la production. La calligraphie ne conduit pas à des innovations dans le système de production, mais il élève la qualité et révèle les ambitions d'une nouvelle génération d'auteurs intéressés à dépasser les limites étroites de la culture fasciste[53]. La bulle de temps critique de ces films comme irréaliste et superficielle (spécialement frappe l'expression « calligraphique »); plus tard, de la sixties, Cette vision simpliste a été corrigé[54].

Le cinéma de la République de Salò

icône Loupe mgx2.svg Le même sujet en détail: Cinevillaggio.
Cinéma italien
Osvaldo Valenti en uniforme de MAS dixième

Pour la brièveté de son histoire, la fragilité des structures de production et de la faiblesse des films, le cinéma République de Salò Il est un domaine à peine considéré par les historiens. Ce « pas d'histoire »[55] a commencé à la suite de 'Armistice du 8 Septembre, quand Luigi Freddi Il établit le nouveau centre du cinéma fasciste Venise afin de reprendre la production. Ferdinando Mezzasoma, nommé ministre de la culture populaire, essayez de créer une petite Cinecittà de Venise avec des réalisateurs, des acteurs et des travailleurs qui ont répondu au nord de déplacement. Mais le cinéma de la République sociale a été immédiatement condamné à lutter contre la rareté des ressources accordées par les autorités, n'a plus aucun intérêt à ce que Mussolini lui-même décrit la plus forte arme. Giorgio Venturini, directeur général du spectacle (qui est dépourvu de toute expérience dans le film), décrit avec réalisme la situation dans laquelle il fonctionne:

« Ce que vous voyez est pas Cinecittà: nous allons l'appeler un cinevillaggio; mais le plan d'urbanisme, il a été si bien tracée demain permettre à chaque développement plus large.[56] »

au début 1944 Ils sont envoyés à partir Prague l'équipement de film saisis par les Allemands Cinecittà et la production peut commencer. La tentative de créer un groupe solide d'acteurs, cependant, a échoué: Osvaldo Valenti, Luisa Ferida, Roberto Villa, Doris Duranti, Elio Steiner et Germana Paolieri sont les seuls noms de prestige ont prêté serment d'allégeance au nouveau régime et d'adhérer à cinevillaggio, tandis que les autres acteurs (y compris Luigi Tosi, Andreina Carli, Mino Doro, Nada Fiorelli, Alfredo Varelli, Loredana, Nino Crisman, Silvia Manto, Maurizio D'Ancora et Elena Zareschi) Les noms du deuxième étage, qui ne sont pas assez pour susciter l'intérêt du public. Parmi les administrateurs qui rejoignent le générique du film républicain comprennent Piero Ballerini, Francesco De Robertis, Carlo Campogalliani, Fernando Cerchio, Ferruccio Cerio, Giorgio Ferroni, Mario Baffico et max Calandri; parmi les scénaristes Corrado Pavolini et Alessandro De Stefani.

Les ressources du ministère sont utilisées principalement pour relancer la lumière Newsreel. Les 55 services fournis par mi 1943 à la fin de la guerre face aux nouvelles de la société, des événements sportifs, des curiosités de l'étranger. La guerre reste souvent en arrière-plan, et un seul numéro est parlé partisans[57]. Les longs métrages, quarante au total (qui ont perdu beaucoup de) évitent soigneusement la propagande. Parmi les titres de survivants se souvient La vie simple (1946), de Francesco De Robertis, une histoire d'amour agréable, situé dans le célèbre Venise.

La fin de la guerre était aussi la fin de cette cinevillaggio fragile. A la fin des désaccords hostilités, ils seront réassemblés au nom de la reconstruction nationale, en partie dans l'espoir irréaliste de maintenir, même en temps de paix une production à Venise[58].

Les films d'après-guerre (1945-1955)

Ces dernières années, le conflit Italie connaît des tragédies et terribles destructions. L'un des systèmes de production les plus avancés en Europe a été dissous et la production est pratiquement arrête. Dans ce sombre scénario, il manifeste un désir de renaissance, en 1944 conduisant à la création de 'Anica, FNFIS héritier direct de l'ère fasciste, qui réunit les intérêts des producteurs, des distributeurs et des exposants. Un article paru dans la nouveau Monde, US héliogravure en italien, résume ce désir de la résurrection:

« La production de films en Italie est comme construire une maison en commençant par le toit. [...] Pourtant, dans les studios italiens continuent à faire des films. Je me demande comment seulement maintenant, que vous n'avez pas plus de moyens que une fois, le film italien correspond à ce qui est l'âme du pays[59]. »

Au lendemain du 25 Avril, la Comité de libération nationale forme un gouvernement de coalition sur la base catholique, libéral, socialiste et communiste, avec l'intention de rétablir les libertés démocratiques, a cessé d'exister au cours de la période fasciste. Avec l'avènement de république, dans quelques années, la production est stabilisée: en 1945 28 films sont produits, passant à 62 l'année suivante et à 104 au début des années cinquante. A la fin de la décennie, elle conduira à 167[60]. La croissance est également facilitée par une politique d'aide du gouvernement afin de garantir la stabilité de la structure industrielle, en opposition à l'action des studios d'Hollywood, la PCB et la diplomatie américaine, qui visent plutôt à empêcher la reprise économique[61]. Au cours de la décennie, la cinématographie italienne imposera le film américain, qui, à la fin de la guerre ont été massacrés en masse sur le marché intérieur.[62]

Néoréalisme (1945-1953)

icône Loupe mgx2.svg Le même sujet en détail: Néoréalisme (cinéma).

Dans ce domaine des contradictions se développe néoréalisme, une saison artistique et culturelle qui couvre toutes les formes d'art, mais qui est dans le film ses résultats les plus accomplis. Néoréalisme est né de la rencontre d'une certaine individualité libre dans un climat historique commun, représenté par le traumatisme de la guerre et sa lutte de libération.[63] Pour ces raisons, le cinéma néoréaliste ne peut être considéré ni un courant, ni un mouvement, comme les cinéastes de premier plan (Roberto Rossellini, Vittorio De Sica, Visconti Luchino et Giuseppe De Santis) Conservent toujours une personnalité originale et indépendante. Les caractéristiques communes du nouveau réalisme, inséparable du contexte historique, sont plutôt identifiables dans le sens de l'éthique de la fraternité née de 'Anti-fascisme, dans la centralité des caractères communs entre entrelaçant et vie privée et de l'histoire publique, tous qui poussent sur l'utilisation (mais pas exclusivement) des acteurs non-professionnels et les environnements de la vie réelle. Il évolue ainsi un cinéma réaliste qui est devenu un symbole du peuple italien rançon de ce pauvre mais les entreprises viables ce film avait cru Fasciste complètement enlevé.

Cinéma italien
Aldo Fabrizi dans une scène de Rome, ville ouverte (1945) de Roberto Rossellini

Le point d'inflexion se produit avec Rome, ville ouverte (1945), de Roberto Rossellini, reconstitution de la lutte anti-fasciste à Rome dans les derniers mois de la guerre civile dans laquelle les différentes âmes de résistance romaine (Communiste, libéral et catholique) travaillent ensemble dans le respect mutuel. Ce qui frappe un niveau dramatique est l'utilisation complète des emplacements en plein air où, en plus des acteurs, d'être le protagoniste est l'architecture elle-même de ville éternelle. Ce qui intéresse le plus le directeur est « dans les rues, les églises, les toits, les logements sociaux, ces habitats que l'homme est appelé à défendre »[64]. Le film a obtenu un grand succès international (également en vertu des essais Aldo Fabrizi et Anna Magnani) Et le porte-parole Rossellini consacre du néo-réalisme. La vision oecuménique revient dans l'autre, Paisan (1946), une fresque sur les alliés militaires avancés de la Sicile à la vallée du Pô, qui par rapport aux sacrifices précédents de la psychologie individuelle aux besoins de parcours historiques et géographiques. Tourné avec un équipement de fortune près des faits, le film divise les événements racontés dans six épisodes, parfois les films avec leurs critères et objectifs du documentaire.

Pour certains versets spéculaires Paisan il est Allemagne année zéro (1947), où l'auteur déplace la caméra dans les décombres d'un Berlin détruite par les bombardements. Ici, le traumatisme de la guerre est inséré dans la vision catholique de la lutte de l'homme contre les adversités de l'histoire, qui, dans la fin tragique semble confirmer la mort de la solidarité. Fleurs de saint François (1950) renouvelle le directeur de recherche thématique représentant la religion populaire comme une réponse au sens de la vie. dans ce qui suit Stromboli (1950), Europa '51 (1952) et Voyage en Italie (1954), marquée par la coopération avec Ingrid Bergman, le directeur a demandé au sujet de la relation entre l'individu et la société, sur l'existence de la solitude et le silence de Dieu, ce qui représente les données visibles comme corrélative d'une recherche intérieure. Ces films, d'abord accueillis avec froideur par les critiques, auront une grande influence dans le développement du cinéma européen des décennies[65].

Cinéma italien
Enzo Staiola dans une séquence de Voleur de bicyclette (1948) de Vittorio De Sica

Du côté opposé, la parabole Vittorio De Sica Il est inséparable de celui de son scénariste Cesare Zavattini, que plus d'une occasion représentait la conscience théorique du néoréalisme. Ensemble, ils font en 1943 Les enfants regardent, montrant un fort accent sur la réalité contemporaine; concentrer le tir et à plus grande échelle dans ce qui suit La porte du ciel (1944) - tourné à Rome au cours des derniers mois de la Libération - et Shoeshine (1946), il saura dans un peu de temps un grand succès international. Contrairement à Rossellini, De Sica charge l'intensité émotionnelle du film et rechercher l'implication du spectateur racontant la survie difficile de deux petits garçons inévitablement vaincus par la société. avec Voleur de bicyclette (1949) Le drame individuel, inséré dans un problème social plus large, est chargé d'un pathos adroitement manipulé par le directeur et peut employer les plus hautes interprétations de degré d'acteurs non professionnels.[66]

Miracle à Milan (1951) est entrée sur le territoire de l'histoire sous la forme de fable fantastique et met l'accent sur leurs problèmes besoin de la solidarité (ce qui porte à l'air libre une tendance latente dans la Poétique de Zavattini). Une telle réclamation, le pouvoir de l'imagination sera accueillie avec scepticisme par les critiques et ne trouve plus bas.[66] Enfin, l'idée de mettre en scène Zavattini une description minutieuse de la vie quotidienne atteint son plus haut point culminant avec le film Umberto D. (1953). L'histoire d'un individu une opération visant le drame du produit de la vie par l'accumulation de détails cette direction mène au sommet de la puissance expressive. Partisan d'un débat politique animé (est connu à une critique sévère du alors secrétaire Giulio Andreotti), Le film est une méditation sobre sur la rugosité de la vieillesse, acclamé comme étant l'un des points d'arrivée autour du cinéma néoréaliste.[67]

Cinéma italien
Massimo Girotti et Clara Calamai en obsession (1943) de Visconti Luchino

Parmi les administrateurs de cette période, Visconti Luchino est la plus complexe, que partiellement par les modules de néoréalisme. Ses débuts ouvre la voie à la découverte de la réalité obsession (1943), film authentique partage des eaux qui montre déjà l'ascendance littéraire de son film, l'intérêt pour le mélodrame et le milieu rural. En pliant les raisons pour lesquelles le réalisme américain noir aux modules (en particulier à la française), ce drame psychologique tragique est tout à fait anormal dans le contexte du cinéma fasciste et sera un point de référence pour de nombreux cinéastes suivants[68]. Après avoir participé dans le film collectif Jours de gloire (1945) et une activité théâtrale importante, Visconti a atteint un des sommets de sa filmographie avec La terre tremble (1949). Joué par des acteurs amateurs et parlé en dialecte, le film est la somme de toutes les influences artistiques et culturelles du directeur. Figure unique, intellectuel aristocratique et communiste, le cinéaste milanais regarde l'histoire d'une communauté de pêche par l'interprétation explicitement marxiste de la lutte des classes. D'un point de vue esthétique, l'appareil complexe figurative rend fonctionnelle au drame chaque élément de la mise en scène, avec des séquences construites selon des rapports précis en matière plastique, la couleur, le son et la musique[69]. Le travail est un échec du public et Visconti se replie sur des projets moins ambitieux. la prochaine beau (1951) retourne à la musique contemporaine avec une description détaillée du monde du cinéma et de la fascination pour le peuple, mais il ne donne pas la construction narrative de fiction ou de la complexité figurative.

Cinéma italien
Silvana Mangano en riz amer (1949) de Giuseppe De Santis

Vous désirez étendre les limites du néo-réalisme est certainement Giuseppe De Santis. Après une longue critique d'apprentissage pour le magazine cinéma, Il a fait ses débuts en 1946 avec Chasse tragique, qui montre déjà sa préférence pour la narration chorale, la complexité de la mise en scène et la epicizzante tendance. Plus d'une douzaine de films, De Santis tentera d'adapter les formes néo-réalistes au cinéma populaire contemporain, ainsi que le réalisme socialiste soviétique au salon Hollywood. L'ambition est mieux exprimée en riz amer (1949), grand succès international, qui combine l'aspiration sociale et la culture populaire. en Pas de paix entre les oliviers (1950) sont résumées toutes les questions les plus chers pour lui: la centralité du personnage féminin, l'environnement agricole et la description précise des sociaux[70]. Rome 11 heures (1952) abandonne le milieu rural pour décrire le processus d'urbanisation et les contradictions de la reprise économique. Les quelques derniers films, notamment: Un mari pour Anna (1953), Jours d'amour (1954) Les hommes et les loups (1956) et La route une année longue (1958), ils seront accueillis froidement par la critique, comme pour signifier l'épuisement créatif du néo-réalisme et de la difficulté de représenter une société plus complexe[71].

Jusqu'au milieu des années cinquante de nombreux films de curriculum vitae, des formes plus ou moins conscients, des thèmes et des paramètres de néoréalisme. immédiatement après-guerre, Aldo Vergano dirige la commission de 'ANPI Le soleil se lève aussi (1946), qui mêle avec succès dimension et cadre historique épique. en ville de Rome gratuit (La nuit porte conseil) (1948) Marcello Pagliero contamine le réalisme avec des tendances différentes de la matrice comique, dans lequel Augusto Genina Il dirige le film avec vraisemblance Ciel sur les marais (1949). Pour sa part, Mario Bonnard tout La ville de malheur (1949) raconte l'exode availing istrienne des séquences documentaires. Alberto Lattuada, influencé par noir américain, combine les besoins de réalisme et spectaculaires avec le bandit (1946) et sans pitié (1948); suivre l'ambitieux et personnel Le moulin du Pô (1949) et le manteau (1952), tous deux d'origine littéraire.

le jeune Pietro Germi se tourne vers les modules de films américains le témoin (1945) et Une jeunesse perdue (1947); avec des œuvres Au nom de la loi (1949), Chemin de l'espoir (1950) et le chemin de fer (1956) confirme la solidité de son directeur[72] aussi Mario Soldati Il met sa vocation littéraire au service du réalisme Les misères de M. Travet (1946), ainsi que Francesco De Robertis dans puissant et visuel Les fantômes de la mer (1948). Pendant ce temps, Citto Maselli Il a fait ses débuts dans le film les fuyards (1955), tandis que Luigi Zampa Il réalise ses films les plus connus avec la collaboration de Vitaliano Brancati, dans sa trilogie années difficiles (1948), années facile (1953) et L'art de la débrouille (1954).

Au milieu de la décennie, la tendance néoréaliste peut dire être épuisé. Parmi les causes, on peut citer l'augmentation de la production (avec l'émergence simultanée des genres plus codifiées), le refroidissement idéologique imposé par le gouvernement à l'appui du changement à l'industrie, l'évolution des plus grands réalisateurs et la difficulté de représenter une société en constante évolution. Pour marquer la fin de cette expérience fournir les films de Roberto Rossellini du début des années cinquante, l'épuisement de la tendance réaliste de Vittorio De Sica (avec l'échec de la production et critique la gare Termini, 1953) et en particulier le débat qui a suivi sur sens (1954) réalisé par Luchino Visconti, qui dépasse le réalisme contemporain dans la direction de la fresque Risorgimento historique (re-lire Gramsci) Et l'intérêt pour la complexité psychologique[73].

rose néoréalisme et d'autres comédies

Une certaine attention sociale, réduite à une simple toile de fond pour la comédie, survivra jusqu'à la fin des années cinquante dans une tendance de marque par la critique comme « néoréalisme rose » dont les films sucré et légèrement optimistes, ils conduiront le public à travers les décombres de après la guerre. L'un des premiers cinéastes à suivre cette direction est la ligure Renato Castellani, ce qui contribue à mettre en vogue la comédie réaliste Sous le soleil de Rome (1948) et Il est le printemps (1949), à la fois tourné sur place avec des acteurs non professionnels, et en particulier avec le succès du public et des critiques de Grain de sel de l'espoir (1952).

Dans le prochain film (Grand Prix du Festival à Cannes), l'œil du metteur en scène devient témoin d'un Sud rural et bucolique, absorbé par les préoccupations pratiques et émotionnels les plus élémentaires. Son style, habile à combiner la comédie populaire et des raisons réalistes, viennent influencer les directeurs comme Luigi Comencini et Dino Risi en cri de productions Pain, amour et fantaisie (1953) et Pauvre mais belle (1956); fonctionne, à la fois en parfaite harmonie avec l'évolution de la coutume italienne.[74] La ruée au box-office avait restent presque inchangées les deux films suite Pain, Amour et Jalousie (1954) Volet, amore e ... (1955) et Bien mais pauvres (1957), également réalisé par Luigi Comencini et Dino Risi. De même, des histoires de la vie quotidienne dit avec une douce ironie (sans perdre la vue du tissu social) se trouvent dans le travail de Milan Luciano Emmer, dont les films (Dimanche en Août, 1950 Les filles de la Place d'Espagne, 1952 Troisième école de haut, 1953) sont les exemples les plus connus.

Cinéma italien
Gina Lollobrigida en Pain, amour et fantaisie (1953), de Luigi Comencini

D'autres comédies de calibre (et national incontestable sans rapport avec le réalisme rose) sont les suivants: M. Angelina (1947), de Luigi Zampa, Comment puis-je perdu la guerre (1947), de Carlo Borghesio - animé par un surréaliste Erminio Macario - et Le veuf joyeux (1949), de Mario Mattoli, où Carlo Dapporto revisite le monde de l'affection Tabarin. A noter est le film populaire Cops and Robbers (1951), dirigé par deux mains Steno et Monicelli Il utilise les caractérisations dans le tour de Antonio De Curtis et Aldo Fabrizi.

De valeur égale sont: première communion (1950), de Alessandro Blasetti, pressé Anselmo (1950), de Gianni Franciolini, La famille Passaguai (1951), de Aldo Fabrizi, Les yeux vides (1953), de Antonio Pietrangeli et Un héros de notre temps (1955), le directeur Mario Monicelli. D'autres croquis sont heureux preboom Italie: Messieurs, chariot! (1951), de Luigi Zampa, Garde, garde d'élite, sergent et sergent (1956), de Mauro Bolognini et Oh! Sabella (1957), de Dino Risi, tous les théâtralité de dall'ilare embelli Peppino De Filippo.

Au milieu des années cinquante Vittorio De Sica délaisse les sujets dramatiques pour réaliser le vital et anti-folk L'or de Naples (1954), suivie par la farce de costume la plage (1954), dirigé par Alberto Lattuada. Encore une fois en 1954 Camillo Mastrocinque réalisé en technicolor Café Chantant, précieux document historique sur le monde de variété, dont l'héritage sera recueilli pas rare de la suite comédie italienne.[75] Sur le même registre sont insérés un certain auteur de preuves Eduardo de Filippo comment Naples millionnaire (1950), Filumena Marturano (1951) et Napolitains à Milan (1953), où l'échange continu intention harmoniques réalistes et tragi-comiques.

Cinéma italien
fernandel et Gino Cervi dans le film Don Camillo (1952), de Julien Duvivier

Les mêmes années est la production italo-française Don Camillo (1952), De Julien Duvivier, remake du roman Small World (Don Camillo) de Giovanni Guareschi, qui se dissout légèrement les deux faces puis politiques de l'Italie, pour arriver à un message de reconstruction nationale complète. Les gains de film, dès le début, un large consensus, favorisé par la bande dessinée particulière vis fernandel et Gino Cervi.[76] Toujours à retenir est farce douce-amère Polycarpe, l'écriture officielle (1959), dirigé par Mario Soldati et soutenu par la comédie lunaire et mesurée Renato Rascel. La réalisation est inspirée des premiers dessins humoriste du XXe siècle Gandolin et il arrive à la douzième Festival de Cannes le prix de la meilleure comédie.[77]

En outre, une partie de la gamme de la série épisodique, se développe à la fin de la décennie, la mode des films de bain, tiré afin de faire connaître quelques-unes des plus importantes destinations touristiques italiennes. Parmi les meilleurs résultats ones - qui dispose d'une grande participation des visages familiers du cinéma et de théâtre - sont mises en évidence: Vacances à Ischia (1957), de Mario Camerini, Aventure à Capri (1958), par Giuseppe et Lipartiti Types de plage (1959), de Mario Mattoli.

La somme de ces films de contextes ouvrira la voie à une nouvelle race d'actrices, qui bientôt incarner une femme vedettariat renouvelé. Parmi les nombreux suivants: Silvana Mangano, Gina Lollobrigida, Silvana Pampanini, Giovanna Ralli, Marisa Allasio, Lucia Bosè, Rossi Drago Eleonora, Elsa Martinelli et Anna Maria Ferrero. Suivi par: Virna Lisi, Lisa Gastoni, Rosanna Schiaffino, Lea Massari, Antonella Lualdi, Ilaria Occhini, Sandra Milo et bien sûr Sophia Loren. En même temps, hors du circuit en étoile, commencera la carrière des artistes tels que la qualité Luisa Della Noce, Carla Gravina, Adriana Asti, Lea Padovani et Giulietta Masina. Les années cinquante sont enfin le terrain fertile sur lequel germent un foyer absolu d'artistes tels que Alberto Sordi, Vittorio Gassman, Marcello Mastroianni, Ugo Tognazzi et Nino Manfredi, que grâce à leur polyvalence, deviennent, à cheval sur trois générations, les acteurs les plus représentatifs de l'ensemble du cinéma italien.

Le cinéma d'art des années cinquante, soixante et soixante-dix

Cinéma italien
Dans l'image du directeur Michelangelo Antonioni

A partir du milieu la cinquantaine Le cinéma italien est libéré néoréalisme abordant des sujets purement existentielles, des films de différents points de vue et les styles, souvent plus introspectif que descriptive. Ainsi, nous assistons à une nouvelle floraison de cinéastes qui contribue de manière fondamentale au développement du cinéma. L'artiste de Ferrara Michelangelo Antonioni est le premier à se mettre en place, de devenir un auteur de référence pour tout le cinéma contemporain.[78] Une telle accusation nouveauté est évident dès le départ. En fait, le premier travail du directeur, Histoire d'un amour (1950), elle marque une rupture indélébile avec le monde néoréalisme et la naissance ultérieure d'un cinéma moderne.[78]

Cinéma italien
Monica Vitti et Alain Delon dans le film l'éclipse (1962), De Michelangelo Antonioni

Abandonnant les « partis populistes » indiqué par le réalisme, Antonioni enquête critique sur le monde de la bourgeoisie italienne, est resté hors film cible depuis la guerre. Ce faisant, ils voient la lumière des travaux de recherche psychologique les perdants (1952), La Dame sans camélias (1953) et ses amis (1955), une adaptation libre de l'histoire Chez les femmes seulement de Cesare Pavese. En 1957, il met en scène le prolétaire inhabituel drame le cri, qui suit, en Locarno, Grand prix des critiques.

Dans les années entre 1960 et 1962, Il dirige la trilogie influente « incapacité », composée d'un film l'aventure, la nuit et l'éclipse. Dans de tels films (qu'ils considèrent comme un jeune protagoniste Monica Vitti) Adresse directement Antonioni l'incapacité moderne aux questions de 'aliénation et malaise existentiel, où les relations interpersonnelles sont délibérément décrites de façon obscure et insaisissable. Le directeur est donc en mesure de renouveler le théâtre et le cinéma pour créer une forte perte de public et des critiques, qui ont accueilli ces travaux avec des critères et des attitudes contradictoires.[78]

Au milieu des années soixante, il se consacre à l'attention internationale avec ce qui suit Le désert rouge (1964) - Lion d'or pour le meilleur film un festival de Venise - et Coup de vent (1966), vainqueur de l'année suivante Palme d'Or un Festival de Cannes. Le film, écrit avec Tonino Guerra, Il est une profonde réflexion sur la relation art-vie et l'impossibilité du cinéma de représenter la réalité, symboliquement résumée dans la dernière séquence, où des acrobates miment à plusieurs reprises un match de tennis.[79] Dans les années à venir, ils obtiennent une visibilité au-delà des frontières nationales Zabriskie point (1970) et le passager (1974), ce dernier mettant en vedette l'acteur américain Jack Nicholson. Le film (rendu célèbre par virtuose séquence d'étage les sept dernières minutes), il utilise plusieurs jeux allant des déserts africains au surréel Barcelone Gaudi, photographié dans un endroit ensoleillé et vitreux[78] Vingt ans plus tard, en 1995, l'Académie recevra le 'Oscar d'honneur pour sa carrière.

Cinéma italien
Federico Fellini

Une autre figure centrale dans le développement du cinéma est le cinéaste Federico Fellini, plus que tout autre auteur qui a capturé tous les aspects du réel et de l'irréel dans une dimension poétique et fables. Au cours des années quarante, il a fait ses débuts comme auteur comique dans le magazine Marc-Aurèle et il contribue à l'important script films néo-réalistes. En 1950, son premier film métrage avec Alberto Lattuada dans le film Lumières variété, hommage affectueux et sincère au monde en déclin de magazine.

Cinéma italien
La fameuse scène du bain dans la fontaine de Trevi, dans le film La vie douce (1960), De Federico Fellini

Avec des films tels que la route (1954) et Nuits de Cabiria (1957) - deux mettant en vedette sa femme Giulietta Masina - en plus de la précédente The White Sheik (1952) et les taureaux (1953), il se distingue comme l'un des plus grands monuments du cinéma italien. Son style très imaginatif est renforcée par la rencontre heureuse avec les écrivains Ennio Flaiano et Tullio Pinelli et, en particulier, avec le compositeur Nino Rota, dont bandes sonores Ils entreront dans l'imaginaire collectif.[80]

Quelques scènes de ses films les plus célèbres assurgeranno un symbole de toute une époque, comme la célèbre séquence Anita Ekberg que La vie douce (1960), entrez le Fontaine de Trevi devenir, depuis lors, une icône du cinéma international. Lors de sa sortie le travail généré la controverse qu'ils voient prendre le champ de la revue catholique 'Osservatore Romano, qui dénigre le film comme amoral et impur.[81] Le travail est, en fait, une fresque politique de Rome frivole et décadent, absolument libre de toute certitude morale. Il fait suite à un voyage composite dans le sommeil de la raison où les valeurs négatives de la société bourgeoise émergent dans un cadre authentique et viscérale.[81]

au cours de la sixties Romagne, l'artiste a commencé une période d'expérimentation avec des monuments, un visionnaire (1963), Qu'il considère comme le premier acteur 'alter ego Marcello Mastroianni. Le film est l'autobiographie fictive du même réalisateur qui avec une apparente absence d'esprit, touche les thèmes centraux tels que l'art, la persistance de la mémoire et la mort.[80] Les années soixante-dix sont ouverts avec lugubres et nostalgique les clowns (1970), où l'auteur a la possibilité de mettre en valeur le monde délirant du cirque, suivi d'un nouvel hommage à la capitale dans le film Rome (1972), documentaire flamboyant et vif, constamment suspendu entre élans lyriques et la satire impitoyable. Avec la cohésion Amarcord (1974) décrit leurs lieux d'enfance avec nostalgie et complicité, contraste avec la médiocrité du fascisme vitalité spontanée de l'adolescence.[82]

Cinéma italien
Vittorio De Sica
Cinéma italien
Visconti Luchino

travaux ultérieurs que Casanova de Fellini (1976), Ville de femmes (1980), Et les voiles des navires (1983), Ginger et Fred (1985), interview (1987) La Voix de la Lune (1990), Fellini consacré comme l'un des plus grands artistes de l'appareil de la prise XX siècle. Déjà honoré par quatre prix Oscar du meilleur film étranger, Il a été attribué en 1993 l 'Oscar d'honneur.

le même Visconti Luchino continuera à donner le film italien d'autres créations prestigieuses. En 1960, il a été libéré dans les théâtres Rocco et ses frères, écrit par beaucoup de mains avec le scénariste Cecchi D'Amico Suso et lire et écrire Vasco Pratolini. Le travail, inspiré par les histoires contenues dans Le pont Ghisolfa, de Giovanni Testori, Il compare une histoire de la pauvreté du Sud avec la civilisation industrielle du Nord, décrivant l'afflux migratoire des personnes dans le Sud avec perspicacité psychologique brillante.[83]

En 1963, il arrive sur les écrans le Leopard, dont il suit la même année la Palme d'or à Festival de Cannes. Le film est une illustration fidèle du passage de la Sicile Bourbons à celle de la Savoie, pas de tricherie - par intellectuel de gauche - l'esprit sceptique et amer du roman. A noté la séquence finale de la danse entre Burt Lancaster et Claudia Cardinale, par quoi Nino Rota Il a organisé une valse inhabituelle Giuseppe Verdi[84]. Sa vaste production se poursuit avec les travaux The Damned (1969), Mort à Venise (1971), Ludwig (1973) groupe familial dans un interne (1974). Avec le film Delights mille, tous joué sur le magnétisme sensuel Claudia Cardinale, Il reçoit en 1965 Lion d'or un Festival du Film de Venise.[85] En tant qu'étudiant de Visconti souligne le directeur de Florence Franco Zeffirelli, auteur, depuis plusieurs décennies, une production scénique fructueuse. Parmi ses films les plus connus, il y a les transpositions Shakespeare de La Mégère apprivoisée (1967) et Roméo et Juliette (1968), Qui obtient une nomination aux Oscars du meilleur réalisateur; étape a de nouveau atteint avec La traviata, distribué en 1982.

Roberto Rossellini abandonné la saison néoréaliste pour réaliser le drame psychologique Voyage en Italie (1953), qui prévoit les thèmes sull'incomunicabilità couple décrits par les films de Antonioni. Frappé en baisse presque partout, il ne fera que salué par la critique française, devenant une référence pour les futurs directeurs de Nouvelle vague.[86] À la suite de différents films comme Où est la liberté? (1954) Inde (1959) et Général Della Rovere (1959) - Lion d'or au Festival du Film de Venise - ouvrira une nouvelle phase de sa carrière en expérimentant avec des films encyclopédiques pour le cinéma et la télévision, des sciences humaines pures et des fins éducatives. Au début des années soixante Vittorio De Sica conduira au succès mondial de l'interprète Sophia Loren dans le dramatique deux femmes (1960) et également dans les épisodes de la comédie Hier, aujourd'hui, demain (1963), où l'actrice joue aux côtés de Marcello Mastroianni. Le film vaudra un nouveau directeur oscar Meilleur film en langue étrangère section. La séquence la plus célèbre du film reste la nuisette avec laquelle Loren est montré dans le dernier épisode, laissant sa marque dans l'ensemble de l'imaginaire collectif.[87] Avec le spectaculaire et élégant Le Jardin des Finzi-Contini (1970), l'artiste gagnera en 1971 l 'Ours d'or un festival de Berlin et l'année suivante l'Oscar Meilleur film étranger.[88]

Cinéma italien
Vittorio De Seta
Cinéma italien
Sophia Loren dans le film deux femmes (1960), De Vittorio De Sica. L'interprétation vaudra, en 1962, l 'Oscar à la meilleure actrice

Pour souligner la carrière unique de Palerme Vittorio De Seta que dans les années cinquante diverses réalise documentaires mettre principalement dans la terre sicilienne et la Sardaigne. Ces travaux décrivent avec expressivité puissante des coutumes et traditions du prolétariat du Sud et en même temps, mettre à nu les conditions de vie difficiles des pêcheurs siciliens, les mineurs de soufre nisseni et de bergers barbagia. En 1955, le réalisateur a remporté le Palme d'Or à Cannes pour le meilleur documentaire dans le film Fire Island.[89] Des années plus tard, il a dirigé le long métrage Bandits à Orgosolo (1961). Le travail, sec stylistiquement, est un compte d'un contexte réaliste de la vie et les habitudes d'un berger sarde qui vaudra au directeur le prix premier film un Festival du Film de Venise.[90] Dans les années soixante-dix tours de la palpitante Journal d'un enseignant (1972); un drame de télévision en quatre épisodes (réduite à 135 minutes à la sortie en salles) qui enquête sur le monde de l'enseignement primaire avec la méthode antiautoritaire et réformateur.

Ses autres documentaires (et même avant De Seta), le directeur Domenico Paolella - auteur prolifique de nombreux genres de films - conquête en 1951 Palme d'Or un Festival de Cannes, pour le film documentaire La tragédie de l'Etna. De même, il reçoit l'attention auteur étranger et écrivain Folco Quilici pour ses documentaires Le dernier paradis (1956) et De Apennins aux Andes (1960).

Dans un temps contemporain, explique le directeur Carlo Lizzani. Elle contribue à la réussite de néoréalisme en robe critique et scénariste, remportant alors que l'auteur d'un cinéma engagé sur le plan politique, visant à faire face aux moments brûlants de l'histoire italienne, du fascisme aux dernières nouvelles.[91] En 1951, il réalise son premier long métrage, Achtung, bandits! - histoire d'un épisode de la guerre partisane - qui est suivi L'amour que vous payez (Episode L'amour dans la ville, 1953). Sa filmographie est poursuivie avec Chronique des pauvres amants (1954) - le rapport de Florence twenties roman Vasco Pratolini - le bossu (1960) - portrait vivant d'une banlieue de bandit de Rome - Le processus de Vérone (1963) et La vie amère (1964). Après avoir dirigé le réaliste Une promenade dans les nuages (1942) et d'avoir partagé entre les pièces historiques et films, Alessandro Blasetti Il alignera son désir inné d'expérience en ouvrant avec le dyptique D'autres fois (Zibaldone n. 1) (1952) et Notre temps (Zibaldone n. 2) (1954), la réalité de vos films, qui seront exploitées de manière généralisée dans le film à venir, aussi bien que authorial bouffonne.

Un autre protagoniste du cinéma d'art est certainement Pier Paolo Pasolini. Figure iconoclaste films et de la littérature italienne, dans la variété de son travail a souvent opposé les costumes et la moral le temps, et a été l'un des plus grands intellectuels à l'arrière XX siècle. Un observateur attentif de la transformation de la société italienne de Après la deuxième guerre mondiale jusqu'au milieu soixante-dix, Il a suscité de vives controverses pour le radicalisme et la vivacité de sa pensée; vivacité qui a été en mesure de faire ressortir même dans le domaine du cinéma et maintenant vu dans son premier film clochard (1961). Loin de l'expérience néoréaliste, Pasolini - avec des mouvements de caméra secs et fonctionnels - révèle la matrice sacrée et l'inspiration populiste, décrivant l'humanité Underclass authentique et tragique.[92] Vous trouverez les mêmes paramètres dans le Mamma Roma (1962), où le directeur ennoblit son caractère de banlieue avec des références à la peinture Renaissance Mantegna.[93]

Cinéma italien
Anna Magnani dans le film Mamma Roma (1962), Mise en scène Pier Paolo Pasolini

Dans la zone contiguë L'Evangile selon Matthieu (1964), l'artiste raconte la vie de Christ renoncer aux signes extérieurs de l'iconographie traditionnelle, en utilisant une forme dirigeant qui alterne des caméras de poche à leurs propres images de la peinture du XVe siècle.[93] en Hawks et les moineaux (1966) son film fantastique bifurque sull'apologo décrivant les différentes transformations du prolétariat avec une liberté d'écriture qui mêle le documentaire à la fiction, pour trouver si corrosif aussi intelligent.[94] Parmi ses différents films que nous incluons: enquêtes de amour Comizi (1964), un premier exemple de cinéma-vérité, Œdipe roi (1967), théorème (1968), porcherie (1969), Médée (1969) et adaptations de films trilogie de la vie : le Decameron (1971), Les Contes de Canterbury (Ours d'or un festival de Berlin en 1972) et La Fleur des Mille et Une Nuits (1974).

Au bout du compte, il met en évidence le refroidissement Salò ou les 120 journées de Sodome (1975), où derrière le cadre historique fascisme Il sonde l'auteur, avec rigueur géométrique, les coins les plus reculés de l'être humain. Ces films ont proposé des interprétations différentes, suscitant des débats souvent longs, parfois avec des conséquences juridiques et des épisodes de censure.[95] Pour caractériser encore plus le travail de l'artiste (en laissant les cadeaux de preuve Anna Magnani, Silvana Mangano et Antonio De Curtis) Ont alors contribué toute une gamme d'acteurs fétiche parmi lesquels comprennent: Ninetto Davoli, Franco Citti et Laura Betti.

Cinéma italien
Claudia Cardinale dans le film Fille à la valise (1961), de Valerio Zurlini

Dans la foulée du canton film de Pasolini, il correspond au travail Gian Vittorio Baldi, que dans les films Luciano, une vie brûlée (1962) et Feu! (1968) dépeint des fragments d'un mineur Italie et périphérique, suspendu entre passé et modernité; tout le film avec une précision sociologique et cohérente contrôle expressif.[96] il enregistre toujours au début des années soixante les œuvres de Damiano Damiani pour Île de Arturo (1962) et la réunion (1963), de Ugo Gregoretti, pour le film-enquête Les nouveaux anges (1961) et ceux de Ansano Giannarelli, auteur depuis plusieurs décennies à plusieurs biographies consacrées aux éminents mathématiciens, des scientifiques et des membres influents du parti. Avec son premier film, 16 octobre 1943 (1960), adapté du roman par Giacomo Debenedetti, est de courts métrages en nomination aux Oscars dans la section correspondante.

Un autre directeur de premier plan Valerio Zurlini: Ses films, de violent été (1959) à Fille à la valise (1961), par Chronique familiale (1962) à Le Tartares (1976), commémorations littéraires impressionnantes alternatives à l'analyse sophistiquée et complexe psychologique, avec des résultats visuels tout à fait remarquables.[97] Très bien sur le plan formel est le cinéma Mauro Bolognini que, bien que la souffrance parfois de l'excès et de la décadence de afféterie, il a une richesse scénique et littéraire de dérivation claire Visconti, sans parler de la dialectique des conflits sociaux.[98] Parmi les films les plus importants: maris jeunes (1958), D'un balcon romain (1960), le bell'Antonio (1960), le viaccia (1961), Agostino (1962) et Metellus (1970).

D'autres auteurs du cinéma italien

Bien qu'il soit d'usage de limiter les décennies années cinquante, soixante et soixante-dix l'âge d'or de cinéma d'auteur, beaucoup d'autres administrateurs ont gagné la reconnaissance des auteurs pour les décennies à venir. Ce grand groupe de cinéastes, cultiver différents styles et thèmes, a pu, aussi, de recueillir le consensus et le prestige international.

Ermanno Olmi Il a fait ses débuts avec le film Le temps est arrêté (1958), parabole passionnante sur la relation entre l'homme et la nature qui émerge immédiatement ses compétences artistiques spéciales. La notoriété viendra trois ans plus tard le lieu (1961), un portrait doux-amer du boom économique Milan. En 1963, il devient existentiel petits amis et après quelques interlocuteurs travaux sombre et triste le fait (1974). Les années soixante-dix Olmi au niveau international avec consacreront la sortie en salles de L'Arbre aux sabots (1978), propose et hommage sympathique à un monde de pays en voie de disparition, décerné la même année, avec Palme d'Or un Festival de Cannes. Éradiquées une longue maladie, Olmi retourne les nouvelles avec surréaliste Vive la dame! (1987) et intense La légende du Saint Buveur (1988) récompensé par Lion d'or au festival de Venise. En 2001, le directeur se rend compte que beaucoup de critiques considèrent son meilleur travail: La profession des armes, dédié au mythe de Giovanni delle Bande Nere. Le film a été un grand succès surprise, remportant en 2002 et neuf David di Donatello.[99] Un intérêt renouvelé critique accompagne la sortie des films suivants Chantant derrière les paravents (2003), Centochiodi (2007), Le carton Village (2011) Ils retourneront les prairies (2014). En 2008, il a reçu le prestigieux Venise Lion d'or pour la vie, précédé en 2004 par le Léopard d'honneur un Locarno Film Festival.

Cinéma italien
le directeur Marco Ferreri

Marco Ferreri Elle met en prise dans la direction vers la fin des années cinquante présentant un cinéma grotesque et provocateur, avec des traits partiellement et accents bunueliani.[100] Son humour noir et mordant est déjà détectable dans les travaux El pisito (1958) et le fauteuil roulant (1960), filmé et mis dans le sol espagnol. Des années plus tard il a dirigé l'acteur Ugo Tognazzi dans les films Une histoire moderne: la reine des abeilles (1963) et La femme de singe (1964), où il a pu être connu par les critiques italiens. En 1969, il a atteint sa maturité artistique complète avec Dillinger est mort, fable stupéfié et très moderne au sujet de l'aliénation de la vie moderne. Une fois le chemin kafkaïenne et surréaliste de l'audience (1971) ont obtenu la popularité internationale la plus élevée avec l'incroyable et discuté La Grande Bouffe (1973). Ecrit par le réalisateur, Rafael Azcona, le film est une allégorie de la société de bien-être voué à l'autodestruction et, en même temps, un essai clair sur les différents entrecroisement Éros et thanatos, Films avec ironie froid.[101].

, Il relit ensuite le sex-ratio dans le nihilistes La dernière femme (1976) et visionnaire bonjour mâle (1978), lauréat du Prix du Jury Festival de Cannes. Ils diffèrent dans les années à venir Histoires de la folie ordinaire (1981) et L'histoire de Piera (1983), construit sur la vie romancée de l'actrice Piera Degli Esposti. Le directeur milanais retournera à la notoriété en 1991 avec la direction du long métrage La Chambre des sourires qui va gagner le 'Ours d'or un festival de Berlin. Parmi ses œuvres récentes comprennent Journal d'un défaut (1993) nitrate d'argent, sorti en salles en 1996.

Cinéma italien
Lou Castel et Paola Pitagora dans le film Poings dans les poches (1965), de Marco Bellocchio

Aussi dans les années soixante est venu à l'attention du public et des critiques du travail des jeunes Marco Bellocchio que grâce ouvertement contrairement aux films avec des valeurs de la société et le ferment bourgeois anticipe des générations soixante-huit. Son premier film Poings dans les poches (1965), en raison de son contenu très dramatique, secoue l'ouverture publique la voie à une série prolifique de films parmi lesquels comprennent: La Chine Près (1967), Au nom du père (1972), Gifler le monstre en première page (1973), Mars triomphale (1976) et le documentaire Déliée - Aucun ou tout (1975) - réalisé par Silvano Agosti - l'un des premiers exemples de cinéma militant pour la défense de la méthode psychiatrique Franco Basaglia, visant à la réinsertion sociale du patient.[102]

Depuis les années quatre-vingt Bellocchio a établi une collaboration avec le psychiatre Massimo Fagioli (auteur de nombreux scripts) à la reprise dans les deux mille ans avec de nombreux films qui ont cimenté le prestige de l'auteur. Parmi ceux-ci sont mentionnés: La religion Heure (2002) Buongiorno, notte (2003), Le directeur de mariage (2006), gagnant (2009), Sleeping Beauty (2012) - vaguement basé sur les derniers jours de la vie des jeunes Eluana Englaro - Le sang de mon sang (2015) et Faire de beaux rêves (2016). En 2011, il reçoit à Venise Lion d'or pour la vie, suivi en 2015 par Léopard d'honneur un Locarno Film Festival.

Cinéma italien
Sur la photo Bernardo Bertolucci

Bernardo Bertolucci Il se rapproche au cinéma grâce à Pier Paolo Pasolini qui sera assistant sur l'ensemble des clochard. Bientôt, il se détache du monde de Pasolini à poursuivre une vision personnelle du cinéma, basée sur une étude anthropologique de l'individu et sa relation avec les changements sociaux que l'histoire impose.[103]

Cinéma italien
Stefania Sandrelli tout le conformiste (1970) de Bernardo Bertolucci.

Il a commencé très jeune dans le long métrage Le Reaper Grim (1962), et suscite l'attention avec Avant la Révolution (1964). Au début des années soixante-dix obtenus en succession rapide trois pierres angulaires de ses films: le conformiste (1970), adapté du roman Moravie, métaphysique La Stratégie de l'araignée (1970) et le scandale du film Dernier Tango à Paris (1972), avec Marlon Brando et Maria Schneider. Le film, en raison de son contenu érotique, est saisi, acquitté, saisi à nouveau et condamné à la destruction de l'obscénité par la Cour suprême 29 Janvier 1976 (avec perte droits civiques pendant cinq ans par le même réalisateur). Le 9 Février 1987, le film est réactivée par un jugement de « pas obscène » comme « la modestie a changé le bon sens. »[104]

Consolidez renommée internationale blockbuster XXe siècle (1976), d'une durée plus de cinq heures et qui a comme acteurs principaux Robert De Niro et Gérard Depardieu. Le film est une fresque puissante sur les luttes de la classe paysanne du XXe siècle jusqu'à l'aube Guerre mondiale, où les charges de l'auteur des images avec la lumière et la couleur de sa certaine « peinture rurale », retrouver dans les tableaux de Miller, Vincent van Gogh et Pellizza Volpedo.[105] Après avoir réalisé une efficacité Ugo Tognazzi dans le film La tragédie d'un homme ridicule (1981), en 1987, il a dirigé le gigantesque et impressionnant Le dernier empereur, vous gagnez neuf Oscar Awards, y compris ceux du meilleur film et du meilleur réalisateur. Dans les années suivantes se poursuit Bertolucci sur la route du marché international blockbuster Le Sheltering Sky (1990) et Little Buddha (1993), mis en Népal et États-Unis. La seconde moitié des années nonante et les premières années du nouveau millénaire voir Bertolucci Veer vers un film plus intime avec Beauté Volée (1996), le siège (1998) Les Innocents - Les Innocents (2003). Confiné à un fauteuil roulant en raison de problèmes de santé, après près de dix ans, il est de retour derrière la caméra pour diriger la délicate Toi et moi, sorti en salles à l'automne 2012. Après Léopard d'honneur Locarno (1997), de consacrer sa longue carrière à venir en 2007 et 2010 leur Lion d'or pour la vie et Palma d'honneur Festival de Cannes.

Cinéma italien
Une scène de Padre Padrone (1977), De Paolo et Vittorio Taviani

les frères Paolo et Vittorio Taviani, les fans très jeune âge au cinéma, ils savent d'abord un certain succès avec Un homme de combustion (1962) - réalisé par Valentino Orsini - et les subversifs (1967), qu'il considère comme étant le premier compositeur d'interprète Lucio Dalla, suivie Sous le signe du Scorpion (1969) et le film sur la restauration Allonsanfan (1974). Ce qui suit Padre Padrone (1977), adapté du roman par Gavino Ledda, Il raconte la lutte d'un berger sarde contre les règles féroces de son univers patriarcal. Le film reçoit des critiques élogieuses, remportant la même année Palme d'Or un Festival de Cannes. Ne la pelouse (1979) Sont récupérés échos néoréalistes, alors que La Nuit de San Lorenzo (1982) Says, avec un style proche de réalisme magique, échapper à la dissémination volontaire d'un groupe d'habitants de la Toscane, dans la nuit où les Allemands et les fascistes accompli représailles sanglantes dans la cathédrale de la ville. La scène de la bataille dans le champ de blé (qui a eu lieu entre Salò et les partisans fascistes), est l'aboutissement d'un film qui reçoit acclamé, remportant le grand Prix ​​Spécial du Jury un Festival de Cannes. En 2012, ils ont remporté le 'Ours d'or un festival de Berlin avec le film César doit mourir, à qui suit l'adaptation de film de la Decameron dans le film merveilleux Boccaccio (2015). En 1986, ils reçoivent Lion d'or pour la vie.

Cinéma italien
le directeur Gianni Amelio

Gianni Amelio, après de nombreuses directions de télévision pour Rai, Il a fait ses débuts au cinéma avec Coup dur pour le coeur (1982), un film sur le terrorisme qui ne passe pas inaperçu. Après l'intéressant Les garçons Panisperna (1988), le groupe légendaire des physiciens dirigé par Enrico Fermi, Il a atteint une renommée internationale avec le sec et réfléchissant portes ouvertes (1990). Dans les films qui suivent, Amelio développe des thèmes liés à la réalité sociale avec la participation douloureuse et sensibilité artistique. avec Les Enfants volés (1992) a remporté le Prix Spécial du Jury Festival de Cannes. Le travail est un « voyage en Italie » mis à jour dans le sens où le directeur Rossellini - à travers le regard silencieux et triste de ses jeunes protagonistes - décrit la misère morale des années nonante Italie, sans fermer pour nihilismes facile, ou ouvrir des rêves illusoires .[106]

Dans ce qui suit Lamerica (1994), il décrit la situation politique 'Albanie post-communiste, la recherche d'un pays dévasté comme celui de Allemagne année zéro, tout le tournage avec son style sec et objectif.[107]. Quatre ans plus tard, La façon dont nous riions (1998), probablement son travail plus difficile à comprendre pour le public, suit la Lion d'or au film de Venise. après Les clés de la maison (2004), sur la relation problématique entre un père et son fils handicapé, Amelio cherchant une histoire plus large L'étoile manquante (2006) établi entre l'Italie et la Chine. Ces dernières années, il revient à la réalisation avec la continuité lisse comme le montre les films Le premier homme (2011), l'intrépide (2013), le documentaire Heureux d'être différent (2014) et tendresse (2017).

Cinéma italien
Une image du film Anna (1975), de Alberto Grifi et Massimo Sarchielli

D'autres auteurs du cinéma italien se souviennent Liliana Cavani, qui connaît la gloire avec des œuvres François d'Assise (1966), Portier de nuit (1973), la peau (1981) et Le jeu de Ripley (2002) Mario Brenta pour le film Vermisat (1975) et Citto Maselli obtenir un Grand Prix du Jury à Venise pour le film romance (1986). Sont noté Corrado Farina, Mario Garriba, Lino Del Fra et Fabio Carpi, tous reçu le Léopard d'or à Locarno pour leurs films respectifs: Ils ont changé le visage (1971), Sur son lit de mort (1971), Antonio Gramsci - Les jours de prison (1977) et Quartetto Basileus (1982).

Au début des années soixante-dix, il est devenu profondément impliqué avec l'écrivain du film Alberto Bevilacqua, présentant souvent longs métrages issus de ses œuvres littéraires. Ses œuvres les plus connues sont: califfa (1970) et les éléments suivants Ce genre d'amour (1972). Il convient de noter, l'expérience cinématographique du comédien et metteur en théâtre Carmelo Bene, qui a fait sensation en raison de travaux débordement Notre-Dame des Turcs (1968), suivis par les films Salomé (1972) et Un Hamlet Moins (1973). Il atteint également un facteur important du film complexe religieux Pour les faveurs reçues (1971), avec et réalisé par Nino Manfredi, gagnant Palme d'Or à Cannes pour le meilleur premier film.

Parmi les films de la période, un exemple significatif de film expérimental Elle est représentée par des films Alberto Grifi Anna, réalisé avec l'acteur Massimo Sarchielli et présenté dans les grands festivals européens en 1975. Le film est une scène expérience cinématographique originale, qui intègre, dans onze heures d'images (plus tard réduit à quatre), la vie quotidienne aberrante d'un jeune toxicomane enceinte et sans-abri. Les deux auteurs, dépourvus de l'histoire et l'écriture, l'appareil photo dans une sorte de flux de conscience en temps réel, ce qui rend la pause de l'écran une tranche de vie libre du récit et de compromis esthétique Médiations.[108]

La grande saison de la comédie (1958-1980)

icône Loupe mgx2.svg Le même sujet en détail: comédie italienne.
Cinéma italien
Mario Monicelli un appareil photo
Cinéma italien
Au-dessus du film Mario Monicelli, intitulé Les suspects habituels (1958)

À la fin du ' la cinquantaine Il développe le genre de comédie italienne; une définition qui fait référence au titre d'un film de Pietro Germi: Divorce italien (1961), Avec Marcello Mastroianni et Stefania Sandrelli. Le terme, plutôt que d'indiquer un vrai général, couvre une saison de film particulier, marqué par une nouvelle façon de comprendre les éléments de la comédie. Ces éléments sont placés en contraste avec la comédie légère et désengagés rose néoréalisme, en vogue pour tous la cinquantaine.[109]

En gardant à l'esprit la leçon de néoréalisme, la nouvelle comédie italienne met son attention sur la réalité produite par le boom économique, face à des questions dramatiques avec des tons humoristiques et mordant. Par conséquent, en plus des situations comiques et des intrigues typiques de la farce traditionnelle, nous voyons émerger une satire mordante des mœurs, qui souligne avec ironie forte les contradictions de la société industrielle. De plus, pas tout à fait rares sont les comédies où la mise en scène est traduit dans différents contextes historiques, souvent avec des objectifs critiques contre l'actualité sociale.[110]

Depuis les années soixante et soixante-dix tous, l'Italie a connu de nombreuses phases vont radicalement changer la mentalité et le costume italien. La situation économique, l'agitation des étudiants et la recherche d'une nouvelle émancipation dans le monde du travail et de la famille, deviendra le lieu idéal pour projeter les personnages de la pièce, prêts à faire revivre les changements de scène de la société civile.[109]

Dans cette saison de films rapportent les noms des principaux acteurs italiens de l'époque: de Alberto Sordi à Vittorio Gassman, de Ugo Tognazzi à Nino Manfredi, de Monica Vitti à Claudia Cardinale, sans oublier Sophia Loren, Silvana Mangano, Giancarlo Giannini et Mariangela Melato, Outre ce qui précède Mastroianni et Sandrelli. D'autres artistes se rapportent à cette saison sont les suivants: Tiberio Murgia, Leopoldo Trieste, Renato Salvatori, Franco Fabrizi, Vittorio Caprioli, Gigi Proietti, Michele Placido et actrices de temps en temps Lea Massari, Ornella Muti et Piccolo Ottavia. Ils ont participé à des comédies aussi principalement des acteurs dramatiques Enrico Maria Salerno, Romolo Valli, Gabriele Ferzetti, Paolo Stoppa, Salvo Randone, Turi Ferro et Gian Maria Volonté.

Cinéma italien
Vittorio Gassman et Jean-Louis Trintignant tout dépassement (1962), De Dino Risi

En général, il croit avoir été le directeur Mario Monicelli, fondateur et l'un des plus grands exposants (avec Dino Risi, Luigi Comencini, Pietro Germi et Ettore Scola) De la comédie italienne, à entrer dans cette nouvelle phase avec la fonction Les suspects habituels (1958), écrit avec Cecchi D'Amico Suso et la paire d'écrivains Agenore Incrocci et Furio Scarpelli. Le travail, la version caricaturée du film noir Rififi (1955), de Jules Dassin, combine des idées grotesques à leurs propres séquences de tournage de drame prolétaire dans les moindres détails une Rome appareil et dégradé, encore étranger aux processus économiques boom.[111] Le film est un succès (même à l'étranger) afin d'être en nomination aux Oscars pour le meilleur film étranger.[109] Originaire de Rome (et non de Viareggio autant de biographies rapport) Monicelli entre dans le monde du cinéma tout juste vingt ans, en dirigeant avec sa collègue Alberto Mondadori son premier film intitulé Les garçons rue Paul (1935). Outre le déjà mentionné Les suspects habituels, le directeur créera une série de valeur importante des films non seulement pour la comédie mais pour l'ensemble du cinéma italien.[109]

Cinéma italien
Dino Risi et le directeur de la photographie Romolo Garroni

En 1959, il est sorti en salles La Grande Guerre (Lion d'or un Festival du Film de Venise), Avec Alberto Sordi et Vittorio Gassman. Le film, inspiré d'une histoire par Maupassant, souille tragédie historique avec des formes de comédie de profaner un sujet - l'abattage inutile Première Guerre mondiale - jusque-là tabou pour l'ensemble du cinéma national.[112] après camarades (1963) - compte pensive de la naissance du mouvement ouvrier - en 1966, le cinéaste dirige le picaresque et le folklore L'armée Brancaleone. Le film (DVDs Vittorio Gassman) Est un chef-d'œuvre d'aventures fantastiques et burlesques qui se déroulent le long d'une Moyen âge et le carnaval débridé, en désaccord avec la vision claire de l'âge opposé entremetteur donnée par le cinéma hollywoodien.[112] Plus tard, au milieu d'un conflit, ce qui porte à des écrans La jeune fille avec un pistolet (1968), réalisant l'actrice comique brillante qualité Monica Vitti.[113] Parmi ses derniers films sont présentés: Nous voulons que les colonels (1973), fiction populaire (1974), l'hilarant mes amis (1975) - blockbuster dans la saison 1975-1976 - et Une toute petite (1977); Elle opère ce dernier qui est affecté explicitement le climat répressif Années de plomb et la livraison à l'acteur Alberto Sordi un de ses personnages et les Noirs ont souffert.[114] en 1991 Il a reçu Lion d'or pour la vie.

Les années soixante ont été la période de boom économique et par conséquent le film est affectée par des changements qui modifient la société italienne. L'un des premiers artistes à documenter ces changements est le cinéaste milanais Dino Risi. Dans sa fonction la plus connue - dépassement (1962) - le composé directeur, avec une sensibilité aiguë, la comédie et la gravité du sujet, en virant de bord, d'une manière inhabituelle, dans une dramatique et le refroidissement final. Les cabotinage de Vittorio Gassman et la bande originale, avec des chansons Edoardo Vianello et Domenico Modugno, photographier cadre parfaitement période, faisant atteindre le genre de la comédie pleine maturité authorial. mentionner toujours réalisé par Dino Risi le film culte monstres (1963) - mettant en vedette Vittorio Gassman et Ugo Tognazzi - jeudi (1964) - mettant en vedette un éclectique Walter Chiari - et Une vie difficile (1961), qui met en scène un intense Alberto Sordi. Le film (scénario Rodolfo Sonego) Il est un document artistique impressionnant sur l'Italie après-guerre et à la hausse démocratie, dans un équilibre parfait entre la farce et le drame, y compris les ambitions sociologiques et désillusions politiques.[115] D'autres travaux méritent d'être mentionnées sont: le veuf (1959), le showman (1960), le parapluie (1965), Torture Me Kill Me Mais avec des baisers (1968), Au nom du peuple italien (1971) et le film Parfum de femme (1974), entièrement pris en charge par l'acteur Vittorio Gassman verve. En 2002, il a reçu le Festival du Film de Venise la Lion d'or pour la vie.

Il convient de souligner à quelle fréquence les éléments constitutifs de la comédie sont astucieusement été tissés avec des genres différents, la création d'un film décidément inclassables. En inaugurant cette technique, le cinéaste Luigi Comencini Ce fut sans aucun doute l'un des artistes les plus importants. Après avoir atteint la popularité dans les années cinquante avec quelques comédies roses (y compris tous les connus Pain, amour et fantaisie, 1953), en 1960, il donne le film le travail de guerre italienne Tout le monde à la maison. Le film, constamment en équilibre entre l'humour et le drame, reconstitue les jours qui suivent la 'Armistice de Cassibile, aider à briser le mur du silence est tombé sur résistance, sujet jusqu'alors ignoré par une grande partie du cinéma national.[115] Parmi ses œuvres les suivants: Au tournant du tigre (1961), La fille de Bube (1963) Le scopone scientifique (1972), le drame Les Aventures de Pinocchio (1972), le chat (1978) Le embouteillage (1979), qui combinent différents genres et styles. En 1987, il a gagné, à Venise, La Lion d'or pour la vie.

Cinéma italien
Vittorio Gassman, Nino Manfredi et Flores Stefano Satta dans le film Nous avions tant aimé (1974), dirigé par Ettore Scola

Une autre figure de premier plan dans le développement et l'exécution des comédie italienne Il est le directeur Pietro Germi. Ayant participé aux travaux pour effacer le contenu civil en quelque sorte lié dans les canons de néoréalisme, la dernière étape de sa carrière, il a réalisé des films insérés dans la portée de la comédie,[116] où, à côté du ton humoristique d'habitude les composants critiques survivent sur les mœurs de la classe moyenne.[117] Ce qui précède Divorce italien (Oscar du meilleur scénario original) Ouvre Germi les portes du succès qui se concrétisera avec Séduite et abandonnée (1964) et avec claire et caustique Seigneur MM (1965). Le film (satire bourgeoise sur l'hypocrisie d'une ville haute Vénétie), Wins Palme d'Or un Festival de Cannes ex aequo avec Un homme et une femme (1966), de Claude Lelouch.

Cinéma italien
Alberto Sordi dans une scène de le policier (1960) de Luigi Zampa, affiche de 'Italie les années soixante

La dernière étoile de la grande saison de la comédie est le réalisateur Roman Ettore Scola. Pour les années cinquante joue le rôle de l'écrivain, puis faire ses débuts en tant que directeur 1964 avec le film Parlons de femmes. en 1974 Elle donne naissance à son film le plus célèbre, Nous avions tant aimé, qui couvre trente ans d'histoire italienne à travers les histoires de trois amis: l'avocat Gianni Perego (Vittorio Gassman), Le portier Antonio (Nino Manfredi) Et Nicola intellectuelle (Flores Stefano Satta). D'autres grands films (traités avec Ruggero Maccari) Sont: Laid, sales et méchants (1976) - tirée Nino Manfredi - et Une journée spéciale (1977), où Sophia Loren et Marcello Mastroianni Ils sont produits dans l'une de leurs plus hautes performances et poignante.[118]

En 1980, le directeur résume la comédie italienne en brochure génération de la terrasse, décrivant avec une grande efficacité les déclarations existentielles amères d'un groupe d'intellectuels de gauche. Le film, selon la plupart des critiques, est l'une des dernières œuvres encore attribuées à la comédie « haut » traditionnelle.[119]

Un lieu de traite à part Antonio Pietrangeli, que, dans presque tous ses films, il a travaillé sur la psychologie féminine, émergeant avec des portraits de vive sensibilité des femmes malheureuses et tourmentés: par Adua et ses amis (1960) à la visite (1963), par la parmigiana (1963) à Je connaissais bien Son (1965), considéré comme son chef-d'œuvre. En même temps, il met en évidence l'acteur et metteur en scène Gian Luigi Polidoro que d'un film le diable (1963), a remporté le 'Ours d'or un festival de Berlin.[120] D'autres travaux importants sont toujours en temps opportun le policier (1960) être malade (1968), de Luigi Zampa, crimen (1961), de Mario Camerini, Lions au soleil (1961), de Vittorio Caprioli, et quelques comédies Vittorio De Sica, comment le boom (1963) Hier, aujourd'hui, demain (1963) et Mariage à l'italienne (1964).

Cinéma italien
Ugo Tognazzi dans le film Le Cocu magnifique (1964), de Antonio Pietrangeli
Cinéma italien
Giancarlo Giannini et Mariangela Melato dans le film Swept Away Destin dans la mer bleue d'Août, de Lina Wertmüller (1974)

Parmi les années soixante et soixante-dix connaît la gloire du cinéma Luciano Salce, auteur de nombreuses comédies du box-office sécurisé. En plus du cycle de film comique basé sur les aventures de l'expert-comptable Fantozzi, ne pas oublier le fédéral (1961), le désir (1962), Les heures d'amour (1963) et Le canard à l'orange (1975), tous enrichis par le récitatif inspiration Ugo Tognazzi. Ne pas oublier le film Franco Brusati, Pain et chocolat (1973), qui revisite avec humour mordant les diverses questions d'immigration italienne, aidé par décisif dans cette interprétation Nino Manfredi.

Encore une fois, dans ce contexte, il mentionne le travail accompli par le directeur Lina Wertmüller, qui, avec la paire essayé et testé des acteurs Giancarlo Giannini et Mariangela Melato Il a créé, dans la première moitié des années soixante-dix, dans des films à succès parmi lesquels nous mettons en évidence: La séduction de Mimi (1972), Love and Anarchy Film - Ou "Ce matin, à 10 Via dei Fiori dans le bordel connu ..." (1973) Swept Away Destin dans la mer bleue d'Août (1974). Deux ans plus tard, sept Beautés (1976) obtient quatre nominations oscar, ce qui en fait la première femme à recevoir une nomination pour le meilleur réalisateur.[121]

Il convient de souligner le produit artistique Sergio Citti, que les lignes de quelques-unes des comédies direction du film de Pasolini bizarres et surréalistes, d'obtenir des résultats probants dans plus d'un film parmi lesquels ils mentionnent: Ostia (1970), Casotto (1977) et minestrone (1981). Enfin, il est à rappeler que depuis plus de deux décennies (depuis les années soixante), étaient nombreux cinéastes qui ont participé et contribué au développement du jeu. Parmi eux, ils méritent d'être mentionnés: Nanny Loy - qu'il a reçu une nomination aux Oscars pour le film Les quatre jours de Naples (1962) - Steno - le succès pochade Fièvre de cheval (1976) - Sergio Corbucci, Salvatore Samperi, Gianni Puccini et Marcello Fondato. Ils montrent encore: Pasquale Festa Campanile, Luigi Filippo D'Amico, Tonino Cervi, Flavio Mogherini, Franco Rossi et Luigi Magni, qui, dans sa petite mais significative la production décrite dans les comédies acclimatés Rome calotte et Risorgimento qui ils sont souvent considérés comme acteur de premier plan Nino Manfredi.[122]

Les films de comédie

Cinéma italien
Antonio De Curtis, dans l'art toto

L'endroit idéal où le genre comique est énoncé général est sans aucun doute la théâtre où, des années trente et quarante ans, ils développent de nombreuses écoles de vaudeville qu'ils voient chez leurs acteurs humoristes fichier classe comme Carlo Dapporto, Gilberto Govi, Ettore Petrolini, Erminio Macario, Nino Taranto, Renato Rascel, Walter Chiari, Carlo Campanini et Antonio De Curtis, dans l'art toto.[39] Précisément ce dernier doit être créditée d'avoir déplacé et intégré tel produit artistique de la scène à celluloïd. Le créateur d'un masque authentique dans la tradition art de la comédie, Toto a varié de théâtre (avec plus de 50 titres) dans le cinéma (97 films) et la télévision (séries et divers publicité avec 9 étapes). Ses films recueillent encore aujourd'hui un grand succès, et certains de ses personnages sont devenus paraphrase est entré dans le langage commun.[123]

Parmi ses nombreuses fonctionnalités sont mises en évidence: Arena Fifa e (1948), Sapeurs-Pompiers de Viggiu (1949), Totò casa Cerca (1949), L'empereur de Capri (1949), Totò Le Moko (1949), Napolitain turc (1953), La pauvreté et Noblesse (1954) Messieurs sont nés (1960) Toto en couleur (1952), le premier film italien en Ferrania couleurs, où les caractéristiques comiques simulent les performances parmi les plus élevés. Sans oublier les partenariats fructueux avec Aldo Fabrizi et avec le grand acteur de théâtre Peppino De Filippo, avec qui il a conçu de nombreux ancrage sur les films publics. À cet égard, ils ont mentionné: La bande de Honest (1956), Arrangiatevi! (1959), Totò, Peppino et ... la vie douce (1961) et le célèbre Totò, Peppino et ... salope (1956), dirigé par Camillo Mastrocinque. Parmi les autres derrière l'artiste sont: Carlo Croccolo, Enzo Turco, Giacomo Furia, Luigi Pavese, Agostino Salvietti, Pietro De Vico et tout Mario Castellani. Du côté des femmes, ils ont pris part à de nombreux croquis d'une valeur considérable comme actrices Tina Pica, Franca Valeri, Ave Ninchi, Isa Barzizza, Pupella Maggio, Marisa Merlini et Bice Valori. En plus d'avoir représenté plus de deux décennies, l'acteur comique par excellence, Toto a expérimenté dans d'autres film tombant plus explicitement dans la veine de la comédie italienne, même dans le films d'art (En particulier dans les années soixante).[124]

Cinéma italien
Paolo Villaggio dans les robes de comptable Ugo Fantozzi

Une situation similaire se produit dans les soixante-dix prochaines années avec l'émergence d'une nouvelle personnalités comiques dirigé par auteur, acteur et écrivain Paolo Villaggio. Après avoir fait ses débuts dans le programme de télévision les dimanche présentant des personnages de la mimique grotesque et inédite, fait ses débuts sur grand écran le fameux masque Fantozzi, créé par le même artiste dans les années soixante et publié avec un attrait considérable dans le livre, publié par Rizzoli en 1971. Le fondateur Fantozzi (1975), dirigé par Luciano Salce et gros succès de la saison 1974 - 1975, il a créé une saga de vaste succès à long terme, qui a continué avec neuf autres films jusqu'à ce que les années nonante.

A côté de l'artiste ont ensuite récité les différents acteurs se sont immédiatement très populaire parmi les suivants: Milena Vukotic, Anna Mazzamauro, Liù Bosisio, Plinio Fernando et au-dessus Gigi Reder, qui a un composé avec Village heureuse association vu dans plus de quatorze films. De même, la toto Village a également fait des incursions dans la comédie, ainsi que dans les films d'art continue en parallèle les principales activités de comédien et acteur de satiriste. Si vous excluez 'oscar à Roberto Benigni (Ce qui est à la fois star et metteur en scène), les deux artistes sont les seuls humoristes en Italie se sont vantés prix internationaux prestigieux. Toto a en effet reçu deux mentions spéciales à Festival de Cannes, pour les tests dans les films Cops and Robbers (1951) et Hawks et les moineaux (1966)[124]; Villaggio a respectivement Lion d'or pour la vie (1992) et Léopard d'honneur un Locarno Film Festival (2000).[125]

Cinéma italien
Alberto Sordi dans le film Un Américain à Rome (1954), Mise en scène Steno
Cinéma italien
Le duo comique Franco Franchi et Ciccio Ingrassia

De plus, le grand soutien populaire se manifeste avait dans les années cinquante par Alberto Sordi, que, avant de se lancer dans une manière agissant dans le tour a montré des compétences comiques incontestés dans leurs films respectifs Un jour au tribunal de district (1953) et Un Américain à Rome (1954), tous deux réalisés par Steno. Il ne faut pas oublier la popularité du duo comique Franco Franchi et Ciccio Ingrassia, que pour tous les soixante ans a enfilées une série de films à la parodie moule (le plus direct Giorgio Simonelli), Des situations et des gags et dall'avanspettacolo résultant proposer du théâtre de rue. Il y a, encore, les nombreuses participations du couple à beaucoup de films d'auteur, mettant son art au service de laquelle les administrateurs Pier Paolo Pasolini, Vittorio De Sica et Frères Taviani. Le même Ingrassia travaillera individuellement pour les goûts de cinéastes Elio Petri et Federico Fellini.[126].

Une sève trouvée dans le contexte de cette forme d'art est la lumière au début des années quatre-vingt avec l'émergence d'une nouvelle génération d'acteurs et de réalisateurs qui, bien que des questions sociales différentes, a poursuivi le chemin déjà tracé par la comédie italienne. Des acteurs tels que humoristes Roberto Benigni, Carlo Verdone, Massimo Troisi, Francesco Nuti et Maurizio Nichetti, Ils ont proposé dans un cadre contemporain avec une nouvelle façon de faire la comédie, en passant facilement de croquis la télévision au cinéma, presque toujours présenter des films réalisés et interprétés par soi-même.[127]

Le film social et politique

Cinéma italien
Dans l'image du directeur Francesco Rosi

Le cinéma d'art des années soixante poursuit son chemin dans l'analyse des questions et soulever des questions différentes. Des veines surréalistes et existentielles de Fellini et Antonioni est émancipé une nouvelle vision authorial qui voit dans les films un moyen idéal pour dénoncer la corruption et les malversations[128], à la fois le système politique du monde industriel. Par conséquent, la structure de l'enquête à partir de films néo-réalistes des faits, leur ajoute une évaluation critique concise, avec l'intention évidente de secouer la conscience de l'opinion publique. Ce type touche les questions brûlantes délibérément, en ciblant souvent le pouvoir établi, avec l'intention de reconstruire une vérité historique le plus souvent cachée ou niée.[129]

véritable précurseur de cette façon de comprendre le métier de metteur en scène est l'artiste napolitain Francesco Rosi.[130] Elle a commencé comme scénariste et réalisateur assistant Visconti Luchino, diriger ensuite son premier film en 1958 le défi, Il a suivi un an plus tard Je Magliari (1959). En 1962, il a inauguré le projet de film d'investigation retraçant, à travers une série de longue flash-back, la vie de gangster Sicile Salvatore Giuliano. L'année suivante, il a dirigé Rod Steiger tout Main basse sur la ville (1963), Dans lequel il dénonce courageusement la collusion existant entre les différents organes de l'Etat et l'exploitation du bâtiment Naples. Le film est récompensé par la Lion d'or un Festival du Film de Venise.

Ces films sont généralement considérés comme les fondateurs de cinéma nature politique, qui voient souvent le jeu polyvalent et camouflage Gian Maria Volonté. L'un des points d'arrivée de la carrière artistique de Francesco Rosi L'Affaire Mattei (1972), Un document rigoureux où le réalisateur tente de faire la lumière sur la mystérieuse disparition de Enrico Mattei, les responsables du plus important groupe public italien: l 'Eni. Le film a remporté le Palme d'Or un Festival de Cannes et il devient (en même temps que le serrage cadavres, 1976) un modèle réel pour les produits de film de protestation similaires dans les années suivantes (du film de Costa-Gravas, puis du film JFK - Un cas encore ouvert 1991 Oliver Stone). Pour mérites évidents dans les arts a réalisé en 2008 et en 2012, le 'Ours d'or et Lion d'or pour la vie.

Cinéma italien
Elio Petri

la mouvements étudiants, les travailleurs et extra-parlementaires de la fin sixties et ceux de la prochaine décennie affectera de nombreux arts, en particulier le film, qui suit sur les traces Rosi chemin engagé socialement et politiquement.[129] Dans ce contexte, les nouveaux administrateurs se poursuivent et améliorent le travail du cinéaste napolitain; parmi lesquels est l'auteur romain le plus actif Elio Petri, en utilisant le discours politique en vue de surmonter et de l'achèvement du cinéma néoréaliste. À cet égard, le directeur milanais dit: « Le néoréalisme il ne prétend pas être grand besoin de recherche et d'investigation, mais comme une vraie tendance poétique, nous ne faisons pas (...) Il est nécessaire de faire face aux mythes modernes, des incohérences, à la corruption, avec des exemples magnifique héroïsme inutile, avec halètements de morale: vous devez connaître et être en mesure de représenter tout ".[131]

Au cours des soixante premières années de travail avec Alberto Sordi dans la comédie amère Le Maître de Vigevano (1963), inspiré du roman Lucio Mastronardi. En 1967, il a commencé un projet commun avec l'acteur et alter ego Gian Maria Volonté, le développement des productions de mise en garde claire civile: A chacun son (1967), adapté d'un roman par Leonardo Sciascia, La classe ouvrière va au paradis (1971), satire corrosive sur la vie dans l'usine (vainqueur Palme d'Or Cannes) et Enquête sur un citoyen au-dessus Suspicion (1970). Ce dernier (accompagné de bande décisive Ennio Morricone) Est un thriller sec psychanalytiques concentré sur les aberrations du pouvoir, et analysé la clé sulfureuse pathologique.[132] Le film, scénarisé avec Ugo Pirro, Il a obtenu un large consensus, gagnant de l'année suivanteOscar du meilleur film étranger. En 1976, Petri au cinéma un autre poème de Sciascia, Todo Modo, qui raconte la décadence sombre d'une classe dirigeante, nous nous sommes réfugiés dans un hôtel Hermitage, le faux but de pratiquer des exercices spirituels.

Cinéma italien

Sujets liés aux cinémas d'engagement civil se trouvent dans les travaux de Damiano Damiani, que, avec Le jour de la Chouette (1968), il connaît un grand succès. D'autres caractéristiques dignes de mention sont les suivants: Confessions d'un commissaire de police (1971), L'enquête est close: oublier (1971), Comment tuer un juge (1974) et J'ai peur (1977). Ils devraient également être mentionnés, Pasquale Squitieri pour le film Le Préfet de fer (1977) et Giuliano Montaldo, que, après quelques expériences en tant qu'acteur met sur quelques films d'intérêt historique et politique Gott mit UNS (1970), Sacco et Vanzetti (1971) et Giordano Bruno (1973).

Cinéma italien
Gillo Pontecorvo

La plus grande importance est la dure et réaliste En attente de son procès en prison (1971), De Nanni Loy, mettant en vedette une touchante Alberto Sordi. Le réalisateur du film sarde est un cauchemar kafkaïenne, Il est tombé parfaitement dans la réalité sociale du temps. Le film a suscité grande sensation, parce que, pour la première fois, un film dénonçant le retard dramatique du système judiciaire italien et la prison. Années auparavant, celle-ci est dirigée par des sourds Alberto Lattuada dans le film mafioso (1960), l'un des premiers film de gangsters Italienne, où le regard glacial du directeur dépeint l'un des enfers aperçu de froid sicilienne et amoral, sans aucune finale consolation.

Bien que pas directement liée à la situation italienne vous vous souvenez La bataille d'Alger (1966), l'auteur toscan Gillo Pontecorvo. Le travail est une reconstruction dynamique des événements militaires qui a conduit à la 'Algérie l'indépendance de colonialisme français, commémoré avec une pénalité et d'un style à côté de beaucoup de temps actualités.[133] Acclamé par les critiques et le public, le film (Lion d'or Venise), a au fil du temps devenu l'un des plus célèbres opéras italiens dans le monde.[134] en 1969, Marlon Brando Il est la star d'un nouveau film réalisé par toujours Pontecorvo: Queimada, décrivant l'abus de 'impérialisme et la révolte des peuples opprimés dans un pays de Amérique du Sud. Dans son dernier film, l'artiste de Pise aborde la question de résistance antifranquiste Basque en ogro (1979), racontant l'histoire de l'amiral d'attaque Carrero Blanco Luis, eu lieu dans 1973.

Un autre réalisateur lié à l'engagement politique et social est le Ferrarese Florestano Vancini, que de nombreuses réalisations ont été combinent la robustesse de la reconstruction historique avec un guide de crise émotionnelle et subjective. Parmi ses œuvres les suivants: La longue nuit de '43 (1960), La banda Casaroli (1962), Seasons of Our Love (1966), portrait d'un intellectuel en crise avec une convaincante Enrico Maria Salerno et Le assassiner de Matteotti (1973).

Le film d'animation

icône Loupe mgx2.svg Le même sujet en détail: Histoire de l'animation italienne.
Cinéma italien
Sur un cadre Ouest et de la soude (1965) par Bruno Bozzetto

Bien que l'Italie n'a pas une grande tradition dans le domaine de l'animation, au fil du temps a prouvé différents auteurs dignes d'attention. Le pionnier de la bande dessinée italienne était Francesco Guido, mieux connu sous le nom gibb. Immédiatement après la guerre, il a produit le premier long métrage court métrage d'animation de notre film intitulé Le dernier Sciuscià (1946), qui prend ses thèmes de néoréalisme et dans la décennie suivante les longs métrages Rompicollo et les cinglés, en collaboration avec Antonio Attanasi.[135] en soixante-dix, Après de nombreux documentaires animés, même gibb Il reviendra aux longs métrages à caractère érotique Le nain et la sorcière (1973) L'histoire de la jungle (1974). Aussi intéressants sont les contributions du peintre et scénographe Emanuele Luzzati que, après quelques courts métrages fins, il a réalisé en 1976 un des chefs-d'œuvre de l'animation italienne: La Flûte enchantée, sur la base des travaux du même nom de Mozart.

En 1949, le concepteur Nino Pagot soumettre à Festival du Film de Venise Les Dynamite Brothers, l'un des premiers longs métrages d'animation à l'époque, sorti dans les salles de concert avec La Rosa di Bagdad (1949), par l'animateur Anton Gino Domeneghini.[135] Au début des années cinquante le caricaturiste Romano Scarpa crée le court-métrage La petite fille aux allumettes (1953), qui reste, comme les deux précédents films, un peu plus d'un cas isolé. En fait, en dehors de ces exemples, l'animation italienne au début des années cinquante et soixante ne devienne une réalité importante et restent confinées à l'industrie de la télévision, grâce aux différentes commissions prévues par le conteneur carrousel.[136]

Mais il est avec Bruno Bozzetto que la bande dessinée italienne a atteint une dimension internationale: son premier long métrage Ouest et Soda (1965), la caricature convaincante du genre occidental, se félicite de l'approbation à la fois du public et des critiques.[135] Quelques années plus tard, il a sorti son deuxième ouvrage intitulé Vip - Mon frère superman, distribué en 1968. Après tant de films satiriques (qui mettent l'accent sur la figure populaire de « M. Smith ») renvoie à des longs métrages avec ce qui est considéré comme son œuvre la plus ambitieuse: Allegro non troppo (1977). Inspiré par le célèbre fantaisie de Disney Il est un film mixte-média, dans lequel les épisodes animés sont moulés à hauteur de plusieurs morceaux de musique classique. Autre concepteur à souligner est l'artiste Pino Zac. En 1968, la partie qui, dans le court métrage d'animation Voyage d'affaires, co-réalisé avec Franco Rossi et une partie de vos films caprice Italian Style. En 1971, avec des supports mixtes pistes Le Chevalier Inexistant, tiré de 'roman du même nom de Italo Calvino.

Cinéma italien
Au-dessus du film d'animation blue Arrow (1996), de Enzo D'Alo

Dans les années nonante, l'animation italienne entre dans une nouvelle étape de production grâce au studio Turin magic Lantern en 1996, dirigé par Enzo D'Alo, Il réalise le conte de fées de Noël intrigante blue Arrow, basé sur une histoire par Gianni Rodari. Le film est un succès et ouvre la voie dans les années à venir, d'autres longs métrages. En fait, en 1998, après seulement deux années de travail, il est distribué Chanceux et Zorba basé sur le roman Histoire d'une mouette et du chat qui lui a appris à voler de Luis Sepúlveda, attirer les faveurs du public, pour atteindre un nouveau sommet de notre film d'animation.[137]

le directeur Enzo d'Alo, séparés par le studio de lanterne magique, il produira les années d'autres films suivants comme Momo pour vaincre le temps (2001) Opopomoz (2003). Le studio Turin distribue sur ses propres films Aida des arbres (2001) Totò Sapore et l'histoire magique de la pizza (2003), accompagné d'une bonne réponse au box-office. en 2003 sorti son premier film d'animation dans la production de l'infographie entièrement du titre italien La apetta Giulia et Mme Vita, réalisé par Paolo Modugno.[138] Pour souligner le travail L'histoire de Leo (2007), réalisé par Mario Cambi, qui a gagné l'année suivante, la Giffoni Film Festival.

en 2010 vient la première technologie d'animation cinématographique italienne 3D, réalisé par Igino Straffi, intitulé Winx Club 3D - Magical Adventure, basé sur la série éponyme qui a connu une grande renommée partout dans le monde; Pendant ce temps dans des salles Enzo D'Alo, présenter son Pinocchio (2012). en 2012 obtenir un crédit du film du public Gladiateurs de Rome, également tourné dans la technologie 3D, suivi du long métrage Winx Club - Le mystère des profondeurs (2014), tous les deux encore Igino Straffi. Il rappelle, L'art du bonheur (2013) de Alessandro Rak, film formé en Naples 40 auteurs, dont seulement 10 animateurs et concepteurs de studio de divertissement fou, vrai monde d'abord pour un film d'animation cinématographique[139]. En même temps, le travail a été attribué à European Film Awards le prix Meilleur film d'animation, coming même soumis à 70e Festival international du film de Venise.

Le cinéma de genre italien

A côté du cinéma néoréaliste et existentiel des auteurs de la comédie italienne et un film de commentaire social, de Après la deuxième guerre mondiale, Il développe un film italien plus populaire que si un côté est opposé par la critique et snobé, l'autre est accueilli avec enthousiasme par une grande partie du public, national et international. Après avoir atteint son apogée sixties et soixante-dix la XXe siècle, le cinéma de genre entre en déclin dans le milieu ' années quatre-vingt pour deux raisons principales: l'une est la grave crise qui affecte l'ensemble du cinéma italien et de l'autre la déclaration de télévision commercial, que dans quelques années sans les salles de cinéma de son public habituel. Ce genre de cinéma est venu à disparaître et disparaître au début de années nonante.[140]

la genres produits Italie ont été multiples (variant en fonction des décennies) et plusieurs fois sont croisés entre eux, à travers diverses amalgamation et fusions. Ci-dessous montre une brève liste des différents genres de films qui ont rencontré à plusieurs reprises, le plus de succès.

mélodrame

Cinéma italien
Amedeo Nazzari et Yvonne Sanson dans une scène du film chaînes (1949), de Raffaello Matarazzo

Parmi les mi une quarantaine d'années et la moitié des la cinquantaine Il développe le genre de mélodrames populaires, communément appelé tearjerker.[141] Par rapport aux drames émotionnels de la période fasciste, les mélodrames prises après la Seconde Guerre mondiale se caractérisent par des environnements réalistes (bien souvent idéalisée), habitées par un petit boom économique à l'aube de la bourgeoisie. Les cadres minces sont construits autour de couples jeunes unis par l'amour, mais divisé par appartenance à une classe sociale, avec un accent particulier sur la souffrance, la tromperie, le harcèlement, le chantage et les renoncements que les personnages (surtout les femmes) sont contraints de supporter. Les mélodrames sont peu appréciés par la critique, qui les considèrent de la même façon que FOTOROMANZI film, mais le succès est remarquable et immédiat.[141]

Le directeur principal de ce genre est Raffaello Matarazzo, déjà actif du fascisme (ses débuts en 1933 avec populaire train) Et auteur prolifique d'une série de films interprétés par Amedeo Nazzari et Yvonne Sanson. Parmi ses films les plus connus sont chaînes (1949) et tourment (1950), Qui seront respectivement le premier et le deuxième plus gros succès dans Italie dans la saison du film 1949-50. L'année suivante, se répète le succès commercial avec Les fils de personne (1951), Qui, contrairement à ses prédécesseurs, est dépourvue de la traditionnelle et réconfortante finale positive.[141] De Matarazzo se souviennent encore: Qui est sans péché ... (1952) Retour! (1953) vortex (1953), Giuseppe Verdi (1953), Le angelo bianco (1955) Et atypique Le navire des femmes damnés (1953), Tous les films de grand appel public, mais depuis longtemps détesté par les critiques.

Central est le film Anna (1951) - la première production italienne de toucher le box-office milliards de lires[142] - le polyvalent Alberto Lattuada; une histoire féminine passionnée, joué avec des compétences sensuelles Silvana Mangano. D'autres réalisations majeures sont les suivantes: Les enfants ne vendent pas (1952) par Mario Bonnard, Trieste mia! (1951) Pardonnez-moi! (1953), Je vous toujours aimé! (1953) et Pitié pour ceux qui tombent (1954) par Mario Costa. Rejeté par le public, mais pas par la critique est le film La fièvre de vivre (1953), de Claudio Gora, combinant caractéristique de mélodrame propres éléments de style avec ceux du cinéma réaliste. Il y a encore provincial (1953), de Mario Soldati et la fin de la production romantique Une femme libre (1954), de Vittorio Cottafavi. même toto Il a expérimenté dans ce volet avec le film Yvonne de la nuit (1949) de Giuseppe Amato, l'un de ses rares caractère spectaculaire du film.

Parmi les administrateurs qui se sont aventurés dans ce genre, nous avons: Guido Brignone, Leonide Moguy, Ubaldo Maria Del Colle, Duilio Coletti, Luigi Capuano, Leonardo De Mitri, Pino Mercanti, Sergio Grieco, Carlo Borghesio, Roberto Bianchi Montero, Giuseppe Vari, Armando Fizzarotti, Mario Sequi et Clemente Fracassi, et encore Giorgio Pastina, Giorgio Bianchi, Giuseppe Guarino, Gennaro Righelli, Natale Montillo, Flavio Calzavara, Carlo Campogalliani, Giacomo Gentilomo, Armando Grottini, Giorgio Walter Chili et Carmine Gallone. aussi Riccardo Freda, Renato Castellani et Sergio Corbucci, avant de prendre des chemins différents dans le film populaire, dirigé (en particulier dans les années cinquante) ce genre de films, dont certains sont issus de romans célèbres de série.

Dans la décennie depuis la tentative de mélodrame mise à niveau aux goûts du public. Les films de cette époque comme un sujet d'histoires mineures avec les parents séparés ou sur le point de se séparer, destiné à mourir d'un accident ou d'une maladie (parmi les acteurs de l'époque, l'interprète le plus célèbre Renato Cestiè). D'autres scripts disent les couples en crise qui trouvent l'amour, avant d'être séparés à nouveau par une tragédie. Les fondateurs de cette renouveau ils sont mal compris (1966), de Luigi Comencini et Anonyme vénitien (1970), de Enrico Maria Salerno, spéculer sur les thèmes et les intentions du film américain Love Story (1970). La popularité des deux films coup d'envoi d'une série d'imitations plus ou moins explicites le long des années soixante-dix. Parmi les titres les plus importants que nous avons: cœur (1973) par Romano Scavolini, la neige au printemps dernier (1973) Chevaux blancs d'été (1975) par Raimondo Del Balzo, Le vendeur de ballons (1974) par Mario Gariazzo et L'arbre avec des feuilles roses (1974) par Armando Nannuzzi. En même temps il est prévu une révision critique du film Raffaello Matarazzo, Longtemps considéré comme un compagnon sans personnalité et maintenant réévalué pour la compétence des inventions de mise en scène et du cinéma[143]. La tendance se poursuit avec succès jusqu'au milieu années quatre-vingt, lorsque la disparition des genres populaires relèguent film romantique à la production télévisuelle.

Dans ce genre, il doit également être ajouté à la sous-genre avec succès napolitain scénarisé, joué par un groupe authentique de célébrités locales (y compris les acteurs et les chanteurs Mario Merola et Nino D'Angelo). Les titres les plus célèbres sont pelleteuse (1980), Les larmes napulitane (1981), détenu (1981) et Les enfants savent ... « morceaux » et le noyau (1981), tous dirigés par le réalisateur Roman Alfonso Brescia.

Peplum et capot et épée

icône Loupe mgx2.svg Le même sujet en détail: Peplum en Italie.
Cinéma italien
L'affiche américaine du film Les travaux d'Hercule (1958) par Pietro Francisci.
Cinéma italien
Gino Leurini et Leonora Ruffo dans une scène du film L'homme de Guerrin Petty (1952) de Pietro Francisci.

La tendance peplum a de nombreux films né sur la piste du succès blockbuster Hollywood Ben Hur (1959) et qui sont produites en Italie au milieu des années cinquante jusqu'à la prochaine décennie.[144] Le développement soudaine de films américains filmés en costume dans les usines en Cinecittà (Puis surnommé Hollywood sur le Tibre) Il a généré une série ininterrompue d'imitations, portant sur l'écran du film de la production italienne. Ces œuvres sont exposées principalement dans 'antiquité et organiser des événements comme sujet sur les faits mythologique, historique ou biblique. Le nom de peplum vient du mot grec πέπλος indiquant une tunique féminine spécifique, habituellement joué par les différents costumes industrie.

Parmi les titres les plus réussis, nous incluons: Ulysse (1954) par Mario Camerini, Hercules dans le monde hanté (1961) par Mario Bava, La reine de Saba (1952), Attila (1954) Les travaux d'Hercule (1958) et Hercules Unchained (1959) par Pietro Francisci. Ces films racontent les hauts faits comme des héros mythologiques Hercule, Goliath, homme fort, Samson ou Ursus, luttant pour des nations entières libres de monstres ou mauvais dirigeants ou avec la mission de sauver filles en danger. Par des acteurs américains Interprété avec des expériences en tant que culturiste Gordon Scott, Steve Reeves et Brad Harris, les blockbusters à venir bientôt dans l'imaginaire collectif. L'intrigue mince, construit sur des mythes improbables présences et des héros, la dialogue hors de synchronisation, le caractère boisé agissant, associée à la primitive effets spéciaux Ils ont contribué à étiqueter ces œuvres comme de simples remaniements des produits riches américaines.[144] L'une des rares exceptions est représenté par blockbuster Fabiola (1949), de Alessandro Blasetti, l'un des efforts les plus productifs après la guerre grâce à sa grandiloquence est bientôt vu à l'étranger, la mise (à partir du moment de Cabiria) Un nouveau record de ventes.[145]

semblable à péplum Il est le genre cape et d'épée, dans lequel ils ont mis des films historiques ambientati au Moyen Age ou dans la Renaissance. Ces films racontent les exploits des hommes et des femmes qui ont réellement existé, ou voir les personnalités de aventure fiction ou romances. La bulle ces genres critique montre comment énorme en papier mâché, promu au pur but commercial, volontairement dépourvu de toute ambition artistique.

Musique de film et comédies musicales

icône Loupe mgx2.svg Le même sujet en détail: film musical.
Cinéma italien
Ettore Giannini, auteur du film Carrousel napolitain (1953), le seul film musical italien à prix décerné de prestige international

La cinématographie italienne est presque étrangère au genre musical, d'une manière opposée, il a eu un large public aux États-Unis et d'autres pays européens. Parmi les quelques films italiens attribuables au genre, vous pouvez citer Carrousel napolitain (1953) par Ettore Giannini, mettant en vedette entre autres par le chanteur Giacomo Rondinella et le nouveau venu Sophia Loren. Le film est une version cinématographique de l'œuvre théâtrale du même nom, présenté pour la première fois à théâtre La Pergola de Florence 14 avril 1950, et par la suite à la Teatro Quirino de Rome, et apporté au succès dans de nombreux pays d'outre-mer. Ce film-magazine inhabituel, aidé par des procédures stylistiques plutôt originales (avec scénographie par Mario Chiari et photographie Giorgio Sommer), Blends l'héritage de culture peinture de paysage avec l'ingéniosité de votif surréaliste, metteur en scène d'agitation et film avec ses ambitions de la comédie musicale hollywoodienne.[146] En vertu de ces caractéristiques, le film reçoit au printemps de cette année, le Prix international à Festival de Cannes.[147]

Depuis les années cinquante et jusqu'à la soixante-dix, répartis avec beaucoup de succès la sottofilone soi-disant musicarello, impliquant le recrutement et la participation de nombreux chanteurs pop, dans le seul but de transformer les artistes en véritables stars de l'écran d'argent. Ces productions (le plus souvent des comédies sentimentales) voient comme protagonistes chanteurs italiens en vogue comme Adriano Celentano, Mina, Little Tony, Rita Pavone, Gianni Morandi, Caterina Caselli, Iva Zanicchi, Domenico Modugno et Claudio Villa, qui, entre une séquence et l'autre, offrant les différents tubes du moment. L'opération est un succès, la consolidation de la réputation de nombreuses voix italiennes, en particulier Gianni Morandi et Rita Pavone, que le bonheur du monde et la prospérité de tous les incarné adolescents. Parmi les titres les plus représentatifs comprennent: Les garçons du juke-box (1959) et Hurleurs du Dock (1960), de Lucio Fulci, s'agenouiller (1964), de Ettore Maria Fizzarotti et Rita Mosquito (1966), dirigé par Lina Wertmüller.[148]

Sci

icône Loupe mgx2.svg Le même sujet en détail: Cinéma italien de science-fiction.
Cinéma italien
Une image du film Planète des Vampires (1965) par Mario Bava

Ne pas Mémorable, le cinéma italien a été en mesure d'exprimer sa propre ligne de science-fiction, bien qu'il a réalisé dans un beaucoup plus que l'artisanat Hollywood, dont il est resté principalement en remorque. Hors films de la période de silence[149] et les films bouffon comment A mille kilomètres d'une minute! (1939), Cabine et marionnettes (1954) et Toto dans la Lune (1958), la science-fiction "Made in Italy" se développe à partir des années cinquante quand, a échoué le protectionnisme du régime, Le marché italien est envahi par blockbuster outre-mer.[150] L'un des premiers administrateurs d'essayer leur main dans le genre sont signalés Paolo Heusch avec Le jour où le ciel Éclaté (1958) et Riccardo Freda avec Caltiki, le monstre immortel (1959).

Parmi les auteurs, il émerge au-dessus du directeur Antonio Margheriti, qui se tient dans le cadre de 'aventure spatiale. Margheriti - presque toujours sous le pseudonyme Anthony M. Dawson - était l'auteur de nombreux films de genre de solide équipement technique et la construction, mais miné par des contraintes budgétaires lourdes.[150] Son long métrage espace hommes (1960) est un premier exemple de "space opera« Le cinéma italien, suivi par Bataille des mondes (1961) et le cycle de la station spatiale gamma One (Composé de quatre films tournés simultanément en 12 semaines et distribué entre 1965 et 1967). Malgré le niveau de effets spéciaux les deux faible coût, Les travaux de Margheriti parviennent à recueillir un peu d'attention en Italie et à l'étranger, ce qui contribue à l'expansion du logement. Sur ce mouvement de piste Ubaldo Ragona, Carlo Ausino et Pietro Francisci. Au cours des années soixante ces productions se développent hors de proportion, avec la particularité de fusionner fréquemment avec d'autres genres ou sous-genres, tels que l'horreur et la espionnage. Un exemple clair est la fantasy horreur Planète des Vampires (1965), le réalisateur Mario Bava, qui mélange la créativité avec son atmosphère d'horreur et de science-fiction.[149]

Cinéma italien
Marcello Mastroianni dans une scène de La victime dixième (1965) par Elio Petri

Le genre a aussi bien qui a capturé une partie de l'attention des autres cinéastes, attribuable à films d'art.[151] Elio Petri Il dirige en 1965 La victime dixième - basé sur une histoire par Robert Sheckley - tandis que Marco Ferreri port sur l'écran apocalyptique La semence de l'homme (1969), où le pessimisme de l'auteur se transforme en une critique féroce de l'ensemble de la communauté humaine. Dans la même période la science-fiction italienne des cinémas vient de se croiser avec celui de satire Sociale, qui offre dans ce domaine des contributions originales.[150] Des exemples de ce type sont Omicron (1963) par Ugo Gregoretti, La soucoupe volante de Tinto Brass (1964)[150] et la comédie décalée fiction politique coup (1969), dirigé par le directeur Luciano Salce.

A partir des années soixante-dix - est mort le protestataire pousser - La production bifurque vers des thèmes plus aventureux, et de l'enfance insouciante. Parmi les œuvres les plus emblématiques de la période, il est cité STARCRASH (1978), de Luigi Cozzi, sortie non loin du premier épisode de Star Wars (1977), dirigé par George Lucas Italien et promu en réponse à ce film, en dépit prouve aux normes d'Hollywood, clairement B film. Ne pas oublier le développement de divers sous-genres comme fiction apocalyptique et poste atomique qui a vu engager, au début des années quatre-vingt, de nombreux réalisateurs italiens. Le grand-papa de ces action futuriste 1990 - Les Guerriers du Bronx (1982), dirigé par Enzo G. Castellari; auteur qui, au fil du temps, a réalisé des films en douceur varié, obtenir une certaine visibilité à l'étranger.

Après une production commerciale d'un film relativement peu coûteux riche et toujours à l'imitation des films américains dans les années quatre-vingt en retard, le cinéma de genre italien en crise et le genre de science-fiction perd la cohérence jusqu'à ce qu'il disparaisse presque complètement au début des années nonante . Exception est pertinente nirvana (1997), de Gabriele Salvatores, un inspiré du film cyberpunk qui est la production de films plus cher fiction italienne de tous les temps et l'un des plus grand succès commercial[152][153] (La production de films de science-fiction le plus cher que ce qui avait été celle de la série TV Treasure Island (TV mini-série 1987) réalisé par Antonio Margheriti, avec un budget de plus de 25 milliards de lires, mais sans succès).[154] Salvatores teste à nouveau le genre en 2014 avec le drame-fiction Le garçon invisible. en 2016 le film obtient la proéminence Ils ont appelé Jeeg, directeur du temps Gabriele Mainetti, qui a remporté sept David di Donatello.

occidental

icône Loupe mgx2.svg Le même sujet en détail: westerns spaghetti.
Cinéma italien
Sergio Leone sur l'ensemble des Il était une fois en Amérique

Sergio Leone Il est considéré à l'unanimité le précurseur du cinéma western spaghetti. Fils du cinéaste Roberto Roberti, Il a commencé sa profession en tant que directeur adjoint de plusieurs productions hollywoodiennes, a fait ses débuts en tant que réalisateur avec le péplum Le colosse de Rhodes (1961). Trois ans plus tard, sur les traces des grands maîtres américains, il est dédié au lancement de l'Ouest dans les salles sur le cinéma Pour une poignée de dollars (1964), suivie par Pour quelques dollars de plus (1965) et Le Bon, la Brute et le truand (1966). Ces productions, tous interprétés par l'acteur américain Clint Eastwood, sont communément appelés la trilogie du dollar.

La force d'innovation de ce film réside dans le rejet des westerns américains traditionnels, plus centrée sur des parcelles sentimentales, sur le mythe de la frontière ou sur les guerres avec les Indiens, mais des héros cyniques et désabusés, enveloppé dans un monde où seulement elle compte la violence et de l'oppression .[155] Ceci est renforcé par un style directorial irréel et hyperbolique, parfaitement assisté par les bandes originales Ennio Morricone. Il est le début d'une nouvelle approche du genre, ont tous joué sur la force de gros plans qui révèlent la solennité cruelle des acteurs et conquis le public avec la force d'un coup de poing dans l'estomac.[155] La qualité du film de la trilogie atteint son sommet avec Le Bon, la Brute et le truandUne sorte de mise à jour de La Grande Guerre de Mario Monicelli mélange et dit ton picaresque avec des moments de grand lyrisme. A ce tryptique suivra blockbuster épique Il était une fois dans l'Ouest (1968), Tourné en partie dans monument Valley, et poignée (1971), Ce qui reflète explicitement le climat de protestation. Sergio Leone, snobé à l'époque par de nombreux critiques, il est célébré comme l'un des réalisateurs les plus renommés italiens et acclamé dans le monde entier.[156]

Cinéma italien
Franco Nero en Django (1966) de Sergio Corbucci

Le succès mondial des films de Leone ouvre une multitude d'imitations Made in Italy (Environ cinq films répartis sur quinze ans), dont certains ont trouvé un public national et étranger considérable. Tel est le cas du film de fonction Django (1966), Mise en scène Sergio Corbucci. Django (Les premiers westerns italiens âge de dix-huit personnes) a connu une grande fortune à l'étranger, le lancement de l'étoile et premier homme Franco Nero. Le film a donné naissance à une multitude d'imitations et une suite d'origine: Django 2 - Le grand retour (1987), dirigé par Ted Archer. Le réalisateur américain Quentin Tarantino Il a intitulé son premier western avec le nom de Django Unchained (2012), a déclaré hommage au film Corbucci.[157] Parmi les plus connus visages du spaghetti italique ouest, ainsi que Franco Nero, Ils sont mentionnés: Giuliano Gemma, Fabio Testi et Gian Maria Volonté.

Cinéma italien
Bud Spencer et Terence Hill dans une scène de Appelez-moi Trinity ... (1970) de E.B. Clucher

D'autres films relevant de la même catégorie sont les suivants: Duel au Texas (1963), De Mario Caiano, Le grand silence (1969) et Vamos a matar, compañeros (1970), Toujours Sergio Corbucci, l'épreuve de force (1966) et Face à face (1967), De Sergio Sollima, Quién sabe? (1966), De Damiano Damiani, Un pistolet Ringo (1965) Le retour de Ringo (1966) et Viva la muerte ... le vôtre! (1972), De Duccio Tessari. Dans la même veine sont les films Arizona Colt (1966), De Michele Lupo, sucre Colt (1966), De Franco Giraldi, Journée de la colère (1967), De Tonino Valerii, Je vais te tuer! ... Commend-vous à Dieu (1968), de Osvaldo Civirani et Tepepa (1968) de Giulio Petroni. Dans les années soixante-dix, il souligne: Matalo! (1970), De Cesare Canevari, Hey amigo ... tu es mort! (1970), De Paolo Bianchini, La vengeance est un plat qui est servi froid (1971), De Pasquale Squitieri, keoma (1976), De Enzo G. Castellari, Les quatre apocalypse (1975) et silver Saddle (1978), Lucio Fulci.

Sur le brin de westerns spaghetti relier la comédies à proximité du champ d'application de la comédie, écrit et réalisé par le cinéaste Enzo Barboni (Toujours sous le pseudonyme firmatosi E.B. Clucher) Et les acteurs avec Bud Spencer et Terence Hill (noms de scène de l'italien Carlo Pedersoli et Mario Girotti). Les deux films les plus importants du duo, combinant le rire avec la sympathie et les scènes d'action sont Appelez-moi Trinity ... (1970) Et ce qui suit ...Trinity est toujours mon nom (1972), Ce dernier est le résultat blockbuster dans la saison du film 1971-1972. Les deux acteurs, à la proposition du directeur Ermanno Olmi, sont attribués, en 2010, David di Donatello pour sa carrière.[158] De la mention crépusculaires et hybride My Name Is Nobody (1973), dirigé par Tonino Valerii. Le film, produit par Sergio Leone et interprété par Terence Hill et Henry Fonda, Il combine la qualité épique des œuvres comme Il était une fois dans l'Ouest avec des éléments de la farce et la comédie.

Jaune, thrillers et horreur

icône Loupe mgx2.svg Le même sujet en détail: italien jaune.

Une grande importance est attachée aux catégories de thriller et dell 'horreur, qu'en Italie ont eu, depuis les années soixante, avec beaucoup de succès, a duré heureusement pendant au moins trois décennies. Les cinéastes italiens qui se sont aventurés dans ces productions ont été une source d'inspiration pour une foule de cinéastes internationaux parmi lesquels comprennent: Brian De Palma, Tim Burton et Quentin Tarantino.[159]

Les deux auteurs les plus importants ont été Mario Bava et Dario Argento. Le premier, ancien directeur du directeur de la photographie, a mis en place une condition décisive pour la création d'une véritable horreur de la qualité, révélant en même temps, une image remarquable conteur, cultivé et raffiné. Un élément crucial pour le développement du genre est son premier film Le masque du diable (1960), dont l'intrigue est inspirée par l'histoire le Vij de Nikolai Gogol Vassilievitch ', qui décrit la figure du vampire dans un insolite et original, en opposition ouverte à l'iconographie traditionnelle.[160] La photographie sophistiquée, des effets spéciaux innovants et le charme mystérieux de l'actrice Barbara Steele aider à créer un sujet gothique très personnel, il est loué à plusieurs reprises par de nombreux critiques anglais et français.[161] D'autres principaux crédits de film sont les suivants: Le fouet et le corps (1962) Les trois visages de la peur (1965) peur opération (1966) Et le prédécesseur de moderne slasher Réaction en chaîne (1971).

Dario Argento, successeur idéal de certaines atmosphères baviane, a été responsable de remorquage l'horreur italienne au grand public et a trouvé le succès au cours des années soixante-dix et quatre-vingt. La poésie macabre d'argent est de nature à donner un mélange qui varie de la nature du film d'horreur fantastique, avec des films qui sont encore considérés comme un modèle à la fois d'un point de vue esthétique et de ce récit. En dépit d'avoir tiré de films tels que La fille qui en savait trop (1963) et Six femmes pour la meurtrière (1964) Mario Bava, Argento, dans ses œuvres, a pu se libérer de son maître grâce à une utilisation incessante de l'édition en combinaison avec des bandes sonores est resté dans les annales (collaboration fondamentale avec la bande de lutin). fonctionne comme L'oiseau au plumage de cristal (1970) et rouge profond (1975), ils ont imposé des chiffres et des mœurs (tueur imperméable noir, tueur subjectif, mystérieux appels téléphoniques etc ..) largement repris par tout le thriller italien et international.[162] Parmi les autres crédits de film incluent: neuf queues du chat à (1971) 4 Mouches sur velours gris (1971) Suspiria (1977) enfer (1980) obscurité (1982) phénomènes (1985) et opéra (1987).

Cinéma italien
Giuliana Calandra dans une séquence connue rouge profond (1975) de Dario Argento

Un autre pionnier a été l'artiste Riccardo Freda, que le gothique vampires (1956), il est devenu le premier italien, l'ère du son, pour diriger un film de l'installation solide d'horreur.[163] Ses autres longs métrages sont à signaler Le secret horrible de dr. Hichcock (1962) et le spectre (1963). Aussi dans les années soixante, ils enregistrent les films Moulin des femmes pierre (1960), de Giorgio Ferroni et danse macabre (1964), de Antonio Margheriti, où se mêle la mise en scène classique romance avec des thèmes sexuels morbides macabres et suggestif.[164]

Au sein de ces deux genres, cependant, autour des années soixante-dix, il développe une vague d'administration qui a réinventé différentes formes de films d'horreur laissant les contributions absolument remarquables. Parmi les nombreux que vous vous souvenez Lucio Fulci avec des œuvres Un lézard dans la peau d'une femme (1971), Ne torturez pas un caneton (1972), l'emmurée vivante (1977), Zombi 2 (1979), Ville des morts-vivants (1980), ...Et vous vivrez dans la terreur! la vie après la mort (1981) et La maison près du cimetière (1981), qui lui font gagner les titres de la presse française poète du macabre et Parrain de Gore.[165] Les critiques italiens, à l'inverse, a réévalué les œuvres fulciane que dans ces derniers temps, compte tenu de plusieurs de ses films véritables pierres angulaires du genre éclaboussure.[166]

Ne pas faire tourner les têtes du film Bologne Pupi Avati qui met en évidence avec des films La maison Rire de Windows (1976) Zeder (1983). Ils ont en outre les travaux de Ubaldo Ragona avec Le dernier homme sur Terre (1963) et Francesco Barilli qui dirige Le parfum de la dame en noir (1974). Vous pouvez être mentionné à nouveau: Sergio Martino pour les films Lame de l'Eventreur (1970) et Les corps montrent des signes de viol (1972), Ruggero Deodato avec La maison sur le bord du Parc (1980), Pasquale Festa Campanile pour le film rouge sang auto-stop (1977), Aldo Lado avec Je suis vivant (1971) et Qui a vu son Die? (1972) et Massimo Dallamano dans ce qui suit Qu'avez-vous fait à Solange? (1972) et Le médaillon Maudit (1974).

Au cours de la prochaine décennie, il met en valeur Lamberto Bava (Fils de Mario), Présentant de nombreux longs métrages qui oscillent de manière décisive à l 'horreur et éclaboussure. Parmi les nombreux sont signalés: Une lame dans le noir (1983), le dyptique démons (1985) et Démons 2 ... Les retours de cauchemar (1986), Vous allez mourir à minuit (1986) et le remake Le masque du diable (1989). De même, il met en évidence Michele Soavi, auteur de plusieurs films produits par le cinéaste Dario Argento. Parmi ses œuvres les plus connues sont: Deliria (1987), l'église (1989), la secte (1991) et cimetière Man (1994). le même Federico Fellini Il a accordé une intrigante côté horreur dans le segment Toby Dammit, une partie du film épisodique Esprits des morts (1967), suivi un an plus tard Elio Petri avec le travail un endroit tranquille dans la campagne (1968).

Les éclaboussures de sous-genre

icône Loupe mgx2.svg Le même sujet en détail: éclaboussure.
Cinéma italien
Une scène du film Zombie Holocaust (1979) de Marino Girolami

au cours de la soixante-dix la films d'horreur en fautes éclaboussure et sang, créer différents sous-genres, loin des textures et des environnements, mais assimilé la présence d'effets grandguignoleschi par le grand impact émotionnel.[167]

Elle suscite un intérêt international dans le genre cannibalistique (ou film Cannibal), Initié par Umberto Lenzi avec le sexe sauvage du pays (1972). L'idée de l'horreur des histoires / aventure dans les scénarios exotiques et solaire est un succès, en particulier sur le plan commercial, de manière à développer dans les années qui ont suivi une tendance réelle.[167] Les exemples sont La Montagne du Dieu Cannibale (1978), De Sergio Martino, et le triptyque Mangé vivant! (1979) Cannibal Ferox (1980) et Nightmare Ville (1980), Même Umberto Lenzi (Précurseur de ce dernier, selon le critique Filippo Rigobello, dans des films comme 28 jours plus tard et 28 semaines plus tard)[168].

Sur la même gamme que nous sommes: Zombie Holocaust (1979), De Marino Girolami, Viol sous les tropiques (1977) et Antropophagus (1980), De Joe D'Amato, Dernière monde cannibale (1977) et Cannibal Holocaust (1980), de Ruggero Deodato. Cette dernière caractéristique a eu de nombreuses polémiques en raison de la violence extrême effectivement transmise à de nombreux animaux. Condamné et saisi plusieurs fois est de retour en circulation avec des coupures de censure appropriées.[169] Dans les mêmes années, il sculpte quelques sottofilone soigneusement-érotique Nazie (également connu sous le nom Nazisploitation), Situé sur les victimes-geôliers combinaison qui avaient dans les films Le swastika dans le ventre (1977), de Mario Caiano, La Bestia en Calore (1977), de Luigi Batzella et Les longues nuits de la Gestapo (1977), Fabio De Agostini, une certaine importance aussi éphémère. Une telle complaisance à montrer les atrocités de toutes sortes ont eu un antécédent direct dans semidocumentario Mondo cane (1961), dirigé par Gualtiero Jacopetti, Paolo Cavara et Franco Prosperi, qu'en vertu des séquences curieuses et de la violence, il a représenté un succès même international.[170]

au cours de la années quatre-vingt, ces films exceptionnels deviennent une règle. Nous pas par hasard nous fabriqua des dizaines de thriller / films d'horreur de faible qualité (au moment où il a été préférable d'utiliser la définition de « série Z », analogue à B-movie), Souvent suivi apocryphe le célèbre film américain. Les moyens de production limités (avec environ royal, scripts tendues et jeter un peu plus d'amateurisme), n'a pas empêché ces films pour gagner, au fil du temps, une grande foule d'admirateurs.[169]

La police italienne

icône Loupe mgx2.svg Le même sujet en détail: poliziottesco.
Cinéma italien
le directeur Fernando Di Leo

Autre type de succès soixante-dix Il est le soi-disant La police italienne (Connu dans le jargon poliziottesco), Où ils sont traités à des histoires ou des commissaires de police par des méthodes peu orthodoxes, parfois pas tellement différents de ceux de leurs antagonistes. chiffres CODEST sont aux prises avec des criminels, des terroristes et des organisations criminelles et d'agir sur le fond des principales villes italiennes comme Rome, Milan, Naples, turin, Palerme, Gênes et d'autres. Les protagonistes de ces films peuvent être, aussi, les citoyens ordinaires, souvent victimes d'incidents criminels, devant l'inefficacité et la lenteur de la justice, agissant seul, devenant une sorte de Avengers dans la lutte contre la criminalité.[171]

Ces films, les charges d'action et de violence, ont des références claires aux faits de la criminalité. Ne pas oublier que ces opérations ont été affectées par l'atmosphère à l'étroit formé au cours de la soixante-dix, caractérisé par Années de plomb et stratégie de la tension. Dans ce contexte, l'augmentation de la criminalité a suscité dans le public une forte remontée, poussant de nombreux réalisateurs de se lancer sur la route du cinéma de genre. Au lieu de cela, les critiques ont tendance, immédiatement, afin de réduire la portée du phénomène et la qualité artistique de ces produits, contenus explicitement denigrandone; souvent sous la marque indifférent voire carrément subversif.[171]

Cinéma italien
Maurizio Merli dans un segment du film Le Cynique, le rat et le poing (1977) de Umberto Lenzi

Il faut aussi ajouter que la propagation de la police Il doit être pris plus tôt par l'explosion du genre occidental, dont il prend, en partie, le style et le contenu. Un changement est que le paysage qui vire nettement des zones rurales vers les bidonvilles urbains où la lutte incessante entre le bien et le mal est rien, mais un renouveau moderne des duels traditionnels en sauce occidentale. La critique localise dans le film Quatre violent (1968), dirigé par Carlo Lizzani, l'un des précurseurs directs de son genre.[172] Le travail est inspiré par les entreprises criminelles opèrent en Lombardie par l'ancien bande Cavallero.

Cinéma italien
Franco Gasparri dans une séquence du film Marquer le flic (1975) de Stelvio Massi

L'un des principaux architectes de la chance de la police italienne est certainement Fernando Di Leo, que, à plusieurs reprises, avec des films comme calibre 9 (1972), La Mala Ordina (1972) et le patron (1973), il a créé un genre de films matures et efficaces. Auteur de quelques-uns des plus intéressants film noir italien, deux mille ans a fait l'objet d'une véritable redécouverte critique, étant toujours considéré comme un maître du cinéma d'action.[173] Elle rappelle aussi le noir atypique sur le chemin Les chiens en colère (1974), le directeur Mario Bava. Le film, cynique, moqueur iperviolenta, a été immédiatement bloqué à l'échec par le fabricant à être réassemblés et doublé dans les années nonante, ce qui sur le marché au moins six versions différentes.[174] Les autres administrateurs à prendre en compte parmi les principaux personnages du genre sont: Stefano Vanzina, Umberto Lenzi, Stelvio Massi, Sergio Grieco, Marino Girolami, Mario Caiano et Enzo G. Castellari. Parmi les acteurs, ils ont eu la chance d'interprètes Enrico Maria Salerno, Franco Nero, Gastone Moschin, Mario Adorf, Maurizio Merli, Tomás Milián, Luc Merenda, Antonio Sabato et Franco Gasparri.

Cinéma italien
Tomás Milián dans le film Equipe de vol (1974) de Stelvio Massi

fonctionne comme merci de la police (1972), La police incriminent, la loi absout (1973), Les rebelles des citoyens (1974), Milan déteste: la police ne peut pas tirer (1974), violent Rome (1975), Marquer le flic (1975), Rome à la pointe du fusil (1975) et à nouveau violent Milan (1976), violent Napoli (1976), Le Cynique, le rat et le poing (1977), Brothers Till We Die (1977) et Ultime violence (1978), il a été récemment revalorisé des critiques, grâce au réalisateur Quentin Tarantino, qui, dans des interviews qu'il a publiquement fait l'éloge de l'artisanat de luxe de ces films.[175]

Tout comme dans les westerns spaghettis, même dans ce genre a développé une sottofilone comique, en particulier dans la série de films réalisés par Bruno Corbucci a été le protagoniste du commissaire du teint Nico Giraldi, joué par Tomas Milian, qui il avait déjà pris part à de nombreux caractère dramatique de détective. Dans le même sottofilone il tombe dans la saga de police napolitaine Big Foot, qui a vu la libération de quatre films, tous dirigés par Steno et interprété par l'acteur Bud Spencer. Le succès de la police italienne a cependant été aussi intense que courte, couvrant une période de temps de quinze ans à peine et puis disparaissent tout à fait à la fin des années quatre-vingt. Au cours des premières années de cette décennie la police a trouvé sa taille sur le petit écran (sous forme de fiction), Pour l'utilisation et la consommation d'un public familial, privant le type de charge violente et hyperréaliste qui caractérisait le cinéma.

espion

icône Loupe mgx2.svg Le même sujet en détail: espionnage du cinéma italien.
Cinéma italien
La maison Timeless (1943) par Andrea Forzano, l'un des premiers exemples d'espion typiquement italien

la espionnage général Il fait son apparition dans le cinéma italien au milieu sixties et la moitié des soixante-dix, atteint son apogée entre 1965 et 1967 avec la sortie de plus de cinquante films fanta-espion, tous sans prétention et porté sur la vague du succès mondial réalisé par les films James Bond (Puis joué par Sean Connery).[176]

Cette série de films (toujours faits dans un temps très court et à faible coût), visent à recréer des situations et des actions qu'ils considèrent comme protagonistes des agents secrets dans la lutte contre organisations terroristes ou parfois à l'encontre des scientifiques avec des écarts de comportement, qu'ils détiennent à des fins subversives d'armes apocalyptiques ou des armes. Les protagonistes de changement ont la tâche de suivre servilement dans l'agent James Bond figure, également attenant à la chanson thème bien connu 007 ou diminué en nombre que les autres 008, 009 et beaucoup d'autres.[177] Pour le choix du casting féminin ont été engagés, dans certains cas, des actrices célèbres qui avaient déjà travaillé sur des films espion gros budget américain et avec succès. Tout comme les westerns spaghetti et poliziottesco, ce genre a donné naissance à une parodie comique sottofilone, surtout en vogue dans les années soixante, comme indiqué dans le film Les lumières sont la semifreddo (1966), le directeur Mario Bava. La réalisation du film impliquait une coproduction italo-américaine, dans lequel elle joue duo comique Franco et Ciccio avec l'acteur américain Vincent Price. pas de pénurie parodies ayant en tant que protagoniste l'agent James Tont interprété par Lando Buzzanca, et la caricature drôle de superagente voltiger joué par le comédien de télévision Raimondo Vianello.

Parmi les quelques précurseurs tels l'espionnage en Italie sont ombres Lotte (1938) de Domenico Gambino et La maison Timeless (1943) par Andrea Forzano: Science-fiction « rose jaune » espion réalisé que films de propagande fasciste et ridoppiato puis en 1945, juste après la fin de la guerre. Cette tendance a augmenté non seulement en Italie, mais aussi dans d'autres pays comme la France (la série Agent est connu secret de Francis Coplan). En conséquence les Etats-Unis ont qualifié les critiques de ces films européens (dont l'italien) sous le nom de Eurospy.[177]

guerre

icône Loupe mgx2.svg Le même sujet en détail: euros guerre.
Cinéma italien
Une scène d'action dans le film Inglourious Basterds (1978) de Enzo G. Castellari

euros guerre (Ou en argot Combat Macaroni) est le label américain qui indique les films de guerre spécifiques développés en Italie pour tous les années soixante-dix et quatre-vingt.[178] Le genre, pour des raisons purement propagandiste, a eu une première diffusion déjà à l'époque fasciste. Le thème du film de guerre, actif États-Unis depuis les années cinquante, connaît une certaine popularité depuis la fin des années soixante, se dotant souvent peu de moyens de production et les acteurs le plus souvent inconnus. L'histoire et le scénario sont largement inspirées par des scènes de guerre est réellement passé ou, dans certains cas, imaginez simplement et avoir comme le désert de réglage ou des endroits exotiques comme 'Amérique latine, l 'Asie ou Moyen Orient.[178] Au cours des années quatre-vingt, nous assistons à une production étourdissante d'ouvrages militaires, avec l'intention évidente de rendre hommage aux films États-Unis plus cher et frappant comme Papillon (1973), Apocalypse Now (1979) et Rambo (1982).

Parmi les administrateurs qui ont excellé dans ce genre on inclut: Enzo G. Castellari, Umberto Lenzi, Joe D'Amato, Claudio Fragasso, Bruno Mattei, Fabrizio De Angelis, Camillo Teti, Armando Crispino, Ignazio Dolce et Antonio Margheriti, tandis que parmi les acteurs récurrents se souvient l'acteur allemand Klaus Kinski. Le plus célèbre du film de genre est l'anti-héroïque Inglourious Basterds, de Enzo G. Castellari (1978), Connu sous le titre de l'Internationale Inglourious Basterds.[178]

D'autres titres à citer: commandos (1968), 5 en enfer (1969), La légion des damnés (1969), Les loups attaquent en meute (1970), L'attaque majeure (1978) Le dernier chasseur (1980), Échapper archipel maudit (1981), tornade (1983) et sauvage arc (1984). Ensuite, nous trouvons: Pont en enfer (1985), équipe sauvage (1985), Commando Leopard (1985), Temps de guerre (1987), Le triangle de la peur (1987), piège diabolique (1987), Cobra Mission (1986) et Cobra Mission 2 (1989). D'autres réalisations insérés dans la veine sont: Blanc Apache (1987), Double Target (cible Double) (1987), Bye Bye Vietnam (1988), commandant (1988), grève Commando (1988), Angel Hill - Mission finale (1988), Les garçons de 42º peloton (1989), abandonnée (1989), Le dernier vol en enfer (1990) et le dyptique Indio (1989) et Indio 2 - Le soulèvement (1991).[178]

Cinéma érotique

Cinéma italien
Laura Antonelli, star du film Malizia (1973), dirigé par Salvatore Samperi

A l'intérieur du film érotique italien un cas particulier est le travail du directeur de Venise Tinto Brass. enseignants déjà assistant comme Roberto Rossellini et Joris Ivens, Il a commencé sa carrière de réalisateur avec le film métrage Au sommet de réussite (1963) Qui suit la anarchoid Qui travaille est perdu (1963).[179] au cours de la soixante-dix Il dirige des productions excentriques telles que salon Kitty (1976) Caligula (1979), a obtenu un contrat d'enregistrement avec la clé (1983), drame érotique Stefania Sandrelli dans des vêtements inhabituels et provocateurs. Dans les années qui ont suivi la production de laiton vire résolument vers le cinéma érotique, jetant de temps en temps un grand nombre d'actrices émergentes. Parmi ses films les plus réussis, citons: Miranda (1985), Capriccio (1987), paprika (1991) et Così fan tutte (1992).

Parmi les nombreux films softcore, que, parmi les soixante-dix et quatre-vingt ont envahi le marché italien, la fonction attire l'attention la séduction (1973), de Fernando Di Leo, et, dans une plus grande mesure le film Malizia (1973), de Salvatore Samperi, véritable tremplin pour l'actrice Laura Antonelli.[180] Au cours de sa carrière l'interprète istrienne a participé à de nombreux films à saveur érotique et débrayé, ne dédaignant pas les productions les plus influentes acteurs et. Parmi ses titres sont énumérés: Le merle mâle (1971), de Pasquale Festa Campanile, Sessomatto (1973), le directeur Dino Risi, créature divine (1975), de Giuseppe Patroni Griffi et Les innocents (1976), de Visconti Luchino, avec l'acteur opposé Giancarlo Giannini. En plus de Laura Antonelli, vous avez prêté à eux-mêmes différents rôles érotiques (en collaboration avec plusieurs parties engagées) comme actrices Stefania Casini, Agostina Belli, Dalila Di Lazzaro et Monica Guerritore.

Aussi dans les années soixante-dix, à la suite de la levée de boucliers le Decameron (1971), de Pier Paolo Pasolini, Il élargit les sous-genre decamerotico, dépeignant des histoires de la vie médiévale, où il est prudent de poursuivre les scènes de sexe fins beaucoup plus brut et du shopping. Parmi les administrateurs spécialisés que nous sommes: Franco Rossetti, Italo Alfaro, Mino Guerrini, Gian Paolo Callegari, Aldo Grimaldi, Bitto Albertini, Brunello Rondi, Enrico Bomba, Carlo Infascelli et Pino Tosini.

Sex Comedy et la comédie trash

icône Loupe mgx2.svg Le même sujet en détail: comédie sexy italienne.
Cinéma italien
Edwige Fenech dans un segment du film Ubalda (1972), De Mariano Laurenti

en soixante-dix le relâchement des limites de la censure de la dégénérescence du goût, et surtout la poursuite du succès commercial grâce à de petits investissements, permettent au développement, à côté de la comédie de authorial comédie sexy italienne.[181] Textures, des scénarios et des dialogues, généralement dérisoires, servent de prétexte pour développer des films en arrière-plan plus ou moins érotique et le désengagement pur. Dans ce genre de film ont lié leur renommée en tant qu'acteurs Lando Buzzanca, Lino Banfi, Gianfranco D'Angelo, Renzo Montagnani, Carlo Giuffrè, Aldo Maccione, Pippo Franco, Alvaro Vitali, Mario Carotenuto et Enzo Cannavale et actrices Edwige Fenech, Gloria Guida, Nadia Cassini, Barbara Bouchet, Carmen Villani, Anna Maria Rizzoli, Michela Miti et Lilli Carati. Parmi les auteurs, les administrateurs qui ont surtout excellé dans la direction de ces films ont été Mariano Laurenti, Nando Cicero et Michele Massimo Tarantini.

De même, depuis le quatre-vingt, l'insertion de nombreux sottoproduzioni où bouffonne divers scripts sont parsemés de gags et de situations délibérément lourdes, juste pour attirer dans les salles le plus grand nombre de spectateurs. Les critiques ont souvent marqué ces opérations comme une poubelle de cinéma (par exemple comédies camelote), ne reconnaissant pas tout cachet artistique. Au sein de cette catégorie sont comptés comme le protagoniste des films ayant le masque ludique Pierino, qui incorpore des tons avec plus flagrante le caractère littéraire anarchiques de Gian Burrasca (également apporté aux films réalisés par Pier Francesco Pingitore).[181]

Pour incarner le personnage de l'imagination populaire Pierino était plus que tout l'acteur Alvaro Vitali (Épaule Fellini déjà dans les années soixante-dix), qui a vu utiliser son succès avec l'échec de ce genre. Comme mentionné ci-dessus, à la fois la comédie sexuelle que les catégories de comédie trash ont été ouvertement méprisés par les critiques, non seulement par le public, ce qui a amené les films toujours d'avoir de hautes box. Pour cette raison, plusieurs caractéristiques, présentes dans de nombreux ensembles de la période, sont devenus très populaires dans le temps: il suffit de penser Ennio Antonelli, Giorgio Ariani, Giacomo Rizzo, Salvatore Baccaro, Franco Lechner (alias ballon) Nino Terzo et Luigi Origène Sofrano, mieux connu sous le nom Jimmy le phénomène.[181]

La crise et les années quatre-vingt

Cinéma italien
Une scène du film Il était une fois en Amérique (1984), dirigé par le réalisateur italien Sergio Leone

Depuis la fin des années soixante-dix est le premier signe d'une crise qui va exploser dans la seconde moitié de années quatre-vingt et qui continuera, avec des hauts et des bas, jusqu'au début de la quatre-vingt dix. Pour donner une idée de l'ampleur de cette crise industrielle, étant donné qu'en 1985, seuls 80 films sont produits (le plus bas depuis la guerre)[140] et le nombre total de téléspectateurs de 525 millions en 1970 jusqu'à 123 millions.[182] Il est un processus physiologique qui implique d'autres pays de la même période par la grande tradition cinématographique comme Japon, la grande-Bretagne et France. Tramonta l'époque des producteurs: Carlo Ponti et Dino De Laurentiis travaillant à l'étranger, Goffredo Lombardo et Franco Cristaldi chiffres clés plus. La crise affecte principalement la le cinéma de genre italien, qui, en vertu de l'affirmation télévision commercial, Il est privé de la grande majorité de son auditoire. En conséquence, les chambres sont monopolisés par de riches films d'Hollywood, qui reprennent de façon permanente. De nombreuses chambres à proximité, et d'autres pour survivre se transformer en cinéma porno.

Il est un phénomène tout à fait isolé l 'exploiter Il s'établit en tant que réalisateur Bernardo Bertolucci que le blockbuster Le dernier empereur (1987), ont trouvé une large résonance. Un seul cas est le dernier film Sergio Leone, Il était une fois en Amérique (1984), entièrement pris en charge par les capitales de provenance d'Hollywood. Le travail, construit sur l'utilisation extensive de la formule 'analepse et prolepsis, Il raconte les péripéties dramatiques du criminel David « Noodles » Aaronson et sa transition progressive de l'environnement du ghetto juif de la pègre de New York. Écrit par Leo avec les scénaristes Leo Benvenuti et Piero De Bernardi, malgré l'échec du public, il reste une incarnation même du directeur de poétique et l'un des plus importants films italiens de la décennie.

Cinéma italien
Nanni Moretti un Giffoni Film Festival, en 1986

la films d'art donc il tend à isoler, avec une série de films qui sont difficiles à intégrer dans un développement commun. De nombreuses grandes personnalités du cinéma italien disparaissent: de Vittorio De Sica à Pietro Germi (1974), par Pier Paolo Pasolini (1975) à Visconti Luchino (1976), Roberto Rossellini (1977), Elio Petri et Valerio Zurlini (1982). D'autres chiffres consolidés se trouvent qu'occasionnellement un vrai soutien populaire, comme dans le cas du dernier film Michelangelo Antonioni, intitulé Identification d'une femme (1982), alors que Federico Fellini Il trouve sa meilleure veine avec le film Ginger et Fred (1985). Cependant, de tels films, favorisés par la loi 1213 de 1965, qui alloue des fonds publics pour la production (y compris la mise en place du Italnoleggio), ne sera pas entièrement l'écart entre le public et le cinéma d'art, de plus en plus relégués aux marges de la distribution.

En outre, l'évolution des conditions socio-économiques du temps et déplacement inévitable avec l'âge d'une génération, conduisant à la fin de la saison comédie italienne, En dépit de ses auteurs restent, avec un succès mitigé, en plein essor. Le seul à recentrera succès commerciaux seront Mario Monicelli, grâce à la virtuosité Le Marchese del Grillo (1981) et la chorale Espérons que c'est une fille (1986); à la fois Ettore Scola obtenir des résultats intéressants dans la production musicale Bal (1983) et la saga minimaliste la famille (1987).

Quant aux auteurs émergents, le premier est le plus frappant de Nanni Moretti, que, en 1976, fonctionne super 8 Je suis un autarcique, Le jeu libre sur la gauche après-soixante-huit, la petite bourgeoisie romaine et le mode de la jeunesse de la classe moyenne. Le film est un grand succès et fait Moretti le plus grand exposant du « Film jeunesse », en contraste frappant avec l'industrie dominante. Son style de signature est consolidée Ecce bombo (1978) Fais de beaux rêves (1981), à mi-chemin entre la comédie satirique et regard critique sur la société. les films suivants ont recours à une structure narrative plus solide pour mettre en scène les incertitudes des personnages incapables de s'adapter à la société autour d'eux est le cas de l'existentiel jaune blanc (1984) et le dramatique La messe est terminée (1985), qui saisit parfaitement le point des années quatre-vingt rupture, l'ouverture d'un cinéma délibérément essentiel et analytique. La décennie de Moretti se termine par un de ses film le plus complexe et apprécié, Palombella rossa (1989), une réflexion critique sur la transformation difficile de la gauche italienne à la veille de la dissolution PCI[183][184].

Parmi les autres surprises de nous « Film jeunesse »: Giuseppe Bertolucci avec Berlinguer Je vous aime (1977), Paolo Pietrangeli avec Les porcs avec des ailes (1977), Salvatore Piscicelli avec Immacolata et Concetta, l'autre jalousie (1979), Peter Del Monte avec Invitation au voyage (1982), Francesco Laudadio avec grog (1982), Cinzia TH Torrini avec jeux d'argent (1982), Claudio Caligari avec L'amour toxique (1983) et Nico D'Alexandrie avec L'empereur de Rome (1987).

La nouvelle comédie

Cinéma italien
Carlo Verdone dans le film Borotalco (1982)

Au nom de Moretti est joint à celui de la « nouvelle comédie », réalisateurs et acteurs de différents styles, mais ils sont tous appelés promesses de renouveau de la comédie italienne moribonde.[127] Le premier artiste à mettre en est Roberto Benigni qui, grâce à son impétuosité satirique (propre langue vernaculaire toscane), conduit au cinéma un personnage comique empreinte populaire, se remettre rapidement dans le film Berlinguer Je vous aime (1977). Puis, sans renoncer à être dirigé au plus haut niveau ( Marco Ferreri en La demande d'asile, 1979 de Federico Fellini tout La Voix de la Lune, 1990 et Blake Edwards tout Fils de la panthère rose, 1993), deviendra l'auteur de leurs films surréalistes mouvement de registre Vous me déranger (1983) et Le Petit Diable (1988), la comédie d'erreurs de Johnny Toothpick (1991) et le monstre (1994), à des projets plus ambitieux et le succès international (La vie est belle, 1997).

Originaires de théâtre mime et Film d'animation, Maurizio Nichetti mettre à jour le registre de mute comique et comédie burlesque en Ratataplan (1979) et Je n'éclabousse (1980), un des genres de film de parodie Voleur Icicle (1989) et des mélanges de l'action en direct et dessins animés volerai (1991). D'un côté plus traditionnel, Carlo Verdone Il offre en Un beau terrain (1980) et Rouge Blanc et Verdone (1981) un sketch comique structuré en autonome et régie par une capacité sans précédent pour créer des personnages typés. le consentement de confirmation acquis au plus tard Borotalco (1982) et Eau et du savon (1983). Du point de vue narratif, il est plus complexe le film ensemble ses camarades de classe (1988), Maudit soit le jour où je vous ai rencontré (1992) et Perdiamoci de vue (1994), où émerge une latent jusque-là mélancoliques.

La compagnie de théâtre phare de Exponent la Grimace (Fondé avec Lello Arena et Enzo Decaro) Massimo Troisi renouvelle la comédie napolitaine avec Jour de la marmotte trois (1981) et Désolé pour le retard (1983), puis de le contaminer avec le sentimentalisme et la réflexion historique dans le film Les voies du Seigneur sont sur (1987). La consécration est venue en 1989 où l'acteur Campanien a remporté le prix du meilleur interprète Festival du Film de Venise (Conjointement avec Marcello Mastroianni) Pour le film Quelle heure est-il? (1989), dirigé par Ettore Scola. Après avoir joué dans les films d'autres personnes (la plupart du temps Maurizio Ponzi), Également Francesco Nuti ses débuts de réalisateur avec Casablanca, Casablanca (1985), présentant les films à succès La faute du paradis (1985), Caruso Pascoski Di Padre Polacco (1988) et Willy Signori et je viens de loin (1989). Au cours des deux mille ans sa créativité semble manquer, aussi à cause de problèmes de santé graves[185].

En 1984, il arrive dans les salles Nous devons juste pleurer, mettant en vedette et dirigé par Troisi et Benigni, dont le gag, des citations et des séquences paradoxales, ont fait, dans le temps, l'un des films les plus célèbres de la nouvelle comédie. Parmi les actrices qui ont accompagné, à plusieurs reprises, cette nouvelle vague d'artistes sont: Ornella Muti, Eleonora Giorgi, Giuliana De Sio, Nicoletta Braschi, Athina Cenci et Angela Finocchiaro.[186]

De nombreux humoristes nécessaires au baptême par la télévision et cabaret aura une grande popularité tout au long de la décennie, les acteurs et les caractéristiques de remplacement progressivement comédie italienne. En plus des films acteur testé Paolo Villaggio (Le plus direct de Neri Parenti), Obtenez les interprétations rappellent Renato Pozzetto et Enrico Montesano, présent dans les différentes réalisations du temps, qui est lu autorité. Ici monter sur la scène: Adriano Celentano, Lino Banfi, Massimo Boldi, Christian De Sica, Jerry Calà et Diego Abatantuono (Qu'il avancera sur un registre plus engagé grâce à des collaborations avec Gabriele Salvatores et Pupi Avati). Les administrateurs de référence sont Castellano et Pipolo, Enrico Oldoini et surtout Carlo Vanzina, que, dans un an, il lancera comme une boîte de production saveur mer (1983) - nostalgique revisitant l'imagination des années soixante - et commune farce Vacances de Noël (1983), prodrome au développement futur de cinepanettoni.[187][188]

Loin de Rome

Cinéma italien
Rêve d'une nuit d'été (1983), premier film Gabriele Salvatores

Au cours des années quatre-vingt les méthodes et les environnements de production changent considérablement. Toute l'Italie viennent à la vie et la propagation de nombreux pôles créatifs, pour des ambitions et des résultats différents, le partage de la distance du centre de production de Rome et les réalisateurs du film consolidé. Né un chiffre sans précédent dans le cinéma italien, cinéaste, qui supervise personnellement l'ensemble de la procédure d'un film (de l'écriture à la photographie, dirigée par l'éditeur), souvent fait vidéo avec maigre capital. L'émergence de ce chiffre, le résultat de l'éducation de masse qui a augmenté les possibilités d'accès aux professions intellectuelles et artistiques, trouver les homologues sensibles sur la pente critique, en particulier grâce aux pages culturelles du affiche et renaissance[189].

Milan est le centre de cette tendance grâce aux nombreuses coopératives et le soutien de la province. Le groupe d'administration comprend Massimo Mazzucco (été, 1982), l'artiste vidéaste Paolo Rosa (L'observatoire nucléaire de M. Nanof, 1985) et Giancarlo Soldi (minces poignets, 1985). Le seul à faire une grande impression Silvio Soldini, que, avec Giulia en Octobre (1985) et Pacifiques Air de l'Ouest (1990) renouvelle la leçon de Antonioni, est devenu un modèle pour les films indépendants afin de venir.[190] A Milan, il est également actif Gabriele Salvatores, ce qui conduit à filmer son expérience de théâtre Rêve d'une nuit d'été (1983) et Kamikazen - La nuit dernière à Milan (1987).

A Turin, le Festival du Film jeunesse (plus tard Turin Film Festival) Etats la pratique du court métrage comme une forme d'expression loin de contraintes industrielles. Dans ce contexte, il passe au cinéma Daniele Segre, photographe déjà militant, avec des documentaires sur les questions sociales souvent fait pour RAI et deux longs métrages, rock Head (1982) et Manille paloma blanca (1992). Une voie similaire est celle de l'ancien critique Davide Ferrario, à la fin de la décennie commence par le film La fin de la nuit (1989). De même, la Bellaria festival recueille une production indépendante et de plus en plus avec l'utilisation généralisée de la technologie vidéo, tandis que dans Bassano del Grappa Ermanno Olmi et Mario Brenta organiser l'école Cinéma Hypothesis, assisté entre autres par les administrateurs Maurizio Zaccaro et Giacomo Campiotti, que les années seront plus tard réaliser des produits uniques tels que La vallée de la pierre (1992) et Comme deux Lézards (1994). Même la branche italienne du Gaumont Elle est active dans le soutien aux nouveaux arrivants, mais l'échec précoce empêche tout résultat significatif.[191]

D'autres auteurs

Cinéma italien
Une image du film La planète bleue (1983), de Franco Piavoli

En même temps, les autres administrateurs font leurs débuts en catimini, mais sont conçus pour laisser des traces plus durables dans les années suivantes. Marco Tullio Giordana Il dirige en 1979 J'aime le Damned, qui, avec ce qui suit La Chute des anges rebelles (1981) explore le monde de l'extrême gauche dans la période de reflux. Dans les années qui suivirent, il revient au cinéma de temps en temps, se consacrer à l'installation sociale avec le film Rencontres à Liverpool (1988) et surtout Pasolini, un crime italien (1996).

L'autre grands débuts de la décennie est Gianni Amelio, qui, après des années de courts métrages et des documentaires pour la RAI va Coup dur pour le coeur (1983), l'un des rares idées sur le terrorisme, suivie Les garçons Panisperna (1988)[192]. Marco Risi Il dirige les comédies interprétées par certains giovaniliste Jerry Calà, puis changer radicalement avec log Les soldats - 365 aube (1987) et, dans une plus large mesure avec dramatiques de prison Mery pour toujours (1989) et junior extérieur (1990), témoin de la renaissance d'une veine réaliste. Entre autres révélations de la décennie méritent d'être soulignés: Luigi Faccini, pour le cinéma historique Dans la ville perdue de Sarzana (1980), Francesca Comencini, avec piano (1984) et Carlo Mazzacurati, avec Nuit italienne (1987). Parmi les auteurs les plus originaux et isolé de la période devrait mentionner Franco Piavoli, que si elle n'a jamais entré dans le monde du cinéma professionnel, il a laissé des preuves d'une grande importance. Après avoir fait plusieurs documentaires dans les années soixante, avec ses débuts dans lungomentraggio La planète bleue (1983), une méditation originale sur les cycles de la nature qui plie les codes du documentaire vers une forme poétique; Le talent du réalisateur est confirmé par Nostos - Le Retour (1990), l'interprétation inédite du mythe de Ulysse qui se transforme en une exploration de l'inconnu, et Des voix en temps (1996), fresque visuelle et sonore sur les saisons de la vie et de la nature[193].

années nonante

Cinéma italien
le directeur Giuseppe Tornatore

La crise économique a vu le jour en années quatre-vingt Il commencera à disparaître dans la prochaine décennie. Néanmoins, les saisons 1992-1993 et ​​1993-1994 marqueront un niveau record du nombre de films réalisés dans la part du marché intérieur (15%), le nombre total de téléspectateurs (moins de 90 millions par an) et le nombre de chambres[194]. L'effet de ce déclin industriel marque la percée finale de la télévision comme un moyen privilégié de divertissement, de façon à incorporer en lui-même tous les le cinéma de genre, pas plus le droit de rivaliser avec les grands blockbuster Hollywood.

Dans cet état de stagnation l'émergence de nouvelles personnalités du cinéma qui atteignent bientôt la célébrité et la notoriété. En collaboration avec le cinéaste Gianni Amelio, Il affirme le directeur de Sicile Giuseppe Tornatore En 1986, il apporte au film grand écran la Camorra, faire, deux ans plus tard, Cinéma Paradiso (1988), doux-amer Amarcord dit par le point de vue d'une salle de petite ville. Le film recueille la visibilité à travers le monde, en remportant le Grand Prix du Jury Festival de Cannes et plus tard, en 1990, l 'Oscar du meilleur film étranger. En 1995, il dirige Le Star Maker, remportant le Grand Prix du Jury Festival du Film de Venise. Après une série de films comme La légende du Pianiste sur l'océan (1998), Malena (2000) l'inconnu (2006), en 2009, le film tourne Baarìa, dont l'intrigue raconte une partie de la vie réelle dans sa ville natale.

Un autre directeur de s'établir dans les années quatre-vingt et début des années nonante fin est certainement Gabriele Salvatores. En 1989, il est noté pour le travail Marrakech express, Il a suivi, en 1990, Turné. Le troisième film, intitulé Méditerranée (1991), conclut le soi-disant « trilogie échapper », qui sera idéalement poursuivie avec la prochaine Puerto Escondido (1992). Consacrer le film « à tous ceux qui fuient » le réalisateur napolitain tisse un éloge funèbre de la rébellion en utilisant les années quarante comme une métaphore des rêves et des espoirs post-sessantottino.[195] Le travail lui a valu le Prix ​​Oscar comment Meilleur film étranger. En 2003, il a dirigé Je ne suis pas Scared, dont le sujet est tiré de 'roman du même nom de Niccolò Ammaniti.

Les travaux de presse tout aussi importants dans la première moitié des années nonante sont certainement les derniers travaux de Fellini (La Voix de la Lune 1990), Jonas qui a vécu dans la baleine (1993), qui met en évidence les qualités artistiques du cinéaste Roberto Faenza, Au-delà des nuages (1995) de Michelangelo Antonioni et Wim Wenders et L'amour Nasty (1995) La napolitaine Mario Martone. Les débuts direction du film Martone est 1980 avec un court-métrage parrainé par Banco di Napoli, suivie Forêt-noire (1982). Au bout de dix ans, il est révélé au public avec son premier long métrage Joyeuses funérailles (1992), qui lui a valu la Grand Prix du Jury un Venise. En 1998, il est sorti en salles Théâtre de Guerre. Le film, présenté dans la section Un Certain Regard un 51e Festival de Cannes, Il est une réflexion sombre sur la cohérence de la douleur, qui décrit avec l'esprit et la vérité des accents toute la beauté (et les contradictions) de Naples.[196]

Également au cours de cette période, il a développé un petit pain d'origine du cinéma néoréaliste, contaminée par les matières civiles qui adhèrent à l'actualité. Dans ce volet (appelé nouveau néoréalisme) Appartenir films comme Ultrà (1991), Axé sur la violence des fans de football, le stock (1993) inspiré à la musique contemporaine meurtres de mafia sicilienne et vie étranglé (1996), tous dirigés par le réalisateur Ricky Tognazzi. Un autre point fort à cet égard sont les suivants: La paroi en caoutchouc (1991), de Marco Risi, têtes rasées (1993) de Claudio Fragasso, violent portrait de l'environnement skinhead et Néo-nazi, Loi du courage (1993) de Alessandro Di Robilant et Cops (1994), réalisé par l'acteur et metteur en scène Giulio base de. Un autre film sur le sexe et influencé par les événements à venir à Cosa Nostra il est Giovanni Falcone (1993) de Giuseppe Ferrara, travail qui raconte les derniers jours des magistrats siciliens Giovanni Falcone et Paolo Borsellino, joué par Michele Placido et Giancarlo Giannini.

Loin des modes et des courants se propagent au cinéma Pasquale Pozzessere, que dans le premier film vers le sud (1992) explore la rhétorique désintégration urbaine et environnementale des années nonante Italie, avec des plans qui sont liés directement au cinéma Michelangelo Antonioni et Pier Paolo Pasolini.[197] Parmi les travaux à venir là-bas Père et fils (1994) et le film de caractéristique de l'engagement civil Témoin à risque (1997). Pour citer les administrateurs Emidio Greco avec Une histoire simple (1991), Guido Chiesa avec L'affaire Marteau (1992), Wilma Labate avec ma génération (1996), Fulvio Ottaviano avec De plus en plus Artichauts à Mimongo (1997) Alessandro D'Alatri, qui a fait ses débuts sur le grand écran avec le film rouge américain (1991). Parmi les nouveaux arrivants est la période Mimmo Calopresti qui dirige Nanni Moretti tout La deuxième fois (1995) et a confirmé sa qualité avec la prochaine Notes de l'Amour (1998). Riche en idées et des sentiments est le film dell'italoargentino Marco Bechis, le développement des œuvres de réflexion et intense Alambrado (1991) et garage Olimpo (1999), où le réalisateur raconte la dictature argentine Videla suite à l'histoire d'un jeune professeur d'école primaire.

Cinéma italien
Une image de Hommes, années, la vie (1990), les directeurs Angela Ricci Lucchi Yervant et Gianikian

Après une télévision durable apprentissage en tant que concepteur de la production, il a fait ses débuts dans le monde du réalisateur et peintre Antonio Capuano. Dans le long métrage Vito et les autres (1991), les films auteur dédaigneusement courage cru et le sort des mineurs délinquants napolitains. ils suivent Pianese Nunzio, le 14 mai (1996), La poussière de Naples (1998) Guerre de Mario (2005), qui traite de la finesse psychologique une histoire d'amour contraste entre une mère et un fils.[198]

Les mêmes questions sont abordées par le directeur ligure Luigi Faccini dans les films Nuit des étoiles (1991) et Jamaïque (1998), marquée par le déclin des banlieues romaines. Il est souligné, en outre, la production de l'artiste Paolo Benvenuti, que, après de nombreux courts métrages pour la télévision Etat, il réalise des films de la forme picturale et la valeur éducative tels que: Le baiser de Judas (1988), Confortorio (1992) et Tiburzi (1996).

Après un long apprentissage que directeur adjoint de Luigi Comencini, Maurizio Sciarra Il réalise son premier long métrage appelé La chambre Scirocco (1997). Quatre ans plus tard, il reçoit Léopard d'or le Festival de Locarno pour le film A la révolution sur deux chevaux (2001). En outre, ils atteignent le cinéma du grand public Roberta Torre (Tano mourir, 1997) et celle de Giuseppe Piccioni, que son travail Exceptionnel (1998), elle a été nommée oscar Meilleur film étranger.

Enfin, il mentionne le travail de deux cinéastes expérimentaux Angela Ricci Lucchi Yervant et Gianikian que, depuis plus de trente ans de carrière, a présenté des documentaires sur les événements tragiques de la Première Guerre mondiale. Les deux administrateurs, ce faisant, ils ont récupéré de nombreux documents d'archives, avant d'être agrandie et tonifiée pour donner une valeur ajoutée aux cadres existants et conduire le spectateur à réfléchir sur les atrocités de toutes les guerres.[199] Pratiquement inconnu en Italie, ils se sont rencontrés, depuis les années nonante, l'estime et l'appréciation dans de nombreux festivals européens; parmi leurs films sont présentés les plus connus: Hommes, années, la vie (1990) - axée sur le massacre des Arméniens - et tryptique de guerre Les prisonniers de guerre (1995) Sur tous les sommets est la paix (1998) Oh! homme, présenté en Quinzaine des Réalisateurs la Festival de Cannes en mai 2004.

La comédie dans les années nonante

Cinéma italien
Paolo Villaggio dans le film J'espère que je gère, de Lina Wertmüller (1992)
Cinéma italien
Nanni Moretti dans le film Cher journal (1993)

reprend peu à peu la comédie de l'action, aussi revisité avec des thèmes et des styles contemporains. Dans la première moitié des années nonante, ils reçoivent acclamer le comédien toscan Alessandro Benvenuti, avec Bienvenue chez Gori (1990), Massimo Troisi, avec Je pensais que c'était l'amour ... mais ce fut un concert (1991), Lina Wertmüller, avec J'espère que je gère (1992) et l'artiste romain Carlo Verdone, qui retourne à l'expérience du champ comique dans les films à succès et d'autres vidéos lunes de miel (1995). Enfin, bénéficié d'un grand acteur et plus tard directeur de Florence Leonardo Pieraccioni, en particulier avec les comédies de jeunesse comme diplômés (1995) le cyclone (1996) feu d'artifice (1997).

Pendant ce temps, Nanni Moretti soulève son chemin droit d'auteur avec la sincère et autobiographiques Cher journal (1993), suivi par avril (1998), où l'artiste se documente devant l'évolution de la situation politique italienne. En 1994, il a fait son premier long métrage du film Livourne Paolo Virzì, immédiatement salué par la critique comme une révélation. Ses premiers films comprenaient ce qui suit: La bonne vie (1994) Vacances en Août (1995) Ovosodo (1997), qui a remporté le Grand Prix du Jury Festival du Film de Venise.

Il est précisé au début dans le cinéma de la décennie Daniele Luchetti, constamment tiraillé entre la comédie classique et une attention de l'engagement civil mature. Parmi ses œuvres les plus importantes comprennent: le sac (1991), l'école (1995) petits enseignants (1998) et plus récemment Mon frère est fils unique (2006) notre vie (2010). Dans le fossé milieu des années nonante critique grotesques mises en scène des artistes Chypre et Maresco mettant à profit l'expérience de la télévision cynique TV dans le premier film Brooklyn Uncle (1995) et après Toto qui vécut deux fois (1998) Nous et le duc - quand Duke Ellington a joué à Palerme (1999). Le style irrévérencieux des deux auteurs procèdent par accumulation d'épisodes dans un univers totalement chicanes hyperbolique, entre enthousiasme et slating.

A la fin des années quatre-vingt, il a fait ses débuts derrière la caméra pour le réalisateur Roman Francesca Archibugi avec la comédie Mignon Has Come (1988), mettant en vedette Stefania Sandrelli. Après le film vers le soir, (1990), réalisé en 1993 La grande citrouille. Dans ce travail, le Archibugi aborde le sujet difficile neuropsychiatrie, inspiré par un essai de psychiatre Marco Lombardo Radice et ses expériences dans le département de la Via dei Sabelli à Rome.[200]. Parmi ses différents films sont présentés: Le poirier (1998), Cours de pilotage aérien (2006) Questions du coeur (2009). Il faut aussi le domaine du travail du directeur Carlo Mazzacurati que la fonction le taureau (1994), reçoit le Lion d'argent à festival de Venise.[201]

Cinéma italien
Massimo Troisi, candidat en 1996 à Oscars comment meilleur acteur pour le film le postier
Cinéma italien
Roberto Benigni avec Nicoletta Braschi un 1998 Festival de Cannes

L'italo-suisse Silvio Soldini continue à offrir des films de type aigre-doux, qui ne rentrent pas facilement dans tout genre prédéfini. Au cours des années nonante, il dirige certains de ses films les plus connus tels que Âme divisé en deux (1993), l'acrobate (1997) Pain et tulipes (1999), qui a remporté neuf David di Donatello et cinq ruban d'argent.

Juste au sein de la comédie, entre le milieu des années quatre-vingt et début des années nonante, il est entré dans un nouveau groupe d'acteurs qui rôles alternatifs habilement engagés à ceux plus légers, parmi les nombreux sont mentionnés: Sergio Castellitto, Silvio Orlando, Sergio Rubini, Fabrizio Bentivoglio, Alessandro Haber, Ennio Fantastichini, Claudio Amendola et Carlo Delle Piane (Déjà actif en tant que personnage depuis plus de trois décennies). Du côté des femmes émergent: Margherita Buy, Valeria Golino, Laura Morante, Anna Bonaiuto, Valeria Bruni Tedeschi, Francesca Neri, Lina Sastri, Isabella Ferrari, Sabrina Ferilli et Monica Bellucci.

En Septembre 1994, il a été libéré dans les salles le postier, réalisé par Michael Radford et joué par l'acteur Massimo Troisi. Le film, basé sur le roman ardiente paciencia chilien Antonio Skármeta, Il est le témoignage artistique acteur napolitain qui frappe le but de faire revivre la tradition de haute comédie italienne torsion internationale et anti-Hollywood.[202] Le travail a reçu des critiques élogieuses en Italie et à l'étranger et obtenir 5 nominations Oscar 1996. Troisi, qui est mort douze heures après la fin du tournage d'un arrêt cardiaque, sera attribué par le Union National Film journalistes italiens un spécial Ruban Argent spécial.[203]

Les dernières années de la décennie a vu le triomphe international de Roberto Benigni avec acclamé La vie est belle (1997). Le acteur-réalisateur, qui a récompensé le public avec un fond Johnny Toothpick (1991) et le monstre (1994), amène à l'écran un jeu 'Italie fasciste, accentuer la dramaturgie avec l'action de déplacement à l'intérieur de la bière blonde allemande nazis. Dans un premier temps, le projet comprend une écriture comique exclusive dans un établissement; plus tard, le script est de prendre délibérément l'apparence d'une comédie avec un fond dramatique. Le film (Oscar du meilleur film étranger en 1999) obtient un énorme tollé dans le monde, ce qui porte le comédien toscan à recevoir, dans la même année, le 'Oscar du meilleur acteur protagoniste. À ce jour, l'artiste Vergaio, est le seul interprète masculin italien d'avoir reçu une telle reconnaissance.[204]

Le nouveau millénaire

Cinéma italien
le cinéaste Marco Bellocchio

Avec l'arrivée du nouveau cinéma d'auteur du millénaire trouve son appel grâce à un grand groupe de cinéastes, dont beaucoup sont déjà actifs au cours des décennies précédentes. En plus du succès de Nanni Moretti un Festival de Cannes pour La Chambre du Fils (2001), suivie par la forte et débattue le Caiman (2006), récupère les nouveaux jus créateurs du cinéma Marco Bellocchio. Définitivement archivé discuté de sa collaboration avec les grains de Psychanalyste, il produit deux longs métrages acclamés: La religion Heure (2002) Buongiorno, notte (2003) consacré à l'enlèvement de Aldo Moro qui offrent pas des reconstructions historiques charge le grand film de l'invention expressive, largement montré dans les séquences finales qui offrent une libération imaginative de l'homme d'État démocrate.

Il est à pleine maturité artistique du cinéma Pupi Avati que, depuis les années soixante-dix a alterné avec l'intelligence cinématographique de films comiques qui sont proches de réels progrès dans le genre d'horreur. A partir du film cadeau de Noël (1986), il combine des éléments burlesques et spectaculaires avec la compacité et l'équilibre. Deux mille ans connaissent les évaluations et les acclamations des films comme: coeur Ailleurs (2003), La deuxième nuit de noces (2005) et Père de Giovanna (2007).

Cinéma italien
Pupi Avati

De même, ils atteignent la paternité chrismale de longs métrages Paolo Virzì photographier avec lucidité et ironie mordante les différents visages Italie actuelle. des films comme Caterina dans la grande ville (2003) Toute la vie devant (2008) et La première chose Belle (2010), Exiger comme l'un des héritiers naturels du comédie italienne. Toujours sur le fond de la pièce, au bout de sept ans, il est de retour derrière la caméra sur novantunenne Mario Monicelli qu'il réalise son dernier film Roses du désert (2006). le même Michelangelo Antonioni, après près de dix ans de silence, il revient à diriger dans vos films Éros (2004).

Au début de la décennie, il GARDERA l'artiste milanais Marco Tullio Giordana, en particulier avec le film Cent étapes (2000), centré sur la figure de Peppino Impastato et surtout avec le travail de la rivière Le meilleur de la jeunesse (2003), qui, à travers l'histoire d'une famille italienne, retrace l'histoire moderne de la nation, à partir des années soixante du XXe siècle les premières années du millénaire. Le film mêle la participation du mélodrame et de réflexion sociale, et cela aussi à cause de la paire éprouvée de scénaristes Stefano Rulli et Sandro Petraglia.[205] Le travail lance une série d'acteurs très polyvalents comme Alessio Boni, Luigi Lo Cascio, Maya Sansa, Fabrizio Gifuni, Sonia Bergamasco et Jasmine Trinca. Il est extrêmement consolide le cinéma et Francesca Cristina Comencini. Filles d'art de célèbre réalisateur Luigi Comencini, A la suite atteindre deux mille ans avec des films L'espace blanc (2009) Ne dites pas à (2005), Qui a gagné, un an plus tard, la nomination oscar Meilleur film étranger.

Cinéma italien
Le directeur napolitain Paolo Sorrentino

L'héritage le plus important du cinéma italien du nouveau millénaire vient d'administration Paolo Sorrentino et Matteo Garrone. Sorrentino a fait son premier long métrage en 2001 avec Man Up qui raconte l'histoire parallèle de deux perdants, marquant la première collaboration avec l'acteur Toni Servillo. la prochaine les conséquences (2004), a obtenu un examen du public et encore plus critique. En 2008, il sort dans les salles Il Divo, vaguement basé sur la biographie de M. Giulio Andreotti, il voit un interprète sans pareil Toni Servillo. Le travail a été bien accueilli par la critique, a remporté le Prix ​​du jury un Festival de Cannes. Le directeur (également écrivain), dans la reconstruction de la vie de l'homme d'État public et privé tissages, en alternance avec d'autres scènes hypothétiques basées sur des faits avec un style souvent mouvementé et feu d'artifice.[206]

Garrone après plusieurs longs métrages et plusieurs documentaires connaît le succès critique du film le embaumeur (2002), qui marque un véritable tournant dans la carrière et la poétique de l'artiste. Les moissonneuses-batteuses de travail, de manière rigoureuse, les éléments typiques de noir l'intérieur d'une narration picturale planant entre le réalisme et l'abstraction. En 2008, le réalisateur romain est sur la Croisette avec le film Gomorrhe, adapté de plainte du même nom du livre de Roberto Saviano et conquiert Grand Prix de Cannes. Le film laisse volontairement de côté les plus Chronicles articles liés à la criminalité organisée se concentrer sur cinq histoires personnelles qui ont tous la tâche de révéler la relation subtile entre le monde légal et illégal.[207] Bien que stylistiquement différent, à la fois Il Divo que Gomorrhe Ils se réuniront dans un effort pour revenir à dire à travers le cinéma, les aspects critiques de la société italienne. L'excellente réponse au box-office des deux films marque une renaissance décisive des films d'art italiens, capables en même temps pour atteindre un large appel public.[208]

Plus de deux mille ans, il affirme une nouvelle génération d'artistes, y compris Claudio Santamaria, Stefano Accorsi, Kim Rossi Stuart, Pierfrancesco Favino, Elio Germano et Riccardo Scamarcio. Tous les acteurs mentionnés ci-dessus jouent ensemble dans le film à succès Roman policier (2005), dirigé par Michele Placido, basé sur 'roman du même nom de Giancarlo De Cataldo et concentré sur les événements sanglants de Banda Magliana (Ce qui est apparu dans son propre série télévisée). Ces dernières années, en plus de Michele Placido, directeur passe comme acteurs de renommée Sergio Rubini et Sergio Castellitto qui connaît une bonne réponse du public et des critiques avec le film Ne pas déplacer (2004). D'autres acteurs populaires de la nouvelle génération sont les suivants: Giovanna Mezzogiorno, Valerio Mastrandrea, Alessandro Gassman, Sandra Ceccarelli, Filippo Timi, Giuseppe Battiston, Micaela Ramazzotti, Alba Rohrwacher et Donatella Finocchiaro.

Pour ne pas oublier le directeur italo-turc Ferzan Özpetek qui obtient suivi la direction charnière du film sur les difficultés de couple, le deuil et la condition homosexuelle, toutes les questions de traçabilité dans des œuvres telles que Le bain turc (1997) Les Fées ignorantes (2000) Fenêtres Parement (2003) Coeur sacré (2005) et Saturne en opposition (2007). En même temps, ce qui rend l'écart avec le public un certain film romantique de caractère adolescent, dont certains tournés par les directeurs Romains Fausto Brizzi et Gabriele Muccino. Sur le premier se souvient Etrange (2006), le second: Last Kiss (2001) Se souvenir de moi (2003) et plus adulte La poursuite du bonheur (2006), tourné en Amérique et mettant en vedette Will Smith.

Dans le domaine du cinéma comique, ainsi que les comédies de directeur Carlo Verdone, obtenir les grande affirmation du trio Aldo, Giovanni Jacques, auteurs et interprètes de films comme Trois hommes et une jambe (1997), Telle est la vie (1998), Demandez-moi si je suis heureux (2000) Savez-vous Claudia? (2004), tous dirigés par le directeur Massimo Venier. le même Roberto Benigni retourne au cinéma avec le très controversé Pinocchio (2002), suivi par Le tigre et la neige (2005), qui voit la participation de l'acteur français Jean Reno. De même, parmi les années nonante et deux mille ans, ils connaissent le consentement des films de l'acteur Antonio Albanese, le directeur Toscane Giovanni Veronesi, de Massimo Ceccherini (Épaule déjà Leonardo Pieraccioni) Et de suivre le directeur de l'interprète et le théâtre Vincenzo Salemme.

En continuant avec les films de comédie confirmé soi-disant blockbusters ciné-panettone, ainsi nommé pour la distribution théâtrale annuelle au cours de la saison de Noël. Cette tendance est interprétée par le duo cohérente de la comédie populaire Massimo Boldi et Christian De Sica (Plus tard separatisi) et dirigé par des réalisateurs comme spécialistes Neri Parenti et Carlo Vanzina. Les cinepanettoni apparaissent comme des films du caractère national décrivant le récit sans prétention les aventures de différents personnages dans les zones exotiques, toujours utilisé comme des lieux de vacances. Bien que ces films ont été accusés de banalité, voire vulgaire, étaient familiers au public avec beaucoup de succès.[209]

D'autres leviers du cinéma italien

Cinéma italien
le directeur Giorgio Diritti

Le nouveau millénaire apporte avec elle une nouvelle vague d'administration, qui rafraîchit et réinterprète le cinéma d'auteur italien, souvent et volontiers se placer dans une sorte de zone franche, entre tradition et modernité. A cet égard, ils sont considérés avec satisfaction les jeunes cinéastes Alex Infascelli pour presque Bleu (2001) et Emanuele Crialese, qui suscite l'intérêt avec le deuxième travail souffle (2003) et, dans une plus large mesure avec la fresque golden Door (2006), dans lequel il décrit la réalité tragique de l'émigration italienne du début du XXe siècle. attire l'attention sur le De même travail Saverio Costanzo. Son premier film, privé (2004), l'histoire de la cohabitation forcée entre une famille palestinien et un groupe de militaires Israéliens, Il a remporté plusieurs prix, dont le Léopard d'or un Locarno Film Festival.

Entre 2007 et 2009 se faire réalisateurs connus comme Giorgio Diritti, auteur du primé L'homme qui, Grimaldi Antonello, avec Caos Calmo, Federico Bondi mer noire, Puccioni avec abri, Edoardo Winspeare avec Galantuomini et Gianni Di Gregorio, pour le film Fils cadet. Ils soulignent également: Pappi Corsicato pour La semence de discorde, Marco Pontecorvo avec Pa-Ra-Da, Vittorio Mieli pour le travail dix hivers, Daniele Gaglianone avec Peter et Andrea Molaioli, avec des longs métrages La fille du lac (Gagnant dix David di Donatello) et le bijou. En se plus comme un jeune talent Claudio Cupellini, directeur Une vie tranquille (2010), et Aureliano Amadei, débuts avec 20 cigarettes (2010) et se concentre sur massacre Nassiriyya.

Cinéma italien
Sabina Guzzanti

Il soulève beaucoup de curiosité la première œuvre de théâtre et de la télévision Sabina Guzzanti. en 2005 soumettre à Exposition du Festival du Film de Venise film documentaire Viva Zapatero!. Le travail, qui revendique le droit à la satire dénonce fermement les limites de la liberté d'expression et d'information en Italie, ce qui porte à l'écran la contribution de nombreux intellectuels nationaux et étrangers. Dans les années suivantes, il est l'auteur de deux films documentaires, aussi fort commentaire social intitulé le homard (2007) Draquila - Italie Trembles (2010). En 2010, premier film surprenant Ascanio Celestini, que, grâce au film Le mouton noir, Il dirige un aperçu surréaliste dans le monde de la maladie mentale, non sans une critique voilée de l'insuffisance des hôpitaux.[210]

Un cas particulier du cinéma alternatif est l'expérience du Milanais artiste Michelangelo Frammartino que des films le cadeau (2003) reconstitue des chemins narratifs fleurant du réalisme poétique, ce qui donne une grande importance environnement pittoresque; cela devient encore plus évident dans ce qui suit Les quatre fois (2010). En même temps, il connaît les faveurs de la critique du premier long métrage du cinéaste romain Francesco Munzi, intitulé Saimir (2004). Il recueille un nouveau consensus avec Le reste de la nuit (2008), présenté deux semaines la Festival de Cannes. Un autre exemple de cinéma alternatif est aperçu au singulier peur (2009), filmé en utilisant seulement téléphone par le directeur Pippo Delbono. De cette façon, les documents de l'auteur VIVANTS une galerie d'images par jour pour faire ressortir les diverses incohérences Italie aujourd'hui, obtenir de grands résultats d'efficacité expressive.[211]

De même, il connaît le jeune réalisateur Pietro Marcello. En 2007, elle En franchissant la ligne, un projet qui raconte une histoire réaliste d'un vieil homme qui décide de passer le reste de sa vie à bord d'un train. Le film offre un magma de situations nocturnes qui annulent la forme traditionnelle du documentaire, laissant libre le spectateur à être guidé par la seule force des images.[212]. En 2009, grâce à une fondation jésuite de San Marcellino Gênes, Il réalise le documentaire dramatique La bouche du loup, qui gagne (le premier Italien) le Turin Film Festival[213].

L'année deux mille dix

Cinéma italien
Paolo Taviani avec le directeur de la photographie Vittorio Storaro

Au cours des dix premières années une profonde crise économique qui affecte de nombreuses industries, y compris le film. Selon les données présentées par la Direction Générale du Cinéma du Ministère et les producteurs de ANICA (pour l'année civile 2012), les spectateurs présents, par rapport à 2011, tombent inexorablement de 10%, avec une nouvelle baisse de 5% premier trimestre de 2013. sur le front de la production des différents investissements publics en faveur du film devient de plus en plus précaire, passant de 71 millions en 2008 à seulement 24,4 millions en 2012. dans ce vaste climat récession économique, dans le même 2012, sont encore produit 166 films de nationalité italienne, l'enregistrement, malgré tout, une augmentation de 1,07% de la production.[214]

Face à cette crise, cependant, le cinéma italien de nouveau dans la scène internationale. la 2012 Il ouvre avec la victoire Frères Taviani un festival de Berlin qui gagner le 'Ours d'or avec le film César doit mourir. Le travail (tour avec la technique de docu-fiction) A lieu à l'intérieur de la prison Rebibbia et exécutés par les mêmes prisonniers qui mettent en scène la Giulio Cesare de William Shakespeare. En mai de cette année, Festival de Cannes, Matteo Garrone remporte pour la deuxième fois Grand Prix du jury avec le film réalité, influence très négative que le film de protestation reality show produire sur le peuple.

En Septembre ce fut le tour de Emanuele Crialese, que, grâce au film territoire continental Il a remporté le Grand Prix du Jury Festival du Film de Venise. En même temps, recueillir foyer de la première œuvre de directeur Leonardo Di Costanzo, nommé l'intervalle (2012) et le film instantané Diaz - Ne pas nettoyer ce sang auteur Daniele Vicari, recevoir en 2012 la Prix ​​Spécial du Public à 62º Festival international du film de Berlin[215] Le film reconstitue le réalisme tragique dur les faits du sommet du G8 à Gênes (Qui a eu lieu en Juillet 2001), et de manière significative la rupture violente de La police de l'État Armando Diaz à l'école primaire, paisiblement occupé par de nombreux manifestants, des journalistes et des civils ordinaires. A quelques mois de la célébration des cent cinquante ans de 'Unification de l'Italie, Mario Martone Il présente le drame Risorgimento nous avons cru (2010), qui déplace la leitmotiv l'intrigue sur les aventures d'un groupe de jeunes liés aux idéaux de Mazzini. en 2014 obtenu un succès par biopic le poète Giacomo Leopardi intitulé jeune fabuleux, joué par l'acteur Elio Germano.

Cinéma italien
le président Giorgio Napolitano reçoit le Quirinale le casting du film oscarisé La grande beauté

Les années de l'adolescence maintient le cinéma italien sous les projecteurs internationaux. Une autre preuve vient en Septembre 2013 avec le film documentaire Sacro GRA, réalisé par Gianfranco Rosi, qui suit la Lion d'or un festival de Venise. Les curriculum vitae de travail, sans commentaires en dehors, des scènes de vie vécues à Rome qui se déroulent le long de la GRA. Le film, basé sur une idée de l'architecte paysagiste et urbaniste Nicolò Bassetti[216], Il est vaguement basé sur le roman invisible Cities de Italo Calvino.[217][218]

Dans le sillage de ce moment favorable, suscite une grande fanfare internationale du film Paolo Sorrentino, La grande beauté (2013), principalement joué par Toni Servillo. Le travail est une version moderne de La vie douce Fellini, où le cinéaste filme avec opulence artistique une Rome ensoleillée et presque métaphysique. Le film a remporté plusieurs prix pour recevoir en Janvier 2014 la golden Globe comment Meilleur film étranger, Plus tard, le 16 Février 2014, le prix BAFTA. Enfin, le 2 Mars 2014, le film gagne l 'Oscar du meilleur film étranger.[219]

Un an plus tard, le directeur Toscane Alice Rohrwacher Il devient la véritable révélation de Festival de Cannes avec le deuxième travail les merveilles, ce qui est vrai en mai 2014, le Grand Prix du Jury. Avec ce certificat, le Rohrwacher se révèle être le premier cinéaste italien à la reconnaissance convoitée.[220] Ils obtiennent des faveurs de la critique réalisateur et producteur Uberto Pasolini avec Nature morte (2013), Roberto Andò avec le film Vive la liberté (2013), le metteur en scène Emma Dante pour Une rue à Palerme (2013) et le réalisateur Francesco Munzi, que grâce à son troisième long métrage, âmes noires (2014) - basé sur l'histoire d'une famille de « Ndrangheta Calabrese - a reçu en Juin 2015, de neuf David di Donatello.

en 2015 également participer à la Festival de Cannes Nanni Moretti, Matteo Garrone et Paolo Sorrentino avec la respective ma mère (2015) Tale of Tales - Tale of Tales (2015) et Jeunesse - Jeunesse (2015), ce dernier vainqueur de trois European Film Awards Meilleur film, réalisateur et meilleur acteur. Gagnez réponse à l'étranger le chemin du metteur en scène et grâce au producteur du film Michele Dioma Né dans le U.S.E. (2015), un ouvrage consacré à cent vingt ans de cinéma avec la participation de Francesco Rosi pour ce qui peut être considéré comme son testament cinématographique. En Février 2016, est une nouvelle affirmation directeur à l'étranger Gianfranco Rosi qui conquiertOurs d'or un festival de Berlin grâce au documentaire Fuocoammare, mis l'accent sur la situation des migrants. Au printemps, Paolo Virzì conduit à Festival de Cannes La joie folle (2016), un road movie toutes les femmes qui gagneront en Avril 2017 cinq David di Donatello, dont celui du meilleur film et meilleur réalisateur.

Le retour partiel du cinéma de genre et de nouvelles comédies

Cinéma italien
Checco Zalone dans le film Quo aller? (2016). Avec plus de 65 millions d'euros, il est le film italien avec la collection toujours commerciale la plus élevée.

La nouvelle décennie a vu une reprise partielle de le cinéma de genre Italien, depuis longtemps sous-estimé par la même sociétés de production qui ils aiment financer d'autres types de cinéma, découvrir, dans le temps, plusieurs auteurs émergents.

Dans le domaine du cinéma d'horreur sont rapportés La salle Butterfly - La Butterfly Room (2012) Gionata Zarantonello et À travers la rivière (2013) directeur Lorenzo Bianchini, dans le générique du film action comprennent A la fin de la journée - Une journée sans fin (2011) du cinéaste Cosimo Alemà. Relevant de thrillers sont rituel (2013) Julia Brazzale et Luca Immesi, La glace Forêt (2014) de Claudio Noce et mine (2016) réalisé par duo FabioFabio; en ce qui concerne noir rappelez-vous Cha cha cha (2013) de Marco Risi, Perez. (2014) de Edoardo De Angelis, millionnaires (2015) de Alessandro Piva et Le permis - 48 heures de repos (2017) de Claudio Amendola.

A l'intérieur on trouve le film de gangsters Ne soyez pas mal (2015) de Claudio Caligari et Suburra, coup de la même année Stefano Sollima; il y a des exemples de films de sport comme Tatanka (2011) Giuseppe Gagliardi et Rapide comme le vent (2016) de Matteo Rovere et même des films à thème à la musique comme Zeta (2016), situé dans le monde de la 'hip-hop et réalisé par Cosimo Alemà. De plus, ils mettent en évidence action comédie comment le pire (2017) de Vincenzo Alfieri et Brutti et le mauvais (2017) par Cosimo Gomez, comédies noires comment prendre cinq (2014) de Guido Lombardi et les références à La police italienne dans les films song'e napule (2014) de Manetti Bros et Falchi (2017) de Toni D'Angelo. En ce qui concerne films fantastiques et science-fiction nous mettons en évidence la film de super-héros Le garçon invisible (2014) et Le gars invisible - Deuxième génération (2017) de Gabriele Salvatores et Ils ont appelé Jeeg (2016), par Gabriele Mainetti.

Recueillir des comédies de popularité de directeur Luca Miniero (Bienvenue dans le sud 2010 et la suite Bienvenue sur le Nord 2012), avec Claudio Bisio et Alessandro Siani, et, dans une plus grande mesure, celles qui sont interprétées par la bande dessinée Checco Zalone. L'artiste des Pouilles, après avoir fait ses débuts à la télévision, il a fait ses débuts sur le grand écran avec deux films dirigés par Gennaro Nunziante: Ils tombent des nuages (2009) Quel beau jour (2011). Ce dernier film, avec plus de 40 millions d'euros de recettes, devient la caractéristique italienne jamais le plus grand succès commercial.[221] La période faste de la bande dessinée est confirmée par le film suivant, Sun avec de la pluie (2013), également réalisé par Gennaro Nunziante, que, dans dix-huit jours de programmation peut excéder les recettes du film précédent;[222] que nous sommes à nouveau dépassé (en seulement dix jours de projection) par le texte suivant Quo aller? (2016).[223]

Un autre point fort des films Kryptonite! (2011), de Ivan Cotroneo et parfaits inconnus (2016), de Paolo Genovese, comédie qui reçoit beaucoup d'approbation gagner, entre autres, le meilleur scénario Tribeca Film Festival de New-York. De plus, ils gagnent l'attention des différents films du duo comique Ficarra et Picone, et le dyptique J'arrête quand je veux (2014) et Je me arrête quand je veux - Masterclass (2017) directeur Sydney Sibilia. Les deux œuvres, produites par Matteo Rovere mentionné ci-dessus, sont un mélange approprié du cinéma de genre de la comédie contemporaine et classique.

notes

  1. ^ Gian Piero Brunetta, "Cinéma muet italien", en Histoire du cinéma mondial, Einaudi, Torino, 2002, vol. III, pp. 33-34.
  2. ^ Fiorangelo Pucci, Valerio Angelini, 1896-1914. Matériaux pour une histoire du cinéma au début, Studioforma Publisher, Turin, 1981.
  3. ^ à b c Italo Pacchioni à Silent Film Festival 2009, treccani.it. Récupéré le 11 Février, 2017.
  4. ^ Wladimiro Settimelli, Dall'agiografia l'historique des messages photographiques, "Palatino" Rome, a. XI, 1967.
  5. ^ Fernaldo de Giammatteo (1999), « Un rayon de soleil illumine l'écran », en Le caméramans. L'histoire du cinéma italien 1895-1940 a dit aux auteurs de la photographie (volume 1)
  6. ^ Italo Pacchioni à Silent Film Festival 2009, sempreinpenombra.com. Récupéré le 21 Janvier, 2016.
  7. ^ Gian Piero Brunetta, Guide de l'histoire du cinéma italien. 1905-2003, Turin, Einaudi, 2003, p. 425.
  8. ^ Elisabetta Bruscolini, Roma dans le cinéma entre réalité et fiction, Rome, Ecole Nationale de Cinéma Fondation, [2003?], P.18
  9. ^ opérateur de tournage à Turin Lumière - Encyclopédie du cinéma dans le Piémont
  10. ^ Roberto Della Torre, Invitation au cinéma. Les origines de l'affiche du film italien, EDUCatt, Milan, 2014, p. 78.
  11. ^ Le film le plus ancien en Italie: le Sivori de Gênes a été inauguré il y a 120 ans par les frères Lumière, sur Tgcom24. 9 Avril Récupéré, 2017.
  12. ^ Gian Piero Brunetta, "Silent cinéma italien" Histoire du cinéma mondial, vol. III, Einaudi, Torino, 2002, p. 40.
  13. ^ Gian Piero Brunetta, "Cinéma muet italien", cit., P 38.
  14. ^ Maria Wyke, Projeter le passé. Rome Antique, Cinéma et Histoire, Psychology Press, Londres, 1997.
  15. ^ Mario Verdone, Divertissement Roman, Golem, Rome, 1970, p. 141-147.
  16. ^ Gian Piero Brunetta, "Cinéma muet italien", cit., P 43.
  17. ^ Gianni Rondolino, Paolo Bertetto, Cabiria et son temps, Turin, 1998.
  18. ^ Gian Piero Brunetta, "Cinéma muet italien", cit., P 51.
  19. ^ Gian Piero Brunetta, "Le cinéma italien silencieux", cit., P. 47-52.
  20. ^ Gian Piero Brunetta, "Cinéma muet italien", cit., P 52.
  21. ^ Divers auteurs, Les humoristes de l'Italien silencieux, en Griffithiana, 24-25, 1985.
  22. ^ Gian Piero Brunetta, "Cinéma muet italien", cit., P 46.
  23. ^ Le film futuriste - Treccani, treccani.it. Récupéré le 26 mai 2015.
  24. ^ Giovanni Lista, "Futurisme et cinéma", en Peinture, cinéma, peinture, Nathan, Paris, 1989, p. 59.
  25. ^ Gian Piero Brunetta, Histoire du cinéma italien, vol. I, Laterza, Rome, 1993, p. 245.
  26. ^ Gian Piero Brunetta, "Cinéma muet italien", cit., P 57.
  27. ^ Gian Piero Brunetta, "Cinéma muet italien", cit., P 56.
  28. ^ Gwendolyn Audrey Foster, Femmes Film Directors: Une Bio-International Critical Dictionary, Greenwood Publishing Group, Santa Barbara, 1995 pp. 282-284.
  29. ^ Callisto Cosulich, l'article Premier contact avec la réalité en Echo du cinéma et du divertissement, 77 du 31 Juillet 1954.
  30. ^ Sergio Grmek Germani, Vittorio Martinelli, Le cinéma d'Augusto Genina, Bibliothèque d'images, Pordenone, 1989.
  31. ^ Gian Piero Brunetta, "Le cinéma italien silencieux", cit., P. 59-60.
  32. ^ Gianfranco Gori, Alessandro Blasetti, Nouvelle Italie, Florence, 1984, p. 20.
  33. ^ Istituto Nazionale Luce, Film Encyclopedia (2003)
  34. ^ Gian Piero Brunetta, "son cinéma italien de Salo", en Histoire du cinéma mondial, vol. III, Einaudi, Torino, 2000, p. 342.
  35. ^ Luigi Freddi, Dictionnaire biographique des Italiens - Volume 50 (1998)
  36. ^ Le film sonore, « Mes documents »
  37. ^ Gian Piero Brunetta, "son cinéma italien de Salo", cit., P 348.
  38. ^ Le film et la propagande fasciste, librovolante.wordpress.com.
  39. ^ à b Gian Piero Brunetta, Cent ans de cinéma italien, cit., pp. 203-2015.
  40. ^ Gian Piero Brunetta, Cent ans de cinéma italien, Laterza, Bari, 1991, p. 194.
  41. ^ à b Gian Piero Brunetta, "son cinéma italien de Salo", cit., P. 352-355.
  42. ^ Gian Piero Brunetta, Jean A. Gili, L'heure de l'Afrique du cinéma italien, 1911-1989, Matériaux de travail, Rovereto, 2000.
  43. ^ Gian Piero Brunetta, "son cinéma italien de Salo", cit., P 354.
  44. ^ à b Gian Piero Brunetta, "son cinéma italien de Salo", cit., P 355.
  45. ^ Gian Piero Brunetta, Cent ans de cinéma italien, Laterza, Bari, 1991, p. 248.
  46. ^ à b Gian Piero Brunetta, "son cinéma italien de Salo", cit., P 356.
  47. ^ Gian Piero Brunetta, Cent ans de cinéma italien, Laterza, Bari, 1991, p. 250.
  48. ^ Gian Piero Brunetta, Cent ans de cinéma italien, p. 251-257.
  49. ^ Alberto Farassino, Mario Camerini, Editions du Festival International du Film de Locarno, Locarno, 1992.
  50. ^ sixième volume Histoire du cinéma italien, op. cit. dans la bibliographie, p. 670 et suiv.
  51. ^ Roberto Campari, Le fantôme de la beauté. Iconologia du cinéma italien, Marsilio, Venise, 1994. ISBN 88-317-5898-5
  52. ^ Gian Piero Brunetta, "son cinéma italien de Salo", cit., P. 357-359.
  53. ^ Gian Piero Brunetta, Cent ans de cinéma italien, cit., p. 258.
  54. ^ Andrea Martini, La belle forme. Poggioli, calligraphique et environs, Marsilio, Venise, 1992. ISBN 88-317-5774-1
  55. ^ La définition efficace de Gian Piero Brunetta, « son cinéma italien de Salo », cit., P 363.
  56. ^ Giorgio Venturini, Discours et enregistrer la cérémonie d'investiture, en films, VII, n ° 6, 1944..
  57. ^ Gian Piero Brunetta, "son cinéma italien de Salo", cit., P 362.
  58. ^ Ernesto G. Laura, L'image de menteur. Mass-médias et du divertissement en République de Salò (1943-1945), ANCCI, Rome, 1986, p. 333.
  59. ^ « Il manque de tout, mais il fonctionne de la même » nouveau Monde, I, n. 1, 19 Mars 1945, p. 24
  60. ^ Gian Piero Brunetta, « Le cinéma italien de néoréalisme à Dolce vie" Histoire du cinéma mondial, vol. III, Einaudi, Torino, 2000, p. 586.
  61. ^ Ennio Di Nolfo, "La diplomatie du cinéma américain", David W. Ellwood, Gian Piero Brunetta (ed) Hollywood en Europe, La Maison Husher, Florence, 1991, p. 29-40.
  62. ^ Lorenzo Quaglietti, Histoire de la politique cinématographique économique italienne. 1945-1980, Editori Riuniti, Rome, 1980.
  63. ^ Vincenzo De Caprio, Stefano Giovanardi, Néoréalisme dans l'histoire de la littérature italienne, Einaudi, Milan, 1993, p. 1197.
  64. ^ Gian Piero Brunetta, « Le cinéma italien de néoréalisme à Dolce vie, cit., p. 595.
  65. ^ Mario Morcellini, Paolo De Nardis, La société et de l'industrie de la culture en Italie, Meltemi, 1998, p. 102.
  66. ^ à b Dario Tomasi, "Vittorio De Sica et Cesare Zavattini, au point tournant", dans "Histoire du cinéma italien. 1949-1953", 2003
  67. ^ Paolo Mereghetti, p. 3541
  68. ^ Guido Aristarco, « Le néoréalisme cinématographique » européen, XXXIV, le 4 Juin 1976 n. 20.
  69. ^ Gian Piero Brunetta, « Le cinéma italien de néoréalisme à Dolce vie», Cit., P. 600.
  70. ^ Gian Piero Brunetta, « Le cinéma italien de néoréalisme à Dolce vie« Cit., Pp. 601-602.
  71. ^ Alberto Farassino, Giuseppe De Santis, Moizzi, Milan, 1978.
  72. ^ Mario Sesti, Tout le film de Pietro Germi, Baldini & Castoldi, Milano, 1997.
  73. ^ Pour un résumé du débat, voir les articles collectés dans Anthologie du nouveau cinéma, 1952-1958. De la critique du film à la dialectique culturelle, Guaraldi, Rimini, 1975.
  74. ^ Enrico Giacovelli, La comédie italienne, Gremese, Rome, 1995, p. 23-24.
  75. ^ Paolo Mereghetti, p. 537
  76. ^ Paolo Mereghetti, p. 1000
  77. ^ Paolo Mereghetti, p. 2574
  78. ^ à b c Aldo Tassone, Les films de Michelangelo Antonioni: une vision du poète, éditeur Gremese, 2002
  79. ^ Paolo Mereghetti, p. 460
  80. ^ à b Paolo Mereghetti, p. 2413
  81. ^ à b Paolo Mereghetti, p. 990
  82. ^ Paolo Mereghetti, p. 138
  83. ^ Paolo Mereghetti, p. 2867
  84. ^ Paolo Mereghetti, p. 1383
  85. ^ Paolo Mereghetti, p. 3611
  86. ^ André Bazin, Défense de Rossellini, dans "New Cinema", n. 65, le 25 Août, 1955, p. 147-149.
  87. ^ Paolo Mereghetti, p. 1068
  88. ^ Paolo Mereghetti, p. 1407
  89. ^ carte sur Fire Island, Meilleur documentaire - court-métrage la Festival de Cannes 15 Juillet 1955. Accessed, 2010
  90. ^ Bandits à Orgosolo - carte de récompenses sur IMDB. Consulté le 14 Juillet, 2010
  91. ^ Carlo Lizzani - Treccani, treccani.it. Récupéré le 10 Novembre ici à 2015.
  92. ^ Paolo Mereghetti, p. 28
  93. ^ à b Paolo Mereghetti, p. 1968
  94. ^ Paolo Mereghetti, p. 3504
  95. ^ Paolo Mereghetti, p. 2741
  96. ^ Paolo Mereghetti, p. 1353
  97. ^ Valerio Zurlini - Treccani, treccani.it. Récupéré le 10 Novembre ici à 2015.
  98. ^ Mauro Bolognini - Treccani, treccani.it. Récupéré le 10 Novembre ici à 2015.
  99. ^ Paolo Mereghetti, p. 2058
  100. ^ Paolo Mereghetti, p. 728
  101. ^ Paolo Mereghetti, p. 1486
  102. ^ Paolo Mereghetti, p. 2033
  103. ^ Bernardo Bertolucci - néoréalisme, ilneorealismo.com. Récupéré le 10 Novembre ici à 2015.
  104. ^ Paolo Mereghetti, p. 3537
  105. ^ Novecento - Act I - MYmovies, mymovies.it. Récupéré 29 Juin, ici à 2015.
  106. ^ Paolo Mereghetti, p. 1808
  107. ^ Paolo Mereghetti, p. 1815
  108. ^ Paolo Mereghetti, p. 220
  109. ^ à b c Enrico Giacovelli, La comédie italienne, Gremese, Rome, 1995, p. 43.
  110. ^ Enrico Giacovelli, La comédie italienne, Gremese, Rome, 1995, p. 49.
  111. ^ Paolo Mereghetti, p. 3139
  112. ^ à b Paolo Mereghetti, p. 1494
  113. ^ Paolo Mereghetti, p. 2749
  114. ^ Paolo Mereghetti, p. 477
  115. ^ à b Paolo Mereghetti, p. 3709
  116. ^ Un genre cinématographique qui a pris le nom de Germi Divorce italien (Dans Gianfranco Cercone, Encyclopédie du cinéma, ed. Treccani, 2004)
  117. ^ Ses premiers films ont été « caractérisées par l'intransigeance idéalisme moral, civique, intervention sociale saldavano film avec l'orientation politique et l'éthique dominante plus qu'il pourrait faire le néo-réalisme pur dans les médias. » (In Mario Sesti, Tout le film de Pietro Germi, éditeur Dalai, 1997, p.55)
  118. ^ Paolo Mereghetti, p. 1423
  119. ^ Enrico Giacovelli "La comédie italienne - L'histoire, les lieux, les auteurs, les acteurs, les films», Pp. 11-12. Gremese, Rome 1990
  120. ^ Paolo Mereghetti, p. 946
  121. ^ Lina Wertmuller: « Aux Oscars il suffit de penser, je préfère penser au sujet du nouveau film », sur le repubblica.it. Récupéré le 21 Février, 2017.
  122. ^ Enrico Giacovelli, La comédie italienne, Gremese, Rome, 1995, p. 71.
  123. ^ Maltin, 2007, p. 2051.
  124. ^ à b Toto Biographie - La dernière réunion, antoniodecurtis.org. Récupéré 10 Octobre, 2013.
  125. ^ Paolo Villaggio - Biographie Coming soon, comingsoon.it. Récupéré le 10 Novembre ici à 2015.
  126. ^ Franco Cicero. Adieu à Ciccio Ingrassia, dix ans après Franco Franchi. "Gazzetta del Sud", le 29 Avril 2003 13.
  127. ^ à b Enrico Giacovelli, La comédie italienne, Gremese, Rome, 1995, p. 122.
  128. ^ Pour une continuation du genre dans le XXIe siècle, v. https://www.radioradicale.it/scheda/507445/cinema-cinema-la-tenerezza-di-gianni-amelio, que « Tendresse » Amelio « voir toute l'Italie touchée par la corruption de frustrations ancrées ne peut échapper à l'envie raciste: fait référence à ce sens de la mort, la paralysie, le manque de perspectives idéales, les films italiens des années enregistrent en permanence ».
  129. ^ à b Le cinéma politique - Treccani, treccani.it. Récupéré le 10 Novembre ici à 2015.
  130. ^ Le cinéma politique - Le Davinotti, davinotti.com. Récupéré le 10 Novembre ici à 2015.
  131. ^ "Open City", 4-5, le 25 Juillet 1957 à Elio Petri, écrits du cinéma et de la vie, p. 56, Bulzoni Publisher, 2007
  132. ^ Paolo Mereghetti, p. 1654
  133. ^ Fernaldo de Giammatteo, Film Dictionnaire - une centaine de grands films, la page 28, publié par Newton, 1995
  134. ^ La bataille d'Alger - Treccani, treccani.it. Récupéré le 1er Juin ici à 2015.
  135. ^ à b c Tommaso Iannini, tous Cinéma, De Agostini, Novara, pp. 235
  136. ^ Archive LÉGER, dessins originaux, archivioluce.com. Récupéré 24 Octobre, 2007. - LOI 4 Novembre 1965, n. 1213 (GU n. 282 du 12/11/1965), italgiure.giustizia.it. Récupéré 24 Octobre, 2007.
  137. ^ Movieplayer.it - ​​recettes de la fiche du film, movieplayer.it. Récupéré 19 Janvier, 2008.
  138. ^ La Apetta Giulia et Mme Vie, cgitalia.it, 22 novembre 2006. Récupéré le 6 Septembre 2008.
  139. ^ L'art du bonheur, mymovies.it. Récupéré le 10 Octobre 2014.
  140. ^ à b Vito Zagarrio, Histoire du cinéma italien 1977/1985, Marsilio, Venise, 2005, p. 329.
  141. ^ à b c Mélodrame - Treccani, treccani.it. Récupéré le 10 Novembre ici à 2015.
  142. ^ Alberto Lattuada dix ans plus tard - film Rai, raimovie.blog.rai.it. Récupéré le 10 Novembre ici à 2015.
  143. ^ Raffaello Matarazzo. matériels, Turin, 1977.
  144. ^ à b Steve Della Casa et Marco Giusti, Le Grand Livre d'Hercule, les films mythologiques en Italie, Sabinae Editions, 2013
  145. ^ Paolo Mereghetti, p. 1182
  146. ^ Paolo Mereghetti, p. 590
  147. ^ (FR) Prix ​​1954, festival-cannes.fr. Récupérée le 1er Juin 2011.
  148. ^ Daniele Magni, coeurs fou - Dictionnaire des comédies musicales 60, 2002
  149. ^ à b Roberto Chiavini, Gian Filippo Pizzo, Michele Tetro, Le grand cinéma de science-fiction: en attendant le monolithe noir (1902-1967), Volume 2 des grands films de science-fiction, albums Collier, Gremese, 2003, p. 145, ISBN 88-8440-266-2.
  150. ^ à b c Carlo Pagetti, (FR) John Clute, David Langford et Peter Nicholls (eds), Cinéma italien, en L'Encyclopédie de la science-fiction, III édition en ligne, 2011-2015.
  151. ^ Roberto Chiavini, Gian Filippo Pizzo, Michele Tetro, Le grand cinéma de science-fiction: en attendant le monolithe noir (1902-1967), Volume 2 des grands films de science-fiction, albums Collier, Gremese, 2003, p. 161 ISBN 88-8440-266-2.
  152. ^ Muccino: « Je l'ai puni, mais je ne vais pas tomber », sur La République / spettacoli_e_cultura. 9 Avril Récupéré, 2012.
  153. ^ Roberto Chiti, Enrico Lancia et Roberto Poppi, Dictionnaire du cinéma italien, Gremese, 2002, p. 68, ISBN 978-88-8440-137-3. Récupéré 5 mai 2012.
  154. ^ Treasure Island, sur AntonioMargheriti.com. Récupéré 28 Juillet, ici à 2015.
  155. ^ à b Paolo Mereghetti, p. 2517
  156. ^ Sergio Leone - Treccani, treccani.it. Récupéré le 1er Juin ici à 2015.
  157. ^ Voici venir l'hommage de « Django » Quentin Tarantino à Sergio Corbucci, en Huffington post, 2 décembre 2012. Récupéré le 10 Novembre ici à 2015.
  158. ^ David Lifetime Tonino Guerra, Bud Spencer et Terence Hill, trovacinema.repubblica.it. Récupéré le 10 Novembre ici à 2015.
  159. ^ Tarantino et films italiens des années soixante-dix, corriere.it. Récupéré 29 Juin, ici à 2015.
  160. ^ Pezzotta, Alberto. édition italienne des notes internes du film sur DVD, VHR, 2004
  161. ^ Paolo Mereghetti, p. 2012
  162. ^ Paolo Mereghetti, p. 3505
  163. ^ Bruno Lattanzi et Fabio De Angelis (ed) vampires, en Fantafilm. Récupéré le 5 Avril, 2012.
  164. ^ Paolo Mereghetti, p. 883
  165. ^ Paolo Albiero Giacomo Cacciatore, Pourquoi?, Lucio Fulci dans op. cit., p. 15.
  166. ^ comme Chianese Gordiano Lupi, Filmant la mort. Les films d'horreur et thrillers Lucio Fulci, Piombino, Edizioni Il Foglio, 2006, p. 9 ISBN 88-7606-101-0.
  167. ^ à b Divers auteurs, Bon apetit! Guide du film Cannibal, Milan, Dossier Nocturno 12, 2003.
  168. ^ ZOMBIE Base de connaissances, Spéciales: Zombies fonctionnement, zombiekb.com. Récupéré le 3 Août, 2016.
  169. ^ à b Paolo Mereghetti, p. 560
  170. ^ Paolo Mereghetti, p. 2144
  171. ^ à b Roberto Curti, "déteste l'Italie. la police du cinéma italien« Lindau, 2006
  172. ^ Vallanzasca si Milan a tiré - L'Espresso, espresso.repubblica.it. Récupéré 10 Septembre, ici à 2015.
  173. ^ Divers auteurs, Taille 9. Le film de Fernando Di Leo, Milan, Nocturno Dossier n ° 14, Septembre., 2003
  174. ^ Paolo Mereghetti, p. 558
  175. ^ De Castellari à Martin, lorsque le poliziottesco est culte., repubblica.it. Récupéré le 28 mai 2015.
  176. ^ Dictionnaire d'espion cinéma italien, books.google.com. Consulté le 14 Juin, ici à 2015.
  177. ^ à b Blake, Matt Deal, David. Le Guide Eurospy, Luminary Press, 2004
  178. ^ à b c Combat macaronis: Une histoire, grindhousedatabase.com. Récupéré le 9 Novembre ici à 2015.
  179. ^ Stephen Best, La valise Tinto Brass, Metauto 2015 [1]
  180. ^ Marco Giusti. Dictionnaire des films italiens Stracult. Milan, Frassinelli, 2004, p. 433.
  181. ^ à b c Giuliano Pavone, Giovannona Coscialunga à Cannes. Histoire et remise en état de la comédie italienne de 70 ans, Tarab, 1999
  182. ^ Vito Zagarrio, Histoire du cinéma italien 1977/1985, cit., p. 348.
  183. ^ Memmo Giovannini, Enrico Magrelli, Mario Sesti, Nanni Moretti, Editions scientifiques italiens, Naples, 1986
  184. ^ Flavio De Bernardinis, Nanni Moretti, Le Castoro, Milan, 1993
  185. ^ Paolo D'Agostini, "Le cinéma italien Moretti aujourd'hui", cit., P 1089.
  186. ^ Enrico Giacovelli, La comédie italienne, Gremese, Rome, 1995, p. 125.
  187. ^ Stefano Della Casa, "Popular Cinema après-guerre italienne" Histoire du cinéma mondial, cit., p. 820.
  188. ^ Paolo D'Agostini, "Le cinéma italien Moretti aujourd'hui", cit., P. 1085-1086.
  189. ^ Pour une discussion sur le témoignage critique voir Goffredo Fofi, Dix années difficiles. Comprendre le cinéma Deuxième partie, Ponte alle Grazie, Florence, 1985.
  190. ^ Paolo Mereghetti, p. 259
  191. ^ ITALIE 80. Lorsque la télévision a essayé de manger du cinéma, milanofilmfestival.it. Récupéré le 9 Novembre ici à 2015.
  192. ^ Emanuela Martini (eds), Gianni Amelio: les règles et le jeu, Lindau, Turin, 1999
  193. ^ , Alberto Morsiani, Serena Augusto (ed) Soundscapes. Le cinéma de Franco Piavoli, Mains, 2012
  194. ^ Paolo D'Agostini, "Le cinéma italien Moretti aujourd'hui", en Histoire du cinéma mondial, cit., pp. 1102-1103.
  195. ^ Paolo Mereghetti, p. 2041
  196. ^ Paolo Mereghetti, p. 3320
  197. ^ Paolo Mereghetti, p. 3666
  198. ^ Paolo Mereghetti, p. 1529
  199. ^ Angela Ricci Lucchi et Yervant Gianikian - Les directeurs de la mémoire - BBC, archiviostorico.corriere.it. Récupéré le 16 Juin, ici à 2015 (Déposé par 'URL d'origine la ).
  200. ^ Paolo Mereghetti, p. 1490
  201. ^ Paolo Mereghetti, p. 3407
  202. ^ Paolo Mereghetti, p. 2599
  203. ^ Une bande spéciale Troisi Mais la famille le rejette, archiviostorico.corriere.it. Récupéré le 9 Novembre ici à 2015 (Déposé par 'URL d'origine la ).
  204. ^ Paolo Mereghetti, p. 3711
  205. ^ Paolo Mereghetti, p. 2042
  206. ^ Paolo Mereghetti, p. 979
  207. ^ Paolo Mereghetti, p. 1476
  208. ^ Le prix du jury de Sean Penn les prix en Italie « Gomorra » et « Il Divo », en la République, Le 10 novembre 2015.
  209. ^ Franco Montini, Cinéma, une année record. 120 millions de billets en 1986, en la République, 18 décembre 2007, p. 45.
  210. ^ Paolo Mereghetti, p. 2486
  211. ^ Paolo Mereghetti, p. 2475
  212. ^ le film de cinematografo.it.
  213. ^ le film sur le site de Turin Film Festival.
  214. ^ Cinéma, collections d'automne augmente la production, lastampa.it. Récupéré le 3 Juillet, ici à 2015.
  215. ^ "Diaz" a remporté le Festival du Film de Berlin. Le film sur le Prix du G8
  216. ^ le projet, sacrogra.it. Récupéré le 6 Septembre 2014.
  217. ^ (FR) Deborah Young, Sacro GRA, Contes de Ring Road (Sacro GRA) de Rome: Venise Revue, hollywoodreporter.com, le 5 Septembre 2013. Récupéré le 6 Septembre 2014.
  218. ^ (FR) Jay Weissberg, Venise Film Review: 'Sacro GRA', variety.com, le 5 Septembre 2013. Récupéré le 6 Septembre 2014.
  219. ^ La grande beauté « remporte la statuette Oscar avec Sorrentino revient en Italie, repubblica.it. Récupéré le 26 mai 2015.
  220. ^ Cannes 2014 gagnants., ilfattoquotidiano.it. Récupéré le 26 mai 2015.
  221. ^ Le produit, Zalone dépasse 40 millions, trovacinema.repubblica.it. Récupéré le 26 mai 2015.
  222. ^ Checco Zalone nouveau record: « Sun dans des seaux » plus jamais regardé, tgcom24.mediaset.it. Récupéré le 26 mai 2015.
  223. ^ Andrea Francesco Berni, Box Office Italie: Quo Vado? remporte le week-end et les mouches de plus de 50 millions d'euros en seulement dix jours!, badtaste.it, 11 janvier 2016. Récupéré le 11 Janvier, 2016.

bibliographie

  • Gian Piero Brunetta, Cent ans de cinéma italien, Laterza, Roma-Bari, 1991. ISBN 88-420-3851-2
  • Gian Piero Brunetta (ed) Histoire du cinéma mondial, Vol. III, Einaudi, Torino, 2002. ISBN 978-88-06-14528-6
  • Gian Piero Brunetta, Guide de l'histoire du cinéma italien. 1905-2003, Einaudi, Torino, 2003. ISBN 978-88-06-16485-0
  • Roberto Campari, Le fantôme de la beauté. Iconologia du cinéma italien, Marsilio, Venise, 1994. ISBN 88-317-5898-5
  • Fiorangelo Pucci, Valerio Angelini (ed) 1896-1914. Matériaux pour une histoire du cinéma au début, Studioforma Publisher, Turin, 1981.
  • Lorenzo Quaglietti, Histoire de la politique cinématographique économique italienne. 1945-1980, Editori Riuniti, Rome, 1980.
  • Ernesto G. Laura, L'image de menteur. Mass-médias et du divertissement en République de Salò (1943-1945), ANCCI, Rome, 1986
  • C. Carabba, Cinéma Noir décennies, Vallecchi, Florence, 1974.
  • R. Chiti - E. Spear, Dictionnaire du cinéma italien: Films, Vol.1: De 1930 à 1944, Vol 2: 1945-1992 Gremese, Rome, 1993.
  • R. Chiti - Lance E. - A. Orbicciani, R. Poppi, Dictionnaire du cinéma italien: les actrices, Gremese, Rome, 1999.
  • F. Di Giammatteo, Dictionnaire du cinéma italien, Editori Riuniti, Rome, 1995.
  • F. Faldini - G. Fofi, (ed), L'histoire aventureuse du cinéma italien: 1933-1959, Feltrinelli, Milan, 1979.
  • F. Faldini - G. Fofi, Le cinéma italien aujourd'hui: 1970-1984, Mondadori, Milan, 1984.
  • M. Giusti, Dictionnaire des films italiens Stracult, Frassinelli, Milan, 2004.
  • E. Spear, Dictionnaire du cinéma italien: Films, Vol.6: De 1990 à 2000 Gremese, Rome, 2001-2002.
  • C. Lizzani, Cinéma italien: Depuis ses origines aux années quatre-vingt, Editori Riuniti, Rome, 1992.
  • R. Poppi, Dictionnaire du cinéma italien: Filmmakers, De 1930 à nos jours, Gremese, Rome, 1993.
  • F. Savio, Cinecittà Thirties, Bulzoni, Rome, 1979.
  • Salvatore Cianciabella, Nous sommes des hommes et des caporaux. Psychologie de dis-obéissance. Franco Angeli, 2014. ISBN 978-88-204-9248-9.
  • Paolo Mereghetti, le film Dictionnaire 2011, B.G éditeur Dalai, 2011 ISBN 978-88-6073-626-0.
  • Enrico Giacovelli, Bref historique de la comédie du film en Italie, Lindau, 2006 ISBN 978-88-7180-595-5.
  • Enrico Giacovelli, La comédie italienne, Lindau, 1995 ISBN 88-7605-873-7.
  • Fernaldo de Giammatteo, Film Dictionnaire - une centaine de grands films, Editions Newton, Rome, 1995.
  • Mario Morcellini, Paolo De Nardis, La société et de l'industrie de la culture en Italie, Meltemi, 1998.
  • Silvia Bizio, Claudia Laffranchi, Les Italiens d'Hollywood: le cinéma italien à la cérémonie des Oscars, éditeur Gremese 2002.
  • Aldo Tassone, Les films de Michelangelo Antonioni: une vision du poète, 3. ed. Révisé et mis à jour, Rome, éditeur Gremese 2002.
  • Giuliano Pavone, Giovannona Coscialunga à Cannes. Histoire et remise en état de la comédie italienne de 70 ans, Tarab 1999.
  • Roberto Curti, "déteste l'Italie. la police du cinéma italien« Lindau, 2006, ISBN 88-7180-586-0
  • Roberto Curti, Thomas La Selva, Le sexe et la violence dans les extrêmes chemins cinémas, Lindau, 2003.
  • Daniele Magni, coeurs fous - comédies musicales Dictionnaire des années 60, Bloodbuster Publishing, 2012, ISBN 978-88-902087-7-5.
  • Steve Della Casa et Marco Giusti (ed) Le Grand Livre d'Hercule. Le film mythologique en Italie, Sabinae Editions, 2013 ISBN 978-88-98623-05-1.
  • Tommaso Iannini, tous Cinéma, Institut géographique De Agostini, Novara 2009.
  • Dario Tomasi, "Vittorio De Sica et Cesare Zavattini, au point tournant", dans "Histoire du cinéma italien. 1949-1953", édité par Luciano De Giusti, Marsilio. Editions blanches Noir, Venise, 2003.
  • Roberto Della Torre, Invitation au cinéma. Les origines de l'affiche du film italien, EDUCatt, Milan, 2014.

Articles connexes

  • Film italien proposé pour l'Oscar du meilleur film étranger
  • Film italien le film le plus gros succès de l'histoire
  • 100 films italiens à sauvegarder
  • Les acteurs italiens
  • D'autres figures du cinéma italien

D'autres projets

  • Wikiversité Wikiversité Il contient des citations sur cinéma italien
  • Il contribue à Wikimedia Commons Wikimedia Commons: Il contient des images ou d'autres fichiers sur cinéma italien

liens externes