s
19 708 Pages

Remarque disambigua.svg homonymie - Si vous êtes à la recherche d'autres utilisations, voir Cinéma (homonymie).
cinéma
Charlie Chaplin et Jackie Coogan dans le film The Kid, publié en 1921, la même année où le Ricciotto critique Canudo définit le film comme « septième art »
cinéma
Un échantillon de films cinématographiques.

la cinéma est l'ensemble des arts, des techniques et des activités de fabrication et de distribution qu'elles produisent un résultat commercial film. Le cinéma est aussi, dans son sens le plus large, l'ensemble des films qui, ensemble, représentent une expression artistique allant de la fantaisie, l'information et la diffusion des connaissances. Le film est aussi appelé septième art, selon la définition inventé par le porte-parole Ricciotto Canudo en 1921[1], quand il a publié le manifeste La naissance du septième art, à condition que le film serait unir synthèse dans le prolongement de l'espace et la dimension temporelle.

Dès le début, le cinéma a adopté la tendance fiction, devenant ainsi la forme la plus répandue et a suivi l'histoire.

généralité

cinéma
L'intérieur d'un cinéma tandis que sur écran Ils courent les crédits de clôture du film
cinéma
Un type de dispositif électronique Digital Light Processing utilisé aujourd'hui dans un projecteur numérique moderne

L'art du cinéma est caractérisé par un spectacle offert au public sous la forme d'un film, à savoir l'enregistrement d'un film fictif appelé lit sujet, qui, selon sa durée, il peut être divisé en court-métrage (Durée ne dépassant pas 20 minutes), moyen métrage (De longueur variable de 30 à 50 minutes) et la plus répandue long métrage sous forme (d'une durée de plus d'une heure de projection) de comédie ou dramatique tout à fait identique à la Représentation théâtrale mais tourner, en partie ou entièrement, dans un studio de cinéma ou externe (Appelé également « Lieu », selon le terme moderne); ou le film documentaire, basée sur l'observation de réalité.

Les deux sont portés par un support qui peut être film flexible (formée par la première celluloïd, puis de triacetate de cellulose et enfin par téréphtalate de polyéthylène), Puis de la bande à bande magnétique, et enfin, avec l'avènement de cinéma numérique, le processus de numérisation à travers lequel les images et les sons sont convertis au film données IT pour diffuser le contenu numérique sur un support physique ou, par l'intermédiaire Internet, sur ce virtuel. Tous ces systèmes ont pour but ultime est d'être lu et codé par un mécanisme continu et intermittent, plus ou moins sophistiqués, ce qui créeillusion d'optique un 'image en mouvement.

La divulgation publique de l'émission enregistrée, qui diffère donc de tous les autres arts de la scène, se composait à l'origine d'un 'éclairage à travers un des supports optiques, Tout d'abord rudimentaire, puis de plus en plus perfectionnés: jeux miroirs, lent optique, projection de faisceaux lumineux sur les écrans transparents ou opaques, pouvant atteindre la propagation du signal numérique sur la dernière génération de téléviseurs sans écran CRT, avec écran plasma ou par écran LCD, jusqu'à ce que la télévision récente qui prend en charge la vision en trois dimensions qui, cependant, doit encore exprimer pleinement son potentiel, cette technologie étant encore à ses débuts et assez cher. Il est la croyance erronée encore répandue que le phénomène de la persistance des images sur la rétine permettant au spectateur d'avoir l'illusion d'optique des images en mouvement.

Ce phénomène permet à l'œil de percevoir comme un faisceau continu de lumière qui, au contraire, est une séquence rapide des éclairs. Dans le film professionnel d'aujourd'hui est de 48 par seconde, égale à 24 images par seconde, ce qui signifie que chaque trame est illuminé deux fois. L'illusion du mouvement est le travail du cerveau qui, selon des mécanismes pas encore complètement élucidés, est en mesure de rassembler la multiplicité des images qui sont transmises d'une manière unifiée en se créant l'illusion que ces images sont en mouvement. Selon certaines études, la perception du mouvement que vous auriez avec seulement six images par seconde, même si bien sûr, l'écoulement de l'action est très faible. Les premiers films à l'époque de film muet Ils ont été abattus à environ 16 images par seconde[2]; la norme de 24 images a été codé seulement avec l'avènement de film sonore, afin d'obtenir une vitesse linéaire du film suffisante pour un rendement correct de la piste sonore.

Dans le sens original, le film est la projection publique d'un film sur un écran. Dès le début, était par la projecteur dans un cinéma spécialement équipé à l'intérieur pendant les saisons d'hiver et à l'extérieur lors des sessions d'été, dans notre politeama ils avaient de places assises ou règlements Drive-in, populaire États-Unis d'Amérique Depuis 1921, il est devenu très populaire depuis les années cinquante. Ces chambres spéciales en plein air (le terme Drive-In, traduit littéralement, signifie « Aide-Inside ») consistait en des projections de films où vous vous asseyez pour aider 'voiture, décantation des zones spéciales mis en place en face de l'écran, avec le côté haut-parleurs audio: dans certains cas, la bande originale du film a été transmis sur les fréquences radio Modulation de fréquence sur lequel vous réglez pourrait le système stéréo de la voiture. Avec le déclin de la jouissance du cinéma du film, il est transmis à partir du support analogique (la bande vidéo dans les tailles Betamax et VHS, utilisé 1975-1998) ou numérique (la DVD, Il commercialisé depuis 1999, et Blu-Ray Disc, commercialisé depuis 2009) sur l'écran TV.

Très vite, de Charles-Émile Reynaud, en 1892 les créateurs du film ont réalisé que le spectacle projeté amélioré de manière significative en nous ajoutant à accompagner un musique joué en direct composée spécialement pour construire l'atmosphère de l'histoire racontée en mettant en évidence toutes les actions représentées. Ils ajoutent très rapidement au bruit de la scène provoquée par un assistant lors de chaque projection, puis commenter les actions qui se déroulent à l'écran par un bonimenteur dans le public. Depuis son invention, le film est devenu au fil du temps un la culture populaire, un divertissement, un 'industrie et médias. Il peut également être utilisé à des fins publicité, propagandiste, pédagogique ou pour la la recherche scientifique.

Le terme français d'origine, Cinéma, est le 'apocope le Cinematograph (à partir de grec ancien κίνημα / Kinema, « Mouvement » et γράφειν / graphein, « Write » donc « écrire en mouvement »), le nom donné par Léon Bouly en 1892 à son appareil de projection, un « dispositif réversible de la photographie et de l'optique pour l'analyse et la synthèse du projet » à qui son brevet, mais il n'a jamais réussi à le faire fonctionner. la frères Lumière Ils ont repris ce nom. Le père, Antoine Lumière, Il aurait préféré que le dispositif inventé par ses fils ont été nommés domitor, mais Louis et Auguste ont préféré utiliser le terme Cinématographe de définir plus efficacement la dynamique liées aux images qu'ils ont produites. Cependant, le terme d'Antoine est revenue en vogue en 1985 lorsque la France ' « Association internationale pour le développement et la recherche sur le cinéma des premiers » s a été surnommé avec un peu d'humour domitor. Le cinéma mot polysémique: Désigner l'art filmique, ou les techniques de tournage de films d'animation et leur présentation au public; ou, pour métonymie, la salle dans lequel les films sont présentés. Il est dans ce dernier sens que le terme est généralement abrégé à l'échelle mondiale comme « Cine » ou, français Cinoche (Ce dernier terme signifie littéralement « coup du lapin »).

La référence à l'écran proposé aux téléspectateurs diverses expressions liées au langage cinématographique: les objectifs tels que la "cadre de mise en service« Pour la prise de personnes et les objets en mouvement, et, de la même manière, subjective que » pour faire son cinéma « (rêve d'être un cinéaste de films que vous regardez peut sembler un peu trop optimiste, voire pathologique) «c'est le cinéma » (affirmation qui peut sembler exagérée ou fausse) comme plus et différentes sont les réactions que le procès public à regarder un film, ce qui reflète la forte puissance évocatrice d'un film. dans tous les cas, rappelez-vous que l'illusion image optique en mouvement ne doit pas être confondu avec le phénomène le plus complexe de 'illusion filmique, à savoir que l'expérience particulière que « si nous savons que nous voyons seulement un film, mais l'expérience cinématographique comme un monde entièrement réalisé »[3].

cinéma
Caméra Arriflex modèle 35mm 435 Xtreme (2013)

Si les films qui sont conçus pour représenter spécifiques société plusieurs fois reflètent pas parfaitement votre fidélité[4] leur propagation est pratiquement universelle, les histoires racontées sont basées le plus souvent sur les grands sentiments au profit de l'humanité tout entière. Le nombre croissant de salles de cinéma, aidé par l'introduction de sous-titres ou doublage de dialogues, Il est maintenant devenu secondaire au niveau commercial; vente de droits de diffusion aux chaînes de télévision sont nombreuses et leur disponibilité dans différentes tailles des ménages sont devenus les principales sources de revenus pour le cinéma, avec des ressources qui ont fait leurs preuves colossales.

Selon une étude réalisée par ABN AMRO en 2000 environ 26% du chiffre d'affaires provenait de la vente de billets dans les théâtres, 28% provenaient de la distribution nationale, et 46% au lieu provenaient des ventes dans des formats nationaux[5]. Aujourd'hui, en l'absence de statistiques, on peut dire que la section sur la 'vidéo Accueil Il a largement dépassé les 50% dans le monde: ce qui signifie qu'actuellement la majorité dans la distribution du film se produit principalement en privé domestique, alors que la vision collective du film dans les cinémas est maintenant une minorité en dépit d'une spécialisation de plus en plus approfondie genres qui l'a conduit par conséquent la tendance à réunir plusieurs pièces de différentes tailles dans une structure spécialement créée définie cinémas multiplex, qui en fait fait leur première apparition dans le niveau presque expérimental au Canada en 1957[6], à laquelle on ajoute un rispolvero, affiné, la cinéma D.

L'histoire du cinéma

icône Loupe mgx2.svg Le même sujet en détail: L'histoire du cinéma.

L'histoire du cinéma est jonchée de petites et grandes inventions techniques. Ici aussi, les progrès réalisés n'a jamais cessé, et a vu quelques points de retournement, comme le passage du muet au son, du noir et blanc à la couleur, à partir de l'écran carré panoramique et le film analogique au numérique. En raison de cette évolution technologique rapide est passé à plus de 120 ans, il a augmenté le degré de spécialisation des travailleurs engagés sur l'ensemble, et de nouvelles professions ont été créées. Actuellement, les grandes productions sont peuplées par une véritable armée en bonne place dans le générique du film en cours. Des appareils photo à moteur d'Edison et Dickson, à ceux manivelle des frères Lumière, l'équipement utilisé progressivement devenu de plus en plus complexe, et permettent le contrôle de la caméra évolution millimétrique de la machine.

Precinema: les locaux du cinéma

icône Loupe mgx2.svg Le même sujet en détail: Precinema.
cinéma
Sallie Gardner à un Gallop, le premier film expérimental réalisé par Eadweard Muybridge en 1873.
cinéma
Sallie Gardner à un Gallop, comme il a été conçu dans les photographies origine.Queste ils ont été publiés pour la première fois à Philadelphie en 1887.

Le cinéma est né à la fin de XIXe siècle. Pour définir la recherche qui a conduit à l'invention du cinéma, et avant le premier film réel 1891, on parle de Precinema[7]. On dit souvent que les inventeurs du cinéma étaient les frères Lumière. Ils ne se sont pas revendiqué les revendications, la correction de ces allégations, disant que le film a été le résultat de la recherche a poursuivi fébrilement à travers le monde et que tout le monde avait atteint son but. En effet, le premier film, tel que revendiqué par Laurent Mannoni, historien du cinéma et conservateur de l'équipement Cinémathèque française, Ils ont été enregistrés auprès de la Kinétographe américain Thomas Edison, breveté 24 Août 1891, au moyen d'un film perforé de 35 mm et un système d'alimentation intermittente du film intitulé à Rochet roue, ce qui peut plus ou moins signifie « roue dentée ». Entre 1891 et 1895, Edison a produit environ 70 films avec ce système[8]

Mais les illusions de l'image en mouvement plus tôt cet appareil (début du XIXe siècle) ont été fournis par une sorte de jouets scientifiques qui ont utilisé des dessins de représentants d'une personne aux prises avec les différentes phases d'un geste décomposées en deux ou une douzaine dessins animés, dont la succession est affichée par des fissures ou des miroirs rotatifs. Ces « jeux de société », bientôt affezionarono un public riche, ont pour but de développer la curiosité scientifique dans l'esprit des enfants des familles riches. Parmi eux, il convient de mentionner phénakistiscope belge Joseph Plateau, la zootrope de l'anglais William George Horner, la folioscope Pierre-Hubert Desvignes français, qui est une adaptation de flipbook John Barnes Linnett de l'anglais, et praxinoscope français Charles-Émile Reynaud. Sans oublier la zoopraxiscope Le photographe britannique Eadweard Muybridge, également à noter que Muybridge et son équivalent français, le célèbre Étienne-Jules Marey, développé différentes machines avec des procédés optiques pour plus scientifique plutôt que commercial, à tâtons à se décomposer, puis étudier les mouvements des humains ou des animaux, et en général tous ces phénomènes trop vite à analyser par l'œil humain, par exemple, la chute des gouttes d'eau, une explosion ou des réactions chimiques.

En 1872, l'homme d'affaires et gouverneur de Californie Leland Stanford Il a demandé Eadweard Muybridge de confirmer son hypothèse, à savoir que pendant le galop d'un cheval, il y a un moment où toutes les jambes sont soulevées du sol. Le 19 Juin 1873 Muybridge a photographié avec succès un cheval de course appelé « Sallie Gardner » en utilisant 24 caméras, disposées en parallèle le long de la piste, et chaque machine a été actionnée par un fil frappé par les sabots du cheval tous les 21 cm pour couvrir les 20 mètres extension de la piste, et les photos ont été prises dans une milliseconde.[9] Cette séquence d'images en mouvement, appelé « Sallie Gardner au galop »[10], une durée de 3 secondes a montré comment les sabots se lever du sol en même temps, mais pas dans la position complètement étendue, comme il a été souvent représenté. Neuf ans plus tard, en 1882, Étienne-Jules Marey a construit le premier cronofotografico des armes à feu, qui a pu prendre 12 images par seconde, l'enregistrement de toutes les images des films individuels. Le deuxième film expérimental, Roundhay Garden Scene, filmé par Louis Le Prince 14 octobre 1888, et durable pendant deux secondes, est le plus ancien film existant, certifié par Guinness World Records; l'auteur a préparé un brevet américain pour un nouveau dispositif à 16 lentille sur un film de 60 mm, mais n'a pas pu le déposer, il ne pouvait effectuer la projection du film avec un public.

Les premiers films

cinéma
Thomas Edison et son phonographe

Le 20 mai 1891 Il peut être considéré comme une date fondamentale dans l'histoire du cinéma. Ce jour-là, les Etats-Unis Thomas Edison, inventeur de la fabrication industrielle de ampoule et concepteur électrique et fabricant de phonographe, ainsi que son collaborateur principal, l'ingénieur électricien William Kennedy Dickson, a réussi à présenter dans son premier film publique, salutation Dickson. Edison, qui était devenu pratiquement sourd pendant son adolescence, rêve de réaliser l'invention d'une machine qui permet d'enregistrer l'image d'un chanteur ou un orchestre qui joue une chanson ou un air d'opéra. « Cela pourrait vous permettre d'assister à un spectacle Metropolitan Opera Cinquante ans plus tard, presque tous les artistes ont disparu depuis longtemps maintenant ".[11]

Une invention cruciale, est arrivé au bon moment, est celui dans lequel américain John Carbutt 1888 met sur le marché, produits par les usines appartenant à George Eastman, un film flexible celluloïd coupé en rouleaux de 70 mm de largeur, recouvertes d'une substance photosensible. Le 1888 peut donc être considérée comme la fin de Precinema et les débuts du cinéma. Comme le film flexible du duo Eastman Carbutt non perforé, Edison et Dickson créer ce qui deviendra vingt ans plus tard, le format standard international pour la projection du film. Ils coupent en outre le film Eastman sur toute sa largeur, en deux bandes de 35 mm chacune équipée de deux ensembles de quatre perforations rectangulaires pour chaque cadre.

cinéma
William Kennedy Dickson en salutation Dickson, le premier film jamais présentée en public (1891)

Selon la conception d'Edison, l'usine Dickson kinétographe, une machine lourde et encombrante, ce qui nécessite seulement une connexion électrique pour activer le moteur. Mais il a aussi le mérite de bien. Le film avance de façon intermittente, entraînée par une roue dentée associée à une « roue dentée ». Le seul défaut est représenté par le temps de retrait du film, trop court par rapport à l'axe optique de la lentille. Une soupape rotative, qui reste fermée pendant la projection du film, ouvre lors de son immobilisation, assurant le tirage au sort et d'éviter les fractures. Le film projeté est alors rembobiné. En parallèle, les deux inventeurs développent un dispositif pour regarder les films à venir, la kinétoscope, un meuble en bois sur lequel le spectateur regarde individuellement un film qui se déroule en continu, entraîné par un moteur électrique devant une boîte à lumière. L'utilisateur observe le film à travers un judas et une série de lentilles grossissantes. Le mouvement est restauré par le passage d'un obturateur circulaire synchronisé avec l'unité à travers les perforations du film, ce qui révèle ses cadres l'un après l'autre, à un débit de 18 unités par seconde.

en 1891 Dickson a fait un test en lui-même le tournage comme visant un clin d'œil à ses futurs spectateurs. Ceci est le premier film de cinéma, salutation Dickson, qui dure moins d'une douzaine de secondes, et dont aujourd'hui seulement survive un fragment de deux secondes. Il a été introduit le 20 mai 1891 devant une assemblée de 150 militants Fédération du Club des femmes. Le succès va au-delà attente: les spectateurs, que ce soit individuellement ou en groupes de deux, floquer féliciter les inventeurs du kinétoscope et de continuer à voir plus d'une fois salutation Dickson et exprimant leur étonnement et leur satisfaction[12]. La poursuite de l'enregistrement de mouvement et son rendement projeté tant désiré est ce qui a finalement acquis et la date de délivrance de la première présentation publique, le premier film de cinéma est ce Edison et Dickson. En 2005, le fragment de deux secondes de la première et tous les autres films produits par Edison ont été numérisés et font désormais partie d'une série de DVD distribués aux États-Unis par le roi vidéo en collaboration avec le Musée d'Art Moderne New York.

cinéma
le "black Maria», Le premier studio de cinéma Edison et Dickson (1893)

Dynamisée par le succès, Edison ouvre sur le territoire des États-Unis Laiteries kinétoscope, les chambres où de nombreux appareils sont alignés et équipés pour changer le film à afficher où entrer et de les voir téléspectateurs doivent payer des frais d'inscription de 25 cents. Ce sont les premiers vrais cinémas peuvent être considérés. Il Laurie Dickson qui est chargé de diriger le tournage, et considéré comme un administrateur avant l'heure. Dickson a construit le premier film pose studio, le "black Maria« (Il était le nom populaire qui a été attribué par le peuple à la police, fourgons noirs et mal à l'aise), car il recouvert de papier de goudron noir au point en entrant dans l'effet est celui d'une serre chauffée. Le petit toit ouvrant du bâtiment est situé sur un guide circulaire et peut être orienté en fonction de la position du soleil, car la lumière du jour est le seul éclairage utilisé. Chaque coup a une durée maximale de 60 secondes, le film se compose d'un seul coup d'un seul séquence d'étage. Sur leurs débuts à l'échelle nationale, cependant, les films Edison attirent peu; les téléspectateurs préfèrent le divertissement de la salle de musique et d'attractions populaires de la foire. en en 1895 Le succès du film Louis Lumière, tout filmé en forçant externe naturel Edison à abandonner le « Black Maria. » de sorte qu'il allège le poids de la caméra en supprimant le moteur électrique et adopte la manivelle utilisée par les frères Lumière.

cinéma
un kinétoscope Parlor à San Francisco en 1894.

la kinétoscope (Nom commercial, pour être exact, il est Kinétoscope Peep Afficher la machine) Attire de nombreux curieux, mais Edison, dans l'euphorie du succès, vous oubliez de déposer l'appareil de brevet, une incroyable légèreté par un inventeur à bien des égards exigeant et minutieux. Très vite faux billets se développera dans le monde, au point que Edison ne sera pas en mesure de contrôler la situation. « A ce moment là, il était évidemment trop tard pour protéger mes intérêts », il quittera écrit dans ses mémoires[13]. Cependant, à l'été 1894 pour organiser Paris une démonstration publique kinétoscope qui aide Antoine Lumière, le père des deux frères, qui est revenu à Lyon Il dirige ses enfants de concevoir un dispositif similaire au kinétoscope et Kinétographe. Ainsi, le 26 Novembre 1894, lit le journal Lyon Republicain les frères Lumière travaillent actuellement sur la construction d'une nouvelle Kinétographe pas moins important que celui d'Edison, et qui va bientôt Lyon, nous croyons, le premier à voir "[14] dell'antecedenza est la preuve irréfutable des machines et les films américains que leurs inventeur concurrents français. historien du cinéma Georges Sadoul Il dit que « les films tournés par Dickson parlent strictement le premier film '[1] Mais dans le même livre, il offre une impressionnante Histoire mondiale. Cinq films de cinquante pays qui commence en 1892, avec des projections d'Émile Reynaud. L'historien croit que les deux tentatives testaient seulement; à la fois ceux de Dickson entre 1888 et 1891 (y compris la salutation Dickson, également considéré comme un test) et pantomimes Reynaud lumineux[1].

Les premières projections animées

cinéma
projets Charles-Émile Reynaud Pauvre Pierrot dans son Théâtre optique. Gravure Louis Poyet (1892).
cinéma
Un extrait de Pauvre Pierrot Charles-Émile Reynaud, l'un des premiers dessins animés dans l'histoire du cinéma.

en 1877 le professeur de sciences et photographe Charles-Émile Reynaud créé et breveté sa propre illusion d'optique, la praxinoscope où il envisage des miniatures en mouvement, drôles ou poétiques. Le Praxinoscope immédiatement rencontré la faveur du public et le dernier modèle conçu par lui permet aussi la projection de dessins sur un petit écran; comment il pense Reynaud, son art atteint ici le point culminant de la « » représentation effet magique « des lanternes rougeoyantes. Mais, comme tous les « jeux de société » ses sujets sont trop courts: les gestes, les pirouettes, les transformations, ne durent une seconde. En 1892, un an après les premiers films d'Edison, dont la durée est légèrement plus longue, a entrepris la fabrication Reynaud d'un projet ambitieux qui le hantait depuis au moins quinze ans: un dispositif qui a été utilisé pour projeter sur grand écran, donnant ' illusion du mouvement, des dessins qui racontent une histoire vraie de durée variable de deux à cinq minutes.

Avec de la patience, il peut d'abord dessiner puis peindre sur une Eastman fabrication d'un film celluloïd, 70 mm de large, des centaines de dessins animés qui représentent différentes attitudes des gens en mouvement, face à face. Sa technique est le début de ce qu'on appellera plus tard le dessin animé, et ses mouvements reconstruits dans le rang de la catégorie de film, puis film. En Octobre 1892, Charles-Émile Reynaud a présenté à Paris, dans le « Cabinet fantastique » Musée Grévin qui renomme les Théâtre Optique, Il pantomimes son brillant, les définissant comme le film à tous égards. Le Théâtre Charles-Émile Optique Reynaud représentait l'innovation considérable par rapport à Thomas Edison et a ouvert les premières projections de films d'animation sur grand écran. Contrairement à la vision unique kinétoscope, le public de Théâtre Optique Il a rencontré comme dans une assemblée pour suivre l'histoire projetée sur l'écran. Ainsi, le Musée Grévin peut se vanter d'être la première salle de projection du film, trois ans avant que les projections des frères Lumière.

Le Cinématographe Lumière

cinéma
la frères Lumière, considérés comme les inventeurs du cinéma.

Au cours de l'été 1894, lors d'un voyage à Paris, Antoine Lumière assiste à l'une des projections animées du Théâtre de Charles-Optique Émile Reynaud au Musée Grévin, le nº 10 du boulevard Montmartre. Des représentants de Thomas Edison lui a offert un échantillon d'un pied de 35 mm film perforé de l'industrie américaine. « Je suis étonné par le Kinetoscope Edison »[15] Antoine revient à Lyon, convaincu que l'enregistrement et la représentation marché des images animées photographiques (le terme anglais film, adopté pour la première fois par Edison en 1893 pour définir le film exposé n'a pas été encore connu), il est à portée de main, riche et signe avant-coureur de promesses commerciales. Les projections du Théâtre et les réactions Optique du public aussi convaincu que l'avenir est pas kinétoscope, vu par une personne à la fois, mais dans un dispositif similaire à celui de Reynaud, projection à l'écran cette fois-ci pas de la bande dessinée, mais les gens en mouvement, avant une réunion du public.

Le film flexible produit par Eastman reçoit une commission des droits industriels, y compris le prix par mètre de soutien aux ventes. Ce film doit assurer un accès progressif et continu à ses bords de telle manière que la denture de l'appareil assure le passage dans les perforations et ainsi impressionner image par image tout au long de la bande. Mais les frères Lumière savent déjà que des perforations rectangulaires Edison ont fait l'objet de nombreuses imitations et brevets, non seulement de rendre la situation incontrôlable même Edison, mais aussi à eux-mêmes. Ils avertissent toutefois que leur réalité industrielle est cruciale. Mais leur imitation serait un cas de violation, et Edison ne hésiterait pas à les poursuivre en justice. Pour éviter de payer des redevances aux États-Unis d'Amérique, étudient les frères Lumière un système de forage rond à appliquer à leurs films, disposés latéralement au taux d'une perforation des deux côtés de chaque trame.[16][17] Le film perforé du rectangle Edison, qui est considéré comme plus efficace, est choisi comme méthode standard dans le monde entier de la part des fabricants de films pour les projections des films de 1903.

cinéma
Le principe mécanique du Cinématographe des frères Lumière: le mouvement de pénétration et le retrait ultérieur de la perforation ronde du dispositif sur le film a lieu par l'intermédiaire d'un bras de maintien de deux rampes aidé par un étagère en rotation.

Les frères Lumière préparent ensuite une série de projections payés à Paris' Salon du Grand Café Indien, au numéro 14 du boulevard des Capucines. Le premier jour, le 28 Décembre 1895, il n'y avait que 33 spectateurs (dont deux journalistes) sont venus observer ce « nouveau spectacle »[1][18]. Le bouche à oreille parmi le peuple favorise l'expansion des nouvelles et en une semaine la ligne de gens atteignent la rue Caumartin. Les projections atteignent les séances à guichets fermés et doubles quotidiens, l'impact de ce qui se passe dans les mois à venir est mondial. Dix films (Louis Lumière les appelle « visuel ») composent le spectacle. La sortie de l'usine Lumière à Lyon, La Place des Cordeliers à Lyon, Le congrès de du Débarquement à Lyon photographie, La Mer (en mer Baignade), deux enfants plongés dans les vagues, Les Forgerons par exemple, d'Edison, mais qui forgent authentiques forgerons leur matériel depuis Dickson, dans le but du tournage, il était content de reconstruire la forge avec des figurants peu convaincants simples. Voici deux scènes familières avec un enfant, l'enfant lui-même d'Auguste Lumière, en Le Repas de bébé et La Pêche aux poissons rouges. Viennent ensuite deux sketches de la vie militaire, le Voltige et Le Saut à la couverture, dans la tradition des humoristes errant. Cette session a pris fin avec le célèbre Le Arroseur arrosé qui est en fait le premier film dans l'histoire du cinéma mettant en vedette les acteurs (les premiers films de fiction sont conçus par la pantomime Émile Reynaud). Quelques jours plus tard, le 6 Janvier 1896, les deux frères ont présenté une autre sont restés célèbres films, L'arrivée train d'en gare d'un de La Ciotat, qui a probablement impressionné les spectateurs, bien que ces résultats ne sont pas complètement fiables. Le Grand Café existe encore aujourd'hui, aussi il est devenu un hôtel sous le nom « Le Café Lumière - Hôtel Scribe »; le plus ancien cinéma dans le monde encore en activité est toujours en France, aniche: Cinéma Jacques Tati Idéal, ouvert 26 Janvier 1902 et ouvert au publique 23 Novembre, 1905[19].

Les premiers cinémas

Après la projection à salon Indien, 28 décembre 1895, se propagea rapidement les cinémas: le seul 1896, projections sont démarrés:

Le kinétographe Alberini

Parallèlement aux frères Lumière, à l'automne 1894 un photographe employé dans le département de fonotecnico 'Institut géographique militaire de Florence, Filoteo Alberini, Il avait déjà remarqué kinétoscope Un magasin à Edison selon la place de la République, qui était alors le nom Piazza Vittorio Emanuele. Au rejet de boutiquier pour montrer le fonctionnement de l'appareil retourne à la maison et décide de construire en son nom un appareil pour la projection d'images sur le grand écran de sa propre invention. Alberini n'était pas nouvelle à l'expérience de nouveauté, il avait déjà gagné la reconnaissance de l'invention qui facilite la reproduction de fotozincografica des cartes dans le domaine de cartographie. En seulement deux mois, il conçoit, fabrique et teste le kinétographe. Alors il est allé en France pour montrer les projets aux frères Lumière, qui sont impressionnés[20]; à son retour en Italie, en revanche, les obstacles bureaucratiques pour empêcher Alberini de breveter son invention à temps pour être en mesure de présenter au public: le ministère de l'Industrie et du Commerce publiera que le brevet en Décembre 1895, juste au moment où les frères Lumière organisés les premières saillies. Alberini ne pas céder et a toujours réussi à ouvrir son propre cinéma, le Royal Cinema Salle Lumiere, en 1899, qui, cependant, sera contraint de fermer déjà l'année suivante, lorsque l'entrepreneur Remondinis a ouvert une autre salle de cinéma à côté son, le cinéma Edison, toujours sur la Piazza Vittorio Emanuele[21]

Thomas Edison a compris que la technique de projection sur grand écran Cinématographe a représenté le point culminant de son kinétoscope. Son assistant le plus de confiance, Laurie Dickson, a réussi le concours. Francis Jenkins inventeur Edison a acheté les droits du dispositif de projection breveté en Octobre 1895 sous le nom de Phantascope, il adapte avec l'aide de l'ingénieur Thomas Armat et appelle Vitascope. Edison sera alors projeté sur grand écran un grand nombre de films réalisés avec kinétographe depuis 1893. Charles-Émile Reynaud, pour sa part, elle maintient les projections de Musée Grévin. Il parvient à attirer environ un demi-million de spectateurs entre 1892 et 1900, qui à l'époque représentait encore un grand succès. Cependant, la concurrence qui se développe autour du Grand Café lui parvient directement, ce qui d'abord réagit essayer d'adapter à son unité de films. Mais les films d'Eastman sont en noir et blanc, et leur couleur fait avec la peinture ne répond pas entièrement aux colorants Reynaud pastel délicats de ses dessins animés. Au début du XXe siècle, Reynaud a déclaré faillite. En désespoir de cause, il a détruit la quasi-totalité de son équipement - ceux qui survivent sa fureur les vend au prix déterminé par le poids de la matière - et se jeta dans la Seine presque tous ses dessins en couleur Les faits sur celluloïd. Aujourd'hui, ils ne survivent que deux de ses créations, Autour d'une cabine et Pauvre Pierrot; de leur point de vue, il est compréhensible que sa décision avait été une perte irréparable pour l'histoire du cinéma.

Naissance d'une industrie

cinéma
Georges Méliès en 1890.

Pour varier les horaires, et surtout de vendre leurs films et de matériel de projection, le cinéma, aux gens riches, les frères Lumière nourrissent leurs fonds de mise en service « d'action en direct » par les professionnels engagés dans le monde entier. Le plus célèbre d'entre eux, Charles Moisson, Gabriel Veyre, Alexandre Promio, Constant Girel, Francis Doublier et Félix Misguich enregistrer les films qui leur sont confiées par une seule séquence. A titre exceptionnel, ils arrêtent les premiers craquements afin d'économiser sur le film précieux Eastman et pour sauver le film lui-même à la fin d'une scène d'eux considéré comme trop long, récupérer un peu plus tard le traitement en créant deux couches superposées du même film qui est ensuite coupé et collé en éliminant les cadres surexposées et perdus pour arrêter et redémarrer l'unité de récupération. À l'époque, nous ne pouvons pas encore parler de problèmes de montage, c'est plutôt une simple réparation.

aussi Georges Méliès, célèbre illusionniste, nous assistons à l'une des premières projections au Grand Café. Imaginez la rapidité avec laquelle une section consacrée à la projection du film peut enrichir son spectacle au Théâtre Robert-Houdin qui l'a acheté en 1888. A la fin de la session, fournit une somme astronomique (à l'époque était à la hauteur de la gloire et la fortune) d'acheter le brevet des droits de l'exploitation Cinématographe. Antoine Lumière Il a refusé et dit bonhomie: « Jeune homme, je ne veux pas gâcher, cette machine n'a qu'une valeur scientifique, aura pas d'avenir dans le show business. »

cinéma
Alice Guy une photographie de la fin du XIXe siècle.

Après refus poli d'Antoine Lumière, Georges Méliès n'a pas cédé, ce n'est pas son style. Il répond à deux de ses amis anglais, et Birt Acres Robert William Paul, inventeurs cinétiques de la pièce qui a développé à peu près dans la même période du cinématographe des frères Lumière. Robert William Paul a bâti une solide réputation en Angleterre imitant le Kinetoscope Edison. Cette fois-ci fournit Méliès dans une chambre construite en un seul exemplaire. Il reste en France la tâche de faire fonctionner grâce à l'achat d'un film. Il parvient à se procurer en Angleterre un stock d'Eastman le film vierge 70 mm et se lance dans deux techniques considérées comme des opérations dangereuses: un dispositif de procure découper le film en deux précieux bandes 35 mm, puis par une autre de sa machine invention crée une rangée de perforations rectangulaires sur chaque bord du film, qui est alors prêt à être exposé.

en attendant Léon Gaumont, un industriel qui vend le matériel et les fournitures pour la photographie, ce qui a conduit le film photographique en format 60 mm avec Georges Demenÿ, Il propose un catalogue sain de bobines de film à 35 mm et confié à son secrétaire, Alice Guy, chargé de diriger la production de certains films. Alice Guy est considéré comme la première femme cinéaste du monde alors elle se réalise plusieurs centaines de films, y compris un passion (Jésus) qui marque le début d'un film religieux sur le thème sur le marché du cinéma, bénéficiant d'une célèbre scène comme via Crucis.

Un nouveau venu dans la course pour le succès Charles Pathé, à travers laquelle les gains tirés de la projection du film décide d'envoyer différents opérateurs à travers le monde, suivant l'exemple de Louis Lumière, au cinéma aussi des paysages naturels, toujours sous forme de bobines de films impressionnables dans un seul plan de séquence. Bientôt, avec l'aide de ses frères, sa compagnie, Pathé-Cinéma, devenir aussi puissant que les plus grandes entreprises américaines, Edison Studios ou Vitagraph Société. Son emblème est toujours le logo de coq, et il est encore aujourd'hui.

Naissance d'une langue

cinéma
L'étude de Méliès, Star Movies Montreuil, était complètement vitreux, contrairement à la black Maria. A gauche: un élément peint Méliès décoratif.

De 1891 à 1900, et jusqu'à ce que quelques années plus tard, les films sont toujours présentés dans le même aspect: une bobine de film 35 mm de la norme de 20 mètres (65 pieds) sur lequel est impressionné une séquence de plan unique comprenant un seul trame (a 'coup) Qui, en projection, dure moins d'une minute. cinéastes britanniques sont les premiers à découvrir les avantages de ce qui deviendra la coupe découpage et plus tard son corollaire, la montage. historien du cinéma Georges Sadoul les regroupe sous le nom de "Brighton école« Réservant les plus méritants d'entre eux une citation: » En 1900, George Albert Smith et James Williamson Ils étaient toujours à l'avant-garde du cinéma "[1]. dans leur Du cinéma grammaire, Marie-France Briselance et Jean-Claude Morin n'a pas hésité à déclarer: « Alors que William Kennedy Laurie Dickson, William Heise, Louis Lumière, Alexandre Promio, Alice Guy, Georges Méliès, et, bref, tous les inventeurs du film original, non derogarono habitude de ne jamais reprendre une fois la scène et l'action d'un seul coup et une séquence d'un étage, George Albert Smith décrit une seule action qui se déroule au même endroit en adoptant la séquence des plans multiples interconnectés les uns aux autres que par la logique visuelle. Il est la première expérience de ce qu'on appellera plus tard technique découpages, à savoir la différence entre le plan scénique pour l'action et le temps nécessaire pour filmer "[22].

cinéma
George Albert Smith en 1900 (à droite, vous pouvez voir sa chambre devant lui sur son bureau: son point de vue subjectif pour le montage du film).

Propulsé par George Albert Smith en 1900, le film Verre de lecture de grand-mère, (Les lentilles de grand-mère) Est l'une de ces œuvres qui influenceront le film à venir (en tant que telle volonté Les aventures de Dollie, Citizen Kane, À bout de souffle et Mulholland Drive). Ce film d'une durée d'une minute et vingt secondes est basée sur un sujet assez trivial, comme il était d'usage à l'époque de concevoir un garçon utilise la lentille de la grand-mère d'observer ce qui se passe autour de lui. George Albert Smith Deux coups de séquence alternée. Un tir principal montre le garçon avec sa grand-mère, raccommodage occupé. Le jeune homme prend la lentille et le dirige vers une horloge, qui est représentée premier plan à travers une ouverture ronde de la lentille. Le garçon regarde autour de lui et se concentre sur son objectif d'un oiseau enfermé dans une cage. Gros plan de l'oiseau par une coupe d'édition. Le garçon se déplace alors la lentille est face à la grand-mère: un premier étage assez amusant affiche l'oeil droit de la grand-mère qui tourne dans tous les sens, toujours vu à travers une coupe de montage ronde. Le garçon connu alors le chat de la grand-mère, cachée dans la poubelle. Gros plan du chat à travers la lentille. Le chat se faufile hors du panier va et grand-mère arrêter de jouer avec le garçon. Cette succession de séquences, liée de la même histoire, ouvre la subdivision en plusieurs niveaux de séquence d'un film cinématographique, ce que nous appelons l'ensemble classique, ou plus simple montage. Et cette séquence logique, qui est l'ensemble de tous ces éléments filmés séparément, sera ci-après appelé montage alternatif. La découverte sera fondamentale et importante: en outre, le film inaugure subjectif, puisque chaque plan de séquence vu à travers la lentille est un niveau subjectif puisqu'il suit les yeux du garçon. De nos jours, les plans de séquence peut sembler simple et évidente, presque banale, mais en 1900, elle représentait une révolution.

cinéma
L'astuce la plus célèbre de Méliès, le navire qui pénètre dans l'œil de la Lune Le Voyage dans la lune (1902) considéré comme le chef-d'œuvre de son cinéma d'attractions ainsi que le point de départ de films de science-fiction.

Georges Méliès ne comprenant pas la contribution essentielle pour filmer les auteurs de « l'école de Brighton », et Le Voyage dans la lune qui réalise en 1902 est encore, malgré ses nombreuses trouvé plein d'humour, une sorte de tableaux de la manière de « music-hall », pour une durée d'environ 13 minutes. Cette réserve permet d'affirmer que Méliès était pas, contrairement aux allégations, l'inventeur du cinéma comme fiction, mais sa contribution strictement technique est importante pour le développement de ce qu'on appelait alors la cinéma d'attractions: La richesse de pionnier effets spéciaux comme double exposition, la fondu et l'arrestation du second semestre, ce dernier un processus déjà connu par William Heise et Alfred Clark, tous deux partie de l'équipe qui se Edison L'exécution de Marie, reine d'Ecosse en 1895. Mais alors que Heise utilise une seule fois cette « base trick » (à l'époque était encore beaucoup à découvrir) Georges Méliès, après une première tentative réussie en 1896 (Ploy d'une dame chez Robert-Houdin Théâtre) Adopter fondu, double exposition, arrêter la prise de vue et d'autres inventions visuelles telles que superposition sur des dizaines de films qui feront plus tard, avec un sens de la créativité à chaque fois renouvelé, montrant la dextérité et l'extérieur extraordinaire, qui émerveille encore aujourd'hui tous les professionnels film.

cinéma
David Wark Griffith.

en 1908 à David Wark Griffith, Autodidacte américain qui a commencé sa carrière en tant qu'acteur au Biograph, mettant en vedette dans plusieurs films, y compris Sauvée de Nid d'aigle, durée de 7 minutes, réalisé par Edwin Stanton Porter, pour lequel il a accepté le cascadeur improvise, a été confiée à la direction d'un film de 13 minutes, Les aventures de Dollie. Les découvertes de George Albert Smith, et plus généralement de « l'école de Brighton » a ouvert d'immenses espaces créatifs pour les cinéastes; Pendant ce temps, la durée des plans de séquence dans le film est variable de 10 à 13 minutes, soit une bobine de film 35 mm arrive à la longueur de 300 mètres environ. Ensuite, il y a la question du nombre de bobines, qui peut également être comparé aux deux seul jusqu'à présent utilisé. Les aventures de Dollie est un film par une seule bobine et le sujet, encore une fois, il est simple: la fille d'un riche couple est enlevé par deux gitans qui veulent se venger sur le comportement arrogant de la mère de la jeune fille. Le père et pourchasse atteint les kidnappeurs, mais la remorque n'a pas trouvé des traces de la jeune fille. Pour détourner des enquêtes sur elle, l'un des kidnappeurs qui se cachent derrière un tonneau qui se termine dans la rivière est prise par le courant, vers une chute d'eau, mais le tonnelet se échoue dans un méandre de la rivière et a été remarqué par certains gars qui ils sont la pêche. Les parents, heureux, la prendre dans ses bras pour la réconforter, mais peut-être, pour elle, l'histoire était seulement une aventure passionnante. Griffith accepte ce sujet, malgré la complexité apparente de réalisation en raison des différents lieux et la simultanéité des actions, parce qu'il comprend - sans avoir eu aucune expérience dans le domaine - comment traiter ce type d'actions parallèles.

Le film complet Les aventures de Dollie David Wark Griffith (1908), le premier film à utiliser étages de séquences multiples dans différents lieux de l'action narrée.

Cela n'a pas été évident en 1908. C'est donc celui qui cherche et parvient à Griffith depuis son premier film. Ils rejoignent la séquence de plans montrant la riche famille réunie joyeusement pour jouer au badminton avec la séquence des plans couple gitan dans leur camp: l'homme revient de confrontation et humiliés jurant de prendre compagnon de vengeance. L'homme tombe à la maison de la famille, profiter d'un moment où l'enfant est seul à saisir et se enfuir alors qu'elle pleure désespérément. Ici vient le camp et montre sa fille avec son partenaire qui est étonné de se produire; pour cette raison reçoit une raclée sévère par son partenaire. Devant la maison, la famille découvre la disparition de leur fille et de sa part de mari de ses recherches avec certains de ses voisins. Au camp, la gitane tient la jeune fille dans un tonneau et se ferme. Le père et les voisins, furieux, cherchant la fille partout sans même penser à regarder à l'intérieur d'un baril. Ils ne peuvent battre en retraite, vaincu, permettant à la paire de gitans de quitter le terrain prématurément. Leur caravane de galoper et traversant une rivière, le canon se détache et est entraînée par le courant. Devant eux, le jardin riche couple est dans le désespoir pour leur longue recherche sans succès. La technique nouvelle pour le temps, la séquence, plusieurs plans montrent le canon qui est entraînée par l'eau et un mouvement de la canne à pêche qui traverse la rivière le long d'une petite cascade. Devant la maison, une pêche jeune homme, tout à coup immobilisé sur l'herbe: rappelle son père qui donnera l'oreille au canon, en écoutant ceux qui semblent crier. Laissez votre canne à pêche et ouvre le canon libérant petit: la famille est enfin réunie avec joie.

Cette division multiple est inspirée par la nouvelle technique: Griffith, en fait, bien qu'il ait jamais assisté à l'Université, d'ici à la cultiver jamais, perfectionner davantage. Parmi les nombreux métiers qui sont adaptés à la vie, il a fait même le vendeur de livres et comment Edison, lit beaucoup. Il connaît la technique du romancier le don dell 'ubiquité parallèle deux ou plusieurs actions qui ont lieu en même temps. Griffith estime que les plans de séquence permettent de la même façon de passer d'une action arrête dans un environnement particulier à une autre action simultanée qui se déroule dans un contexte complètement différent, ayant également la possibilité de médiocrement à passer au scénario suivant précédent , passant d'une action à l'autre - il sera appelé ci-après en tant que montage en parallèle - qui ne se trouve pas une fin en soi mais raffiné, semblable à dichotomie et déjà fourni à la suite de l'écriture des scènes succession - l'avenir scénario - fourni aux membres de l'équipage avant le tournage du tournage. Il est cette capacité de couper ou d'un supplément séquences tourner qu'à partir de maintenant permettra aux cinéastes de faire de plus en plus des histoires et plus complexes, mettre en action beaucoup de gens aux prises avec des situations différentes mais de la même histoire. Griffith ouvre la voie à l'avenir longs métrages. Les salles de cinéma sont plus occupés et les films deviennent rallongent: les deux bobines passe à quatre, six, mais encore plus, apportant une bouffée d'air frais à l'émission Cinéma augmente considérablement avant guerre 1914-1918 et recommencer à nouveau après l'armistice.

Advent du son

cinéma
L'ingénieur E.B. Craft (à droite) dans une démonstration du son Vitaphone de Western Electric (1926). A gauche, un assistant est titulaire d'un disque avec la bande-son à jouer en synchronisation avec les images.

en 1892, Charles-Émile Reynaud Il fait accompagner les projections de son Théâtre Optique par un pianiste, Gaston Paulin, qui a composé expressément pour ses films, de la musique originale. On peut dire que ce sont les premiers bandes sonores film. Reynaud a été le premier à comprendre que son brillant Pantomime ont vu leur puissance évocatrice dix fois en se mêlant à la musique, de manière à assurer un continuum sonore spécialement conçu pour couvrir le bruit causé par la projection du film dans le mouvement. Aujourd'hui, le compositeur de la bande originale d'un film est considéré à tous égards, à la lumière royauté par rapport à la projection sur grand écran et la maison du support de film, comme l'un des auteurs, comme régisseur ou le directeur (terme au temps de Reynaud était inconnu, il va commencer à l'utiliser dans un sens artistique que depuis les années vingt du XXe siècle, souvent à tort crédité comme l'auteur unique), scénaristes, scénaristes, écrivains de dialogue et peut-être la vieillissait et la diffusion de plus en plus grande des crédits d'ouverture et de clôture des crédits du film l'éditeur, l'opérateur de la caméra, les opérateurs de production, ceux qui travaillent dans le département de l'art et du costume avec l'artiste de maquillage, salon de coiffure et parfois la couturière , au photographe, les machinistes et électriciens, en plus des acteurs qui apparaissent.

Les projections de films à 35 mm sur le support photographique, de pionnier cet exemple sont accompagnés d'un instrumentiste (souvent un pianiste fournit l'accompagnement de base) ou de nombreux instrumentistes, jusqu'à ce que vous obtenez de petits ensembles de musique de chambre dans les lieux de film locale dans les quartiers pauvres qui sont improvisés sans aucun résultat au cours de ces premières projections; en observant comment a été l'histoire racontée, sonnait des effets sonores uniques pour souligner les changements d'humeur et de l'humeur des personnages. Ces musiciens, individuellement ou en formation, ont été loués ou vendus avec le film du film, afin que vous puissiez suivre répéter l'accompagnement sonore dans d'autres endroits peut-être plus efficace. Il y avait aussi des raisons plus pratiques de cette décision; en raison du fait que les appareils de lecture de films ont été activés manuellement par l'opérateur avec la manivelle, la vitesse varie non seulement pour chaque film, mais même d'une scène au même film: dans le prix ont été également inclus une série de considérés comme essentiels lors de la projection.

cinéma
John Barrymore dans le manifeste don Juan produit par Warner Brothers (1926), la première expérience film sonore, avec un dialogue parlé et plusieurs morceaux de musique classique.

Les premières expériences d'avant-garde son du film de cinéma a lieu en Italie, et précisément dans pise, où en 1906 (l'année suivant la présentation du premier film dans le thème italien, La chute de Rome de Filoteo Alberini) professeur Pietro Pierini dell 'Université de Pise, breveté son système sous l'égide de la « Fabbrica Pisana des films Talk » sous la diction « Système électrique pour synchronisme des mouvements » et, après avoir amélioré le fonctionnement, tels que « Isosincronizzatore ». Ce système a été introduit 19 Octobre, 1906 le plus ancien cinéma italien encore en activité, ouvert le 15 Décembre, 1905 et conçu par l'architecte Luigi Bellincioni à l'arrière Palazzo Agostini, la Cinéma Lumière. Mais pas eu beaucoup de chance: le « Pisana Films FactoryTalk » fermera ses portes en 1919. « Il a fallu attendre 1924 lorsque la Western Electric Company aux États-Unis a développé, en collaboration avec Bell Telephone Laboratories, un système de synchronisation, le Vitaphone qui répète le processus de gravure. Les ingénieurs de Western Electric ont équipé le dispositif de projection et le phonographe de moteurs électriques synchronisée qui conduisent deux voitures au même rythme "[22]. Cette fois, le son de manière synchrone avec l'image est parfaite du début à la fin. Mais la réticence à cette dernière nouvelles des musiciens (certains d'entre eux étaient devenus depuis grand dans leur métier et ont été payés chiffres visibles) les laisse avec plusieurs mauvais souvenirs: le mariage entre le disque et le film a également un impact plutôt négatif le public, qui souvent protester rire à gorge déployée; il arrive souvent même la demande de mettre fin à la projection du film, et non rarement ce qui se passe.

Les dettes sont gettin fort, et Western Electric envisage de quitter le système, mais occasion inespérée se présente en 1926. Quatre frères, qui depuis de nombreuses années ont organisé des projections Voyage, vous pouvez acheter un théâtre Manhattan et l'équipement avec le processus de son Vitaphone, ils passent leur dernier argent dans un pari qui semblait, aux yeux de leurs contemporains, perdus. harceler, Albert, Sam et Jack Warner produire un long film de trois heures, don Juan (En Italie, aura droit Don Giovanni et Lucrezia Borgia) Réalisé par Alan Crosland mettant en vedette la star du moment, John Barrymore, toujours sous contrat avec eux. Le film comprend un dialogue parlé rare, mais aussi une sélection de chansons connues de la musique classique, conçu pour donner un semblant de continuité au film. Aujourd'hui, nous pouvons dire que ce fut la première expérience réussie de film sonore, avec le mélange d'images et de sons enregistrés. Cette fois, l'appariement de la musique enregistrée sur le film de disque et 35 mm fonctionne sans aucun incident. Le public, composé encore une fois par des personnes riches, assister à des projections réservent un accueil chaleureux au cinéma, mais don Juan Il ne tombe pas dans les coûts de production: les sièges sont trop chers pour attirer le public populaire, qui, même à l'époque était à la recherche d'un type de musique différent.

cinéma
Et Eugenie Besserer al Jolson dans le film Le chanteur de jazz (1927), l'un des premiers films sonores, considéré à tort comme le premier film parlant. Notez le signe en haut, qui se lit comme suit: « Le triomphe suprême de Warner Bros."

Les frères Warner alors l'idée de filmer une chanteuse de cabaret au moment très populaire, al Jolson, un blanc truqué de façon à ressembler à un homme noir. En ce moment, il fait un film d'une bobine, Une scène Dans la plantation. Le public populaire prouve avec enthousiasme, non seulement quand Al Jolson chante des chansons de blues[23] mais quand il parle en regardant directement à l'objectif de la caméra; les gens qu'il prouve admirés comme s'il voyait un de ses spectacles. Les quatre frères présents sur les lieux et sont prompts à raddoppiargli compensation; en 1927, ils ont produit un long métrage d'une heure et demie, le célèbre Le chanteur de jazz, (Sortie en Italie en 1929 avec le titre Le chanteur de jazz) Également réalisé par Alan Crosland, sortant le 5 Octobre de cette année et a été un succès retentissant. Il est erroné de dire que c'est le premier film sonore ou parlé. Il a allégué Sadoul "Le chanteur de jazz Il est un film muet dans lequel avait été ajouté un dialogue et des numéros de chant. Le premier film « a parlé à 100% » (pour utiliser la langue du temps): Lumières de New-York, Il a été produit seulement en 1928 »[1].

En fait, aucun des dialogues du film Le chanteur de jazz a été enregistré, les beats des acteurs du film sont tous écrits par les légendes, dans la tradition du cinéma muet. Seuls neuf chansons interprétées par Al Jolson et des phrases prononciation entre deux pauses courtes, sont effectivement enregistrés. Même l'expression de ses débuts du film, cité par tous à tort que les premiers mots prononcés à l'écran, « Attendez une minute, attendez une minute, vous ne l'avez pas entendu quoi que ce soit », ce qui semble avoir été inséré exprès, parce que cela a été prononcé il avait commencé à enregistrer avec les disques Vitaphone avant que le technicien du son était complètement prêt avec les micros. Cela devrait donc plutôt être considéré comme l'un des premiers films chantés, avec don Juan et Une scène Dans la plantation. Une chose est certaine: ce fut un véritable triomphe (également réitéré l'affiche originale) qui se termine essentiellement l'ère de film muet, même si elle continuera pendant un certain temps pour produire des films avec ce système (ce nom à l'époque était pas encore connu) et lance immédiatement Warner Bros. Pictures comme l'un des piliers de l'industrie du cinéma américain Hollywood.

Fort de ce succès, le système Vitaphone avec le disque et le film se répand rapidement dans tous les cinémas. Mais la technique prend en avant une étape supplémentaire: la Fox Film Corporation inaugure une nouvelle bande-son, le Movietone. Ce qu'on appelle aujourd'hui la « bande optique », il est intercalé dans une ligne de perforations et le bord de l'image de film en même temps que les trames, en exploitant la partie utile de l'image. même la Radio Corporation of America (RCA) lance une technique de la meilleure performance sonore, surnommé « densité variable » (uniquement pour le noir et blanc). D'autres techniques sont testées aux États-Unis et plusieurs entreprises créées sur la vingtaine d'années tirer parti de la popularité acquise lors de la Bourse du cinéma. Avec la demande croissante pour le son et films parlants va changer pour toujours l'industrie du cinéma. Pour réaliser des enregistrements sonores satisfaisants, surtout à l'extérieur, mais aussi dans les études de pose, de nombreux administrateurs sont tenus d'introduire la règle du silence pendant la clapperboard battus; de là vient la déclaration populaire « Silence, il tourne autour. »

Au cours des décennies qui ont suivi l'existence du cinéma, l'enregistrement et la reproduction de la piste sonore passe par plusieurs étapes d'améliorations techniques: la son stéréo inventé en 1931, le son magnétique inventées en 1935 et largement utilisé depuis le début des années cinquante, les réductions de bruit de fond le plus célèbre système Dolby Il a inventé en 1975, jusqu'à son numérique d'aujourd'hui. Dans un premier temps, le son a été enregistré en direct directement sur le film en utilisant un système analogue - mais en sens inverse - qui ensuite utilisé pour la reproduction: un microphone recevant le son provenant de l'extérieur et, au moyen d'un transducteur approprié, transformé dans les variations de l'intensité lumineuse d'une lampe qui allait impressionner le côté du film qui a coulé à l'avant. raffinements techniques ultérieures conduisent à la création de traces sonores figurant sur les copies du film au moment de la réalisation des copies du positif. Cela permettra de mélanger des voix et de la musique, faire le doublage, créer la fluidité nécessaire de la voix narrative après l'assemblage, à l'exclusion de tous les troubles et les problèmes liés à la prise de son live.

L'alimentation en couleur

icône Loupe mgx2.svg Le même sujet en détail: Compte rendu de la cinématographie couleur.
Danse serpentine en couleur à la main par Antonia Dickson (1895)

Charles-Émile Reynaud a été le premier, comme nous l'avons vu, d'utiliser la couleur pour son Pantomime lumineux, projeté au Musée Grévin depuis 1892. Image par image, il a peint à la main et a appliqué ses colorants pastel directement sur le film 70 Eastman mm de large, ce qui lui a fait le premier créateur de dessins animés. Deux ans plus tard, en 1894, l'un des films produits par Thomas Edison et fabriqués par Laurie Dickson a également été coloriées à la main, cette fois avec la colorants d'aniline, image par image, par Antonia Dickson, la sœur du premier créateur de films. Il est le Danse serpentine (En italien La danse du papillon) Un film très court avec une durée d'une vingtaine de secondes, où le danseur Annabelle Moore effectue déformant effets de fluctuations de la manière de Loïe Fuller. L'effet est tout à fait réussie, et fascine encore aujourd'hui. Ceci est la première apparition de la couleur appliquée à un tir d'animation à l'origine en noir et blanc.

En 1906, l'Américain James Stuart Blackton enregistré sur le film 35 mm comme un appareil photo, image après image, grâce à ce qui est appelé le « tour de la poignée » une « procédure qui est appelée en France »plan américain. « Il était encore inconnu en Europe '[1] un film pour Vitagraph Société. Il est le premier film d'animation à l'histoire du film 35 mm, appelé Phases de visages humoristiques drôles où l'on voit, dessiné à la craie blanche sur un fond noir, un jeune couple engagé en devenant le plus vieux et laid conception; le mari fume un gros cigare bouffées de suffoquer avec sa fiancée répond aux grimaces avant de disparaître dans un nuage de fumée. La main de l'artiste à la fin efface tout. Même lui-même est animé. Il est drôle, mais dans ce cas, la couleur est encore absent.

cinéma
Une scène de Un Rêve en coleur (1911) tourné en Kinemacolor.

La contribution de la couleur dans le film passé pour les premières décennies grâce à deux solutions. Le premier est pas cher mais limité, cependant, il est reconnu l'attraction. Il consiste dans un bain d'immersion des exemplaires destinés à la projection dans un colorant spécial transparent qui donne à chaque copie d'une lumière propre. Un moulinet montrant un mouillage de la mer est teinte verte. Une scène de forgeage ou le feu sont teints en rouge. Le bleu est utilisé pour la course sur l'eau, le jaune accompagne une migration à travers le désert, et ainsi de suite. Le deuxième est la coloration de la main de chacun des cadres, cette fois à l'aide d'encre. Cette technique, qui doit être menée par de nombreuses petites mains pressés de terminer le traitement, est pour cela très coûteux en termes de coûts, mais les effets spectaculaires sont garantis. les productions pathé, Gaumont et bien sûr ceux d'Edison, construire des laboratoires équipés et de prendre plusieurs dizaines de filles engagées manuellement dans un premier temps à la couleur avec un petit cadres de brosse, puis à travers un système mécanique, par l'intermédiaire d'un parallélogramme ou par des cames, avec un ou plusieurs pochoirs .

cinéma
une chambre Technicolor les années 30. Notez la couche extérieure du film, complètement impressionné par la couleur rouge.

Après avoir découvert le decoupage technique ou assemblage classique, les innovations subjectives et d'autres se sont révélées fondamentales pour le cinéma, George britannique Albert Smith a perdu tout intérêt entièrement à la création de films commerciaux. Il préfère se livrer à la recherche proprement dite, et Charles Urban américain a conçu une méthode qui a donné l'illusion de la couleur sur un film en noir et blanc, Kinemacolor dont le premier film, appelé aucun accident Un Rêve en coleur (Un rêve en couleur), L'année 1911. Apporte L'innovation de la couleur dès le début a été considéré comme souhaitable, mais bientôt révéler les nombreux inconvénients de Kinemacolor: bleu et blanc faire mal, les couleurs sont perçues avec une certaine douceur. Après la production d'au moins 250 films, Kinemacolor a été abandonné pour des raisons économiques, juste avant la Première Guerre mondiale.

cinéma
Judy Garland dans le film Le Magicien d'Oz réalisé par Victor Fleming, un exemple célèbre du système Technicolor (1939).

Un autre cas, cette fois-ci complètement américain, il remplacera, mis au point au cours des premières étapes de la guerre et lancé en 1916: la Technicolor. Ce processus utilise lui aussi le seul film disponible à ce moment-là, celui en noir et blanc. Les tirs sont effectués avec une salle lourde, d'énormes dimensions, qui glissent dans le même temps jusqu'à trois couches de film en noir et blanc synchronisé entre eux. Derrière la lentille, un double prisme passe juste à l'image imprimée sur l'une des deux couches. Pour un premier filtrage, le même double prisme dévie les faisceaux lumineux de couleur rouge et bleu sur un substrat de deux films qui passent à l'intérieur de l'appareil contre l'autre. La première couche de film est dépourvu de la protection qui ferme normalement à l'arrière; l'image peut traverser la première couche lui faisant avec le bleu, et en même temps impressionne le second filtrage avec le rouge. La fusillade impliquant trois négatifs en noir et blanc, qui sont des matrices de chaque couleur primaire avec leur complémentaire (jaune obtenu en bleu monochrome, magenta donné en monochrome vert, bleu-vert obtenu en monochrome rouge). Les copies des impressions fonctionnent sur le principe et la technique de l'impression trichrome, par la même possibilité d'ajuster l'intensité de chaque couleur. Dans un court laps de temps, il sera nécessaire d'ajouter une quatrième couche, d'un gris neutre de couleur dont la matrice est obtenue par la superposition photographique des trois matrices de récupération, afin de mettre en évidence plus clairement les contours des formes pour faire plus de corps au cadre.

En Allemagne, au cours des années trente, sous l'égide de Parti national-socialiste Ils ont développé des ressources financières énormes et a été lancé les films de propagande soi-disant. La recherche d'une méthode pour tirer un film de couleur, en utilisant un support un peu plus léger pour encourager les images documentaires, pour des raisons politiques est menée rapidement. Col procédure Agfacolor, à l'origine inventé pour la photographie sur des plaques de verre, puis le film flexible, obtient la première diapositives (Le film est soumis à deux traitements successifs - en développement et de l'impression - qui ne bougent pas de la phase négative de la phase positive) à la borne négative (qui nécessite deux copies positives séparées). En 1945, après la défaite des 'Axe Rome-Berlin-Tokyo, les Alliés et les Soviétiques prennent possession des découvertes technologiques allemandes, et de faire rapport à leurs frontières dans d'autres méthodes et techniques relatives au film couleur. Aux États-Unis, le Agfacolor devenir le Eastmancolor, en Union soviétique est appelé Sovcolor, la Belgique gevacolor et le Japon, est passée sous contrôle américain, le Fujicolor.

En ce qui concerne Technicolor, la procédure Eastmancolor représente une alternative économique viable à l'étape du tournage. Pendant les films des années cinquante, qui ont déjà été tiré en Technicolor, ils sont fusillés en Eastmancolor. Après la prise de vue, une fois terminé l'assemblée, le Eastmancolor négatif sont utilisés avec quatre matrices pour imprimer des copies de films selon la méthode trichrome de Technicolor, avec un avantage: le Eastmancolor négatif peut être plus efficacement calibré le niveau de chroma de chacun des couleurs primaires.

L'Italie a également commencé à expérimenter avec des plans de couleur depuis le début des années cinquante. Dans un premier temps, le film se transforme en allemand Agfacolor nell'Ansco couleur avec qui, en 1950, il a été tourné le premier long métrage en couleurs, avec un arrière-plan religieux: Mater Dei, réalisé par Emilio Cordero, même si ce film avait une distribution limitée aux salles paroissiales[24][25]. Mais bientôt ce système est mis de côté, ce qui favorise une méthode plus économique, déjà découvert la photographie dans les années vingt, et adapté au cinéma depuis 1952: le Ferraniacolor. début expérimenté avec des comédies (Toto en couleur Il a été le premier exemple avec ce système)[26] Cela a également été mis de côté pour promouvoir le plus sûr Eastmancolor, depuis 1958 avec le film Les travaux d'Hercule de Pietro Francisci qui, inaugurant le genre péplum, en fait, il a relancé la production italienne[27][28].

Les théories du cinéma

icône Loupe mgx2.svg Le même sujet en détail: Les théories du cinéma.
cinéma
Le travail de linguiste Ferdinand de Saussure Il a établi le début d'une analyse structurelle de la narration cinématographique.

Les théoriciens du cinéma ont essayé de développer des concepts et d'étudier le film comme 'art[29]. Dérivé des technologies de l'époque, en dépit d'être un symptôme ou une cause d'une telle modernité rapportée au moment où il est né, ses principes techniques comme l'assemblage ou le tournage ont révolutionné la façon dont le mode de représentation arts visuels et littérature. Pour former et comprendre cette nouvelle représentation artistique, le film théories nécessaires.

en Matière et mémoire (Matière et Mémoire), En 1896, le philosophe français Henri-Louis Bergson Il prévoit le développement théorique à une époque où le cinéma était surtout considérée comme une œuvre visionnaire[30]. Il exprime également la nécessité de réfléchir à l'idée du mouvement, et donc inventé le terme « image en mouvement » et « image-temps»[30]. Cependant, en 1907, dans son essai L'illusion Cinématographique, content La créatrice Évolution, il rejette le film comme un exemple de spiritualisme[31]. Beaucoup plus tard, Le mouvement de l'image. Cinéma 1 (1983) et L'imagerie en temps. Cinéma 2 (1983), le philosophe Gilles Deleuze va citer Matériaux et Mémoire comme base de sa philosophie du cinéma en revue les concepts Unir avec Bergson sémiotique de Charles Peirce[32].

Il est en 1911, La naissance de la sixième Art le critique Ricciotto Canudo (Dix ans après son cinéma comme redéfinissent septième art) Décrit les premières théories[33][34] Il traîne ce qu'il appelle « l'ère du silence » et en se concentrant principalement à définir les éléments clés[35]. Le travail et les innovations continues de cinéastes ont favorisé l'avantage pour une réflexion plus poussée. Louis Delluc a inventé le terme Fotogenia. Germaine Dulac et Jean Epstein, qui je crois que le cinéma est un moyen de rencontrer et d'unir le corps avec l'esprit, sont les principaux architectes français avant, suivi de près par les théories allemandes qui, influencé par le courant dell 'expressionnisme, tourner leur attention à l'image. Il convient de noter le parallèle avec la Gestaltisme, qu'il est né et développé à la fin du XIXe siècle et au début du XXe siècle sous l'égide de Ernst Mach[36].

Du côté soviétique, les théoriciens et cinéastes pensent que le montage comme l'essence du cinéma. Le thème préféré Sergej Michajlovic Ėjzenštejn est la création dans tous ses aspects d'une théorie générale de l'Assemblée en vertu de laquelle vous pouvez envisager la naissance d'une image de langue concept, révélant à la fois l'un et l'autre de leur identité et de la pensée. Pour sa part, Dziga Vertov volonté porte-parole de la nouveauté futurisme. Sa théorie, ce qui correspond à l'assemblage de fragments avec de petites unités de sens, implique la destruction de toute la tradition narrative de le remplacer par une « usine-made », un concept radical pour le cinéma alors. Le montage narratif américain typique, mettre la théorie Vsevolod Poudovkine Illarionovič, finalement l'emporter partout dans le cinéma mondial.

La théorie du cinéma formaliste, promulguée par Rudolf Arnheim, Béla Balázs et Siegfried Kracauer, Il souligne le fait que le travail filmique est différente de la réalité, et doit être considérée comme une œuvre d'art réel[37]. aussi Lev Vladimirovič Kulešov et Paul Rotha Ils soutiennent que le film est une œuvre d'art. Après la Seconde Guerre mondiale, le critique et théoricien André Bazin Nous sommes opposés à ce point de vue en faisant valoir que l'essence du film réside dans sa capacité à reproduire mécaniquement la réalité et non la différence entre la réalité vécue et le film de la réalité, que l'illusion du film. Bazin donc formulé sa théorie du cinéma réaliste virant vers une approche ontologique film. Si l'image photographique a son but à capturer l'essence d'un moment unique, l'image cinématographique a son but dans la poursuite de l'objectif de l'image photographique, capturant l'essence de différentes époques. Nous trouvons cette théorie à plusieurs reprises et avec diverses variantes, comme dans Le temps SCELLE directeur Andrej Tarkovski ou la combinaison avec 'herméneutiques philosophique Hans-Georg Gadamer et dans l'essai La tentation pornographique Matthieu Dubosc. Au lieu de Bazin et ses disciples, Jean Mitry a développé la première théorie du signe et de l'importance du film, même sans vouloir assimiler par analogie, l'image visuelle et les structures filmiques avec le langage verbal, ainsi que la tentation de comparer les sémiotiques quand, à partir des années soixante et soixante-dix, les théories du film ont été discutées par des universitaires universitaires. Les notions de disciplines établies telles que psychanalyse, étude de genre, l 'anthropologie, la théorie littéraire, sémiotique et linguistique, en plus de formalisme russe, la philosophie déconstructiviste, narratologie, histoire, etc., convergent toutes vers l'analyse textuelle, où vous commencez à examiner les détails des structures d'exploitation du film.

L'importance de ces études fait, depuis les années soixante, un profond fossé entre la théorie et les réalisateurs des films. Cette indépendance tant désirée restera dans un état embryonnaire, quand, en 1966, Christian Metz préconise la théorie de la « grande syntaxe du cinéma narratif, » une formalisation des codes multiples dans la langue du cinéma, Jean-Luc Godard Il fournit à déconstruire ces codes au sein de ses œuvres.

cinéma
Nanni Moretti Il est l'un des cinéastes fortement influencés par les théories du cinéma mental.

Les années quatre-vingt ont mis fin à la « guerre froide » entre théoriciens et cinéastes. Né alors d'autres réflexions, en particulier celles qui sont orientées sur la narratologie, ainsi qu'un certain nombre de théories pour la redécouverte des origines du cinéma, où les études du Canada André Gaudreault et Tom Gunning États-Unis sont particulièrement exemplaires. Au cours des années nonante, la révolution technologique apportée par le système numérique aura des impacts différents sur les théoriciens du cinéma. D'un point de vue psychanalytique, après le concept du réel Jacques Lacan, Slavoj Žižek Il offre de nouveaux horizons de réflexion pour l'analyse du cinéma contemporain. Il y avait aussi une réévaluation historique du mode de projection (film non seulement projeté dans une pièce sombre sur un grand écran en présence d'un public, mais aussi celui qui est présenté à la télévision, Internet ou à tout autre endroit, comme l'avait prédit de Cesare Zavattini dans les années cinquante; un film reste donc peu importe où il bénéficie[38]), Ainsi que les attitudes et les pratiques du public de cinéma, analysées, ainsi que Tom Gunning, aussi Miriam Hansen, Maria Koleva et Yuri Tsivian.

Dans le cinéma moderne, le corps est très long film avant qu'il ne passe à l'action, pris comme un corps qui résiste. Pour ces cinéastes, les partisans du cinéma mental, est le cerveau qui est mis en scène; la violence extrême est toujours contrôlée mentalement: le premier film Benoît Jacquot Ils sont fortement imprégnés par ces théories. Les personnages du film se replient sur eux-mêmes, pas aperçus psychologiques. Jacquot déclare en 1990, à propos de le désenchantée« Je fais des films pour être près de ces films les fait, les acteurs. Parfois, certains jeunes réalisateurs auraient construit les acteurs autour de leur monde. Je ne cherche pas à montrer mon monde. J'essaie de profiter à regarder l'industrie du cinéma. Il est absurde de prétendre que l'acteur pénètre dans la peau de son personnage. Au contraire, les caractères pour entrer dans la peau de l'acteur ". D'autres cinéastes de renommée internationale, tels que André Techiné, Alain Resnais, Nanni Moretti, Takeshi Kitano et Tim Burton Ils ont été touchés par le cinéma mental.

Mouvements et écoles de cinéma

icône Loupe mgx2.svg Le même sujet en détail: film Mouvements.
cinéma
L'affiche du film Le Cabinet du docteur Caligari (1920) considéré comme un symbole de cinéma expressionniste.

Un mouvement, regroupés en un courant, peut être comprise comme une façon de classer l'œuvre cinématographique. Heinrich Wölfflin Au départ, il les définit « troubles du sentiment créatif. » Gilles Deleuze fait remarquer dans son essai L'image en mouvement comme les mouvements de film vont de pair avec des mouvements d'art. Le film classique avait pour but de clarifier la relation entre l'action et la réaction subséquente, mais en même temps, de nouveaux mouvements sont nés.

Au début de la vingt 'expressionnisme, dans la peinture, des lignes et des couleurs déformées pour exprimer des sentiments. Au cinéma, il est exprimé principalement par la méthode action des acteurs et de l'opposition entre la lumière et l'ombre dans l'image. la cinéma expressionniste compare bien et le mal, comme dans le film Le Cabinet du docteur Caligari direct 1920 de Robert Wiene, l'un des premiers films de ce courant. Ce mouvement développé Allemagne, lorsque le pays se remettait péniblement debout après la Seconde Guerre mondiale, mais n'a pas pu rivaliser avec les films d'Hollywood. Ensuite, certains cinéastes studios de cinéma Universum Film, plus connu sous le symbole « APU », tenter de développer une méthode pour compenser le manque d'attrait commercial avec l'adoption de symbolisme à la mise en scène. Le côté abstrait des ensembles qui viennent en premier lieu, le manque de ressources: les principales questions touchant la folie, la trahison, et d'autres questions spirituelles, différant ainsi du style romantique et aventureuse préconisée par Le cinéma américain. Cependant, le courant expressionniste disparu peu à peu, mais reprendra dans différents films flic une quarantaine d'années et affectent de manière décisive la Seconde Guerre mondiale, la noir et l'horreur.

Vient ensuite l'abstraction lyrique, qui, contrairement à l'expressionnisme, se fond blanc avec la lumière sans conflit et propose une alternative qui inspirera un des cinéastes décisifs: l 'esthétique mélodramatique de Josef von Sternberg et Douglas Sirk, l 'éthique de Carl Theodor Dreyer et Philippe Garrel, thèmes religieux et spirituels Robert Bresson Ils recueillent tous les travaux de Ingmar Bergman. Selon l'abstraction lyrique, le monde entier est vu à travers un regard, un visage à travers lequel un jeu est mis en place un mouvement intermittent des lumières qui mettent en évidence les caractéristiques des personnages, qui, par ce stratagème nous mènent dans leur univers personnel. Sternberg, en Le Shanghai Gesture (1941) dit: « Tout peut arriver à tout moment. Tout est possible. L'effet est constitué de deux composantes: l'amélioration de l'espace blanc combiné au potentiel intense de ce qui doit y arriver. "

cinéma
La scène la plus célèbre Rome, ville ouverte de Roberto Rossellini (1945), symbole du film néoréalisme.

Pendant les années cinquante, le film découvre une nouvelle architecture de l'image, dans lequel a lieu une séparation entre l'image pure et représentée action. Né désarticulation des objets et des corps de la période d'après-guerre[39] opposer les conventions établies précédemment. Le film commence à ce moment-là pour donner de l'importance à la vision simple: l'image ne soit plus obligé de chercher des significations cachées et des buts sur lesquels se tenir debout, devenir libre. en L'Heure du loup Ingmar Bergman (1966) le personnage de Johan Borg, joué par Max von Sydow, Prononciation: « Maintenant, le miroir est cassé. Il est temps que les morceaux commencent à refléter « phrase emblématique à la fois pour la condition du protagoniste, qui vit isolé dans un monde de sa vie privée, tant pour le film lui-même et sa rupture définitive avec la représentation classique de l'espace, donnant lieu à une nouvelle idée formaliste.

en Italie, entre 1943 et 1955, a développé le néoréalisme: Introduit par Visconti Luchino (obsession) et Vittorio De Sica (Les enfants regardent), Il a été scellé par Roberto Rossellini (Rome, ville ouverte et Paisan) Et idéalement fermée par De Sica (le toit) Qui a signé un après l'autre quatre chefs-d'œuvre de ce courant, écrit en collaboration avec Cesare Zavattini: Shoeshine, Voleur de bicyclette, Miracle à Milan et Umberto D.. Le cinéma néoréaliste pour la première fois abandonne soundstages à descendre en contact avec les gens ordinaires dans les rues, ce qui accentue considérablement le sentiment de réalité documentaire. Les gens sont des acteurs filmés souvent non professionnels, en partie à cause de la rareté des moyens de financement; le directeur se concentre plus d'attention sur les personnes que sur les personnages, les renforcer dans leur contexte social et dans son ensemble. Plutôt que de montrer quelque chose, il préfère le récit qui arrive souvent crûment et anguleux, mais la poésie dans son ensemble. André Bazin il montre tout de suite enthousiasmés par ce mouvement: néoréalisme apparaît comme une sorte de libération, non seulement en ce qui concerne le contexte historique pur, ainsi que la libération des contraintes du film: en push fait dire, à propos de Voleur de bicyclette, « Pas plus d'acteurs, pas d'histoire, pas plus mise en scène; qui est, enfin, l'illusion esthétique parfaite de la réalité, plus de salles de cinéma "[40]. A l'inverse, Gilles Deleuze neorealism voit dans une limite entre l'image et l'image en mouvement avec le temps.

cinéma
Jean-Louis Trintignant et Anouk Aimée dans le film Un homme et une femme de Claude Lelouch (1966), le plus grand succès commercial du Nouvelle Vague Français.

Au cours des années cinquante en France a développé le Nouvelle Vague, un terme inventé dans le journal express de Françoise Giroud. Ce courant est pas comme plus tôt pour la vitalité des intentions de rénovation du cinéma français. La Nouvelle velléité de placer le thème du lyrisme dans la vie quotidienne en refusant l'image de l'amour de la beauté. Avec la Nouvelle Vague, les technologies plus améliorées permettent une autre façon de produire et de faire des films: obtenir la caméra sur le marché eclair qui utilise le format de 16 millimètres de films, plus léger et silencieux, ce qui permet la prise de vue en plein air plus adhérente à la réalité en particulier grâce à l'amélioration de la restitution sonore. Jean-Luc Godard est l'exposant principal du mouvement, mais le point de rupture maximale entre le film tourné sur soundstages et le film totalement en plan externe se produit en 1973, avec Jour pour la nuit (Nuit americaine) de François Truffaut. Le mouvement des transgresse Nouvelle Vague même des conventions standardisées universellement comme la continuité, par exemple, dans haletant (À bout de souffle) Godard ou regarder dans la voiture, un temps d'interdiction. Dans ce contexte, les cinéastes avaient pour but de mettre en évidence le réalisme, les souvenirs des personnages sont interrompus et souvent fragmenté, jamais ordonné ou net.

En conséquence, il apparaît un nouveau mouvement, qui met en évidence la résistance du corps. En comparaison avec les courants précédents, quels changements sont le tournage du corps, ce qui est très film avant son entrée en action, comme un corps dans la résistance. Ici, le corps n'est plus une barrière qui sépare la pensée elle-même; au contraire, prend une nouvelle force en attente juste pour la réalisation des nouveaux objectifs. D'une certaine façon, le corps n'attend pas; Il force le caractère à une réaction qui ne se produit pas immédiatement, mais est dilatée dans le temps ou dans les cas les plus extrêmes, il peut ne jamais se produire. Gilles Deleuze déclare: « Nous ne savons pas exactement ce que peut un corps pendant le sommeil, dans un état d'ivresse, dans tous ses efforts et de la résistance, le corps est jamais présent, peut contenir des appréhensions, des attentes, la fatigue, le désespoir même. L'effort, l'attention et le désespoir font partie des attitudes du corps. "

La résistance du corps se manifeste dans un remarquable tout au long par un membre du mouvement brisant les conventions et les éléments stylistiques de Hollywood classique, John Cassavetes de New Hollywood. La caméra est toujours en mouvement, se déplaçant parallèlement aux actions des acteurs. Grâce à l'image, les recherches des spectateurs pour le corps regardent de longues séquences. De même, la rythme Il devient de plus frénétiques au point qui commence à aller de pair avec les capacités visuelles des spectateurs. Elle répond, ainsi que le 'art informel la mise en place d'un espace que vous pouvez presque atteindre et toucher, ainsi que l'explorer. au cinéma Maurice Pialat ses personnages tentent de montrer l'essence, privée de toute esthétique d'exposer leur vérité intérieure. Il a déclaré: « Le cinéma est la vérité quand vous tirez. » En revanche, dialogues Ils sont omniprésents, et reste à ce jour un élément important dans l'économie du film. Cependant, les dialogues n'expliquent pas les sentiments des personnages sont une action fonctionnelle mais pur, ne développent pas leurs pensées dans l'action elle-même.

Au début des années quatre-vingt, Maria Koleva introduit le concept des films de livre. En 1995, les Danois Lars von Trier et Thomas Vinterberg lancer à travers un mouvement manifeste en dix points 95 dogme en réaction à superproductions et l'abus de effets spéciaux. Dans ce document, définir les contraintes pour faire des films au sein du mouvement, avec quelques innovations radicales comme l'abolition de bande originale et l'adoption exclusive de la caméra de poche; Il accepte seulement ce qui se passe à l'écran. Le mouvement est dissous déclaré en 2005 après avoir marqué 35 films (ou): Dogme parmi eux il y a aussi un film italien, diapason (2001). En 1999, il a préconisé un manifeste contre la réponse en onze points et ironique, Exdogma 99 le directeur néerlandais d'origine italienne Kyara van Ellinkhuizen.

la Le cinéma indien Il est un cas en soi: ainsi que la tenue du dossier industrie cinématographique le plus prolifique dans le monde, y compris le fameux "Bollywood« Il se développe un film principalement musical et chanté, où le récitatif fait prend la deuxième place, et une sorte de néo-romantisme occupe une place de premier plan comme prétexte à des numéros chantés en solo ou en duo. La musique est la plupart du temps pré-enregistré et mimé par les acteurs , par le processus de lecture. Beaucoup de chanteurs indiens viennent au professionnalisme et sont également responsables de doublage. Plus récemment, les chanteurs et les acteurs peuvent devenir eux-mêmes réalisateurs de leurs films, comme Aamir Khan Ghulam (1998) et à Hrithik Guzaarish (2010).

Critique du film

icône Loupe mgx2.svg Le même sujet en détail: Critique du film.

Un critique de cinéma, a également l'examinateur, est la personne qui exprime son opinion sur le film à travers un médias comme le journal (quotidien ou hebdomadaire), un magazine spécialisé, la radio, la télévision et sur Internet. Les critiques les plus populaires et les plus influents ont souvent déterminé le succès d'un film, bien que souvent le public et les critiques ne sont pas toujours réussi à décrétant l'échec ou l'absence d'un film. Certains d'entre eux ont donné le nom aux prix, comme le français Louis Delluc et les Italiens Francesco Pasinetti, Filippo Sacchi, Pietro Bianchi, Guglielmo Biraghi et Domenico Meccoli; Il y a aussi beaucoup de critiques qui permettent l'attribution des prix.

cinéma
Le siège du journal Le Figaro, l'un des premiers journaux pour accueillir des critiques de films.

Le travail de critique de cinéma a toujours été quelque peu controversé: certains commentateurs pourraient voir des films libres avant leur sortie en salles, ainsi que recevoir une compensation pour écrire un article. Cependant, lorsque les questions critiques d'opinion un sur le film, exprimant seulement son opinion personnelle: il doit (ou devrait) prendre en compte un éventuel succès auprès du public, même si elle est de ne pas répondre à son goût personnel, car chaque film - et chaque genre de film - a une bande privilégiée de spectateurs. En outre, l'examinateur doit (ou devrait) être en mesure de diriger le lecteur au choix du film à regarder, à la fois commerciale et artistique, mettant en évidence les caractéristiques de chaque film, telles que la méthode de photographie ou d'une technique de montage, particularité techniques scéniques ou de tir, mettant en évidence les différences entre les différents auteurs et, parfois, antithétiques les uns aux autres.

La critique du film a commencé depuis la même hausse du film, du 28 Décembre 1895, lorsque la première projection des films des frères Lumière commencent à affecter la libération, d'abord doucement, puis avec un intérêt croissant. Jusqu'au début du XXe siècle, la critique du film ne couvre que le côté technique, situé principalement sur les magazines de photographie depuis au moment où le film n'a pas été considéré comme un art majeur et influent que le théâtre. En 1912, le quotidien français Le Figaro Il a été réalisé la première enquête sur la concurrence de plus en plus féroce que le cinéma fonctionne par rapport à l'art de la scène. Jusque-là, la critique a consisté d'anecdotes sur le travail des films plus ou moins colorés effectuées à des fins publicitaires: le film est écrit uniquement pour inciter les téléspectateurs à entrer dans les salles de cinéma.

En 1915, Louis Delluc Vision et les faiseurs (le tricheur) Réalisé par Cecil B. De Mille et il a été frappé par la beauté de ses images. Il décide de renoncer à ses activités en tant que poète et romancier pour se consacrer à ce qu'il considère déjà un véritable art: il a écrit son premier examen dans la revue films le 25 Juin 1917. Il a donc convaincu l'éditeur Paris-Midi à consacrer à l'espace du cinéma qu'il méritait, en disant: « Nous assistons à la naissance de l'art extraordinaire. » Par la suite, les grands quotidiens français développent des colonnes consacrées au cinéma, comme Le Petit Journal à l'automne 1921. Maintenant, la critique ne concerne plus la publicité du film et de sa vente, mais son analyse structurelle. En Italie, était un étudiant dix-huit ans, Pietro Bianchi, Soyez le premier à écrire sur un film qu'elle considère comme un fait artistique, avec la sortie de la critique du film le cirque Charlie Chaplin, le Gazzetta di Parma 28 avril 1928, un an avant Filippo Sacchi[41]

cinéma
La première page du journal en 1906 Le Petit Journal, premier journal à consacrer une partie à la critique du film.

après la Première Guerre mondiale, le cinéma peut dépasser artistiquement au théâtre. Tous les journaux ont un espace dédié à la critique et les premiers magazines spécialisés, car ils sont créés Cinemagazine ou Cinemonde, affectant aussi le monde universitaire, vous commencez à explorer le domaine des études de cinéma, des théories et de plus en plus une analyse approfondie des approches, des méthodes et des disciplines, telles Accomplit Journal of Film Studies. En Décembre 1943 André Bazin durement attaqué le caractère du cinéma de l'époque, mais culturellement limité, il a encore donné la priorité à l'aspect commercial au détriment de l'artistique. en 1951, Joseph-Marie Lo Duca et Jacques Doniol Valcroze fondé le magazine Cahiers du cinéma à laquelle passe Bazin presque immédiatement à coopérer. Grâce à leurs critiques, ils disent qu'ils peuvent faire sans que les autres magazines qui tolèrent tous les films, même ceux de mauvaise qualité. L'influence exercée par le magazine en France sera énorme et jouera également un rôle clé dans la naissance du mouvement de la Nouvelle Vague, ainsi qu'en Italie divers contributeurs au magazine cinéma, la promotion de la création du film obsession De Luchino Visconti, a ouvert la voie à la naissance du néoréalisme.

Compte tenu de la popularité de plus en plus Cahiers, nés d'autres magazines. Le plus important était Positif fondée à Lyon en 1952 par Bernard Chardère. Positif, de se différencier des autres magazines, non seulement faire les critiques de cinéma, mais développe également des arguments Histoire du cinéma. Entre les deux journaux bientôt il développera une forte rivalité, accrue par le fait que la préférence d'un auteur que l'autre; un réalisateur qui aimait à leurs auteurs d'un magazine a été détesté par les autres employés. En cas de préférences simultanées d'un seul auteur, vous trouverez se disputer férocement sur qui l'admirent en premier. Pendant ce temps, la définition est créée par la politique des auteurs. De plus en 1952, en Italie, un collaborateur du magazine cinéma, Guido Aristarco, laissé ses compagnons pour mettre en place son magazine, nouveau Cinéma qui deviendra la principale critique du nostrana périodique et affecter de façon décisive tous les courants critiques qui seront.

Parallèlement, au Canada en 1955 Professeur Leo fondée en Bonneville Montréal périodique Séquences, encore en activité, qui se distingue par sa perspective pluraliste et reste à ce jour la plus ancienne revue publiée en français en Amérique du Nord. En 1962, lors du Festival de Cannes est né Semaine de la Critique: Les critiques et les historiens du cinéma sont de plus en plus populaire auprès des amateurs de cinéma, qui apprécient la désapprobation de certaines décisions de la censure française. En 1980, avec l'affirmation de la télévision et le déclin du cinéma, même les critiques de marquage du temps et plusieurs magazines, ils sont contraints de fermer par manque de fonds. Aujourd'hui, un critique, que ce soit professionnel ou amateur, peut publier ses critiques sur l'Internet, à la fois gratuit et payant. Bien au fil du temps leur travail a perdu une grande partie de l'importance qu'elle aimait, la figure du critique maintient une certaine influence et peut aider à faire ou défaire la réputation d'un film. associations nous Pendant ce temps organisé des critiques qui récompensent chaque année les films les plus méritants à divers festival. Mentionnons en particulier aux États-Unis Film de New York du Cercle des critiques et la Société nationale des critiques de cinéma, les Britanniques Londres du Cercle des critiques Film Awards, français FIPRESCI et italien SNGCI.

cinéphilie

cinéma
Foule de spectateurs au Festival du Film de Berlin 2007.

La cinéphilie est un terme dont le sens commun est « l'amour pour le cinéma. » A notre époque, l'expression de cette passion pour le cinéma peuvent être multiples; Dans tous les cas, le terme a été utilisé pour décrire un mouvement culturel et intellectuel français qui a développé entre le milieu des années quarante à la fin des années soixante. Généralement, il définit les personnes qui consacrent une cinéphile partie importante de son temps à regarder des films et étudier l'art du cinéma. En outre, un cinéphile peut aussi faire la collecte et la collecte des affiches, magazines liés au cinéma et d'autres éléments secondaires. En raison de sa nature potentiellement addictif, l'amour pour le cinéma par André Habib est comparé à « une véritable maladie, férocement infectieuse, que vous ne pouvez pas se débarrasser de facilement. »

L'évolution du phénomène de l'amour pour le cinéma va de pair avec l'évolution du cinéma. Il fut un temps où, une fois achevé le processus de distribution dans les salles d'un film, initialement composé de matériaux inflammables, a disparu de la circulation. Une fois sorti, les films ne sont plus en mesure d'être vu, mais veulent effectuer des recherches à travers les capillaires différentes bibliothèques de films. Pour le cinéphile, par conséquent, il est difficile d'observer l'évolution des styles cinématographiques. Aujourd'hui, à quelques exceptions près, la plupart des films le problème de leur récupération ne se produit pas, car ils sont présentés à la télévision ou publiées sur DVD ou Blu-Ray Disc. Cependant, malgré les efforts déployés, encore un pourcentage important du film est difficile d'accès; les téléspectateurs et les spectateurs peuvent donc attendre encore plusieurs années pour être en mesure de voir un film rare, le plus souvent restauré un peu Cinematheque, dans certains Festival du film ou réimpressions sur des supports de stockage numériques mentionnés ci-dessus, souvent enrichi avec du matériel supplémentaire parfois extrêmement intéressant . la Liste des films trouvés et celle du film pour récupérer - sans parler de ceux qui Vous pouvez être considéré comme définitivement perdu - Il est très longue et certainement pas exhaustive.

cinéma
L'entrée du cinéma Comoedia fréquenté par les amateurs de films Lyon.

L'universitaire et historien français Jean Tulard dit: « Pour le vieux cinéphile était rare de voir un film sur le marché, comme un film, une fois épuisé le cycle de projections, a disparu. Il y avait, comme aujourd'hui, 40 chaînes de télévision dédiées au cinéma. Il y avait même des cassettes ou des DVD vidéo. Un film pour une longue liste de raisons qui manquait le rendez-vous avec la distribution était un film difficile à regarder. Cela signifie, pour les cinéphiles, chargé des efforts économiques pour aller voir le film dans une bibliothèque de film qui était souvent dans un autre pays, ce qui explique pourquoi les cinéphiles âgés eux-mêmes appellent fils de Cinematheque, à savoir les enfants Henri Langlois, plus précisément ceux qui ont perdu leur vision d'un grand nombre de ces films ". D'autre part, jusqu'à un certain point pour un amateur de film, il était possible de voir une grande partie du patrimoine cinématographique mondial. Ce fut le cas avec de nombreux téléspectateurs français entre les années quarante et soixante. De nos jours, compte tenu de la croissance quasi exponentielle dans la production de films à partir de la date de naissance du cinéma, consacrant même un spectateur de vie ne peut voir qu'une petite partie. Pour les téléspectateurs contemporains le choix des films à voir entre une approche qualitative (juste regarder les films qui ont été proposés, un prix, ou par d'autres critères subjectifs) ou l'approche quantitative, à savoir essayer de voir autant de films produits; dans ce dernier cas, on peut parler de cinefagia.

Le phénomène de l'amour pour le cinéma a eu beaucoup d'autres influences: a été la création du club de cinéma spécialement développé le plus important pour réunir les fans du film: l'étude et la discussion sur l'histoire et les techniques cinématographiques sont généralement accompagnés de regarder un film. Plusieurs membres d'un club de cinéma ont les mêmes intérêts et le calendrier de leurs discussions, des débats ou des projections. Au fil du temps, le concept du club de film a évolué et a également élargi à d'autres activités sociales et culturelles. Il est bien adapté aux programmes éducatifs, tels que « Ciné-Gouters » par objectifs culturels tels que « Ciné-philo » reliant le cinéma à la philosophie, ou par l'organisation d'événements à but non lucratif, des soirées à thème dénommé « Ciné-parti ».

Après la seconde moitié du XXe siècle, l'arrivée des nouveaux médias va bouleverser les habitudes une fois établies cinéphile. Le téléviseur, magnétoscope, DVD, Blu-Ray Disc et l'Internet deviendra bientôt populaire pour le cinéphile le plus exigeant; en Italie, en particulier, les premiers médias mentionnés ci-dessus doivent profiter de la diffusion son apogée au moment de l'expansion maximale de cinéclub. Leur popularité croissante aura de graves répercussions sur la fréquentation du cinéma, qui commencera à décliner de façon constante. Comme vous pouvez le voir dans le tableau ci-dessous, en Italie aura une forte baisse au milieu des années quatre-vingt, alors que dans les autres pays où le film joue un rôle important dans la forte baisse sera vingt ans plus tôt.

Nombre moyen d'apparitions dans la chambre et par habitant par an
pays 1950 1955 1965 1975 1985 1995 2000 2005
Allemagne[42] 10.2 15.1 5.1 2.3 1.8 1.5 1.9 1,54
États-Unis d'Amérique[42] 20.5 14.2 6.6 4.6 5.1 4.8 5.2 4.7
France[42] 8.9 9.1 5.3 3.5 3.2 2.3 2.9 2,98
Italie[42] 14.2 16.7 12.5 8.9 2.2 1.6 1.6 1,86
Japon[42] 13.9 13.6 3.9 1.7 1.2 1.0 1.1 0,9
grande-Bretagne[42] 29 26 6.7 2.1 1.3 2.0 2.4 2,73

La production cinématographique

cinéma
La réalisation d'un film les rues de Varsovie
icône Loupe mgx2.svg Le même sujet en détail: production de films.

Si la projection d'un film est quelque chose de très simple et économique dans l'ensemble, sa création est plutôt une véritable entreprise qui nécessite généralement la coordination d'un équipage des centaines de personnes, l'utilisation des machines et du matériel très coûteux, la planification de nombreuses activités différentes, parfois contemporaines, et l'investissement de grosses sommes d'argent: tour (pour créer) un plan professionnel des films, même dans l'économie, coûts figure encore de l'ordre d'un million d'euros. Compte tenu de ces coûts et ces difficultés un film à succès qui réussit, peut faire des figures extraordinaires. D'autre part, si le film n'aime pas, la perte est très grave. Il faut dire qu'avec l'avènement de la technologie numérique, cependant, la réduction des coûts de construction des films est remarquable, et vous pouvez faire des films avec une petite équipe, parfois composée de six ou sept personnes.

En général, les étapes de production sont: le développement du projet, pré-production, la traitement et post-production.

Les aspects les plus importants

Réalisé par

icône Loupe mgx2.svg Le même sujet en détail: Réalisé par le film.

la direction du film est que la phase de traitement à travers lequel il passe du scénario de film réelle, à savoir « du papier à l'écran ». Cette phase comprend notamment les choix artistiques du récit, l'organisation et la durée des plans. Au début de cette phase est réalisée la story-board qui affiche une série de dessins, l'idée de la direction du futur film.

scénario

icône Loupe mgx2.svg Le même sujet en détail: Sujet (cinéma) et scénario.

la production un film généralement partie d'une idée. Le développement de cette idée conduit à la rédaction du sujet, un premier projet de ce qui pourrait devenir le script pour un film. Le sujet, ne contenant que le cours de l'action, en principe, est présenté à un ou plusieurs fabricants. S'il y a des conditions préalables à un projet de développement, le sujet est transformé en scénario. Ce second processus est beaucoup plus long et délicat que les autres, et il faut des connaissances techniques: un bon scénario, en fait, jette les bases du succès du produit final. La conduite du sujet narré d'action est traitée et raffinée, la création du scénario final du film.

photographie

icône Loupe mgx2.svg Le même sujet en détail: Photographie (cinéma) et Directeur de la photographie.

La cinématographie a un rôle fondamental dans la production d'un film, étant le principal responsable de l'aspect esthétique final du produit. la directeur de la photographie Il est l'un des plus proches collaborateurs et directeur importants. Ensemble, ils décident de la composition et la coupe de 'coup, à quelle distance pour encadrer un sujet avec lequel l'angle de la caméra, etc .. En fonction de la scène que vous voulez continuer, il sera décidé, par exemple, que ce soit pour faire un tir de suivi, un vue, un premier plan, un long shot, etc. La proximité ou non de l'appareil photo peut affecter, en fait, la charge émotionnelle de la scène, par exemple, encadrant le visage d'un acteur ou une scène de guerre. Dans ce contexte, on peut dire que la photographie est l'art de « raconter en images », et fait partie intégrante de ce qui est défini comme « la langue du cinéma. »

montage

L'ensemble est généralement considéré comme l'âme du cinéma et une partie essentielle de la mise en scène faite par le directeur. Le premier à préciser le potentiel de l'assemblée était David W. Griffith dans le film La naissance d'une nation, où théorisé les éléments à la base de la « langue de film »: cadrage, scène et séquence.

Une grande attention a été réservée à l'Assemblée par les Soviétiques des administrateurs vingtaine d'années. Lev Vladimirovič Kulešov et Sergej Michajlovic Ėjzenštejn ont été les principaux théoriciens de l'Assemblée. Koulechov a démontré l'importance du montage dans la perception du film à travers une expérience célèbre. Prendre toujours suivre au premier étage du même acteur Ivan Ilitch Mosjoukine de temps en temps pour un bol de soupe, un cadavre ou d'un enfant, il a précisé que le public lisait dans le visage de la faim, la tristesse ou la joie. Ceci est appelé Kuleshov Effect. Eisenstein au lieu théorisé la « Assemblée des attractions. » en 1923 Il a publié un essai dans lequel il prévoyait la pratique qui utiliserait ensuite dans ses films. Dans ses œuvres, comme Strike! (1925) ou Battleship Potemkin (1925), le directeur inséré diverses images non diégétique, qui est étrangère au texte filmique représenté, mais pour leur exemplification capacité pourrait être associée aux scènes. Par exemple, dans Strike!, la suppression du soulèvement est représenté par l'abattage d'un bœuf. Pratico fragmentation extrême des coups de feu, dont un seul geste est représenté sous plusieurs angles. Cette méthode d'installation a été opposé à l'assemblage classique ou invisible. Hollywood à travers le contrechamp tourné ou accessoires sur le regard qu'il a essayé de rendre l'assemblage plus fluide que possible.

la éditeur suivez les instructions du directeur qui supervise les travaux, et procède à regarder la coup couper le coups Les gains et les rejoindre. tous scènes, tourner en conformité avec les exigences de la production, sont ensuite montés dans l'ordre attendu de scénario, ou d'un autre ordre qui se dégage en fonction des besoins du récit. Il y a des cas rares de films complètement révolutionnée lors du montage, en ce qui concerne la façon dont ils ont été écrits (par exemple Le patient anglais, écrit et réalisé par Anthony Minghella, monté par Walter Murch, auteur, entre autres, une assemblée importante de la théorie du texte, En un clin d'œil).

bande originale

le terme bande originale Il se réfère généralement à la musique d'un film, mais le terme couvre l'audio complet (avec le dialogue et les effets sonores). Du point de vue « physique », la bande originale du film de cinéma est la région (le vrai film) Dédié à l'enregistrement audio représenté (dans la lecture optique) par une bande sur laquelle est imprimée une variation continue de la densité de gris ou une double ligne brisée, visible en zigzag d'épaisseur. Dans le cas de lecture magnétique, la bande (ou piste) sur laquelle est gravé le « son » ne fait pas partie intégrante du film, mais il est collé à elle et est constitué par une bande mince d'une bande magnétique. Alors que le groupe optique est - une fois inscrit - fixe et immuable, la bande magnétique se prête à la manipulation, la ré-enregistrement, la suppression des superpositions. La bande optique subit les mêmes processus de dégradation de l'ensemble du film, y compris des rayures et des taches, et il suit la « vie en fin de compte ». La piste magnétique, cependant, est beaucoup plus délicate: il est susceptible d'être démagnétisé, et que l'annulation de son contenu, mais aussi de se décoller du support; dans ce cas, le reincollaggio est pratiquement impossible. Il en résulte que la piste optique est de loin le plus utilisé, alors que la piste magnétique reste la chasse gardée de la famille de type de film à pas étroit (Super8). La bande-son d'un film accompagne et met l'accent sur le développement du film et la musique peut être « originale » et non (sont deux catégories nettement prix).

effets spéciaux

icône Loupe mgx2.svg Le même sujet en détail: effets spéciaux.

Les effets spéciaux sont l'une des caractéristiques du réalisateur depuis les temps français Georges Méliès, inventeur des premiers effets visuels rudimentaires, obtenu grâce à un ingénieux montage et les longs procès. Les effets ont été progressivement améliorées grâce à l'introduction de nouvelles technologies, en passant par différentes étapes de développement, jusqu'à conduire à des effets basés sur modernes infographie, qu'il a révolutionné l'industrie du cinéma en libérant l'imagination écrivains et directeurs. Malgré cela, un grand nombre des effets dépendent encore aujourd'hui par l'inspiration des chorégraphes, cascade, maquilleurs, designers, etc.

Les effets spéciaux sont réalisés à la fois pendant le tournage et post-production, et ils peuvent être classés en « visuels » et « son », et même « effets physiques » et « effets numériques. »

cinémas nationaux

Film Awards

icône Loupe mgx2.svg Le même sujet en détail: Film Awards.

festivals de cinéma

icône Loupe mgx2.svg Le même sujet en détail: Liste des festivals de cinéma.
  • Festival de Cannes
  • Festival international du film de Berlin
  • Mostra de Venise à Venise
  • Festival de Rome
  • Locarno Film Festival
  • festival du film africain de Vérone

écoles de cinéma de l'État

écoles de cinéma privées

notes

  1. ^ à b c et fa g apporté Georges Sadoul, Histoire du cinéma mondial. De ses origines à nos jours, Ernest Flammarion, Paris (1949), trad. en. Mariella Mammalella, Editions Feltrinelli, Milan (1964).
  2. ^ Voir, à cet égard, l'étude de la langue anglaise Kevin Brownlow films muets: Quelle a été la bonne vitesse? (1980) cinemaweb.com tirée du site.
  3. ^ Richard Allen, Illusion projective. Film spectateurs et la impression de réalité, Cambridge University Press, 1995, p. 4.
  4. ^ Marc Ferro, "Histoire des sociétés de films et conférences" Le Monde Diplomatique, mars 1977
  5. ^ Comme on peut le voir PBS Frontline site, en anglais qui intègre les résultats de l'étude Filmspace: Dans les coulisses publié par ABN AMRO 12 Septembre 2000.
  6. ^ Voir, à cet égard, le film sur le site historique Minutes Canada en anglais.
  7. ^ C. Hermann et Anne Echt, Histoire Pré-Cinéma, Livre relié, Bowker, ISBN 978-1-85739-056-8.
  8. ^ Laurent Mannoni, Lexique, dans « Libération », Supplément numéro spécial 4306 du 22 Mars 1995, p. 3, célébrant 22 Mars 1895, l'invention de l'année, le cinéma français.
  9. ^ Brian Clegg, L'homme qui a arrêté le temps, Joseph Henry Press, 2007.
  10. ^ Comme on peut le voir Sallie Gardner à un Gallop, sur le site du Musée de San Francisco.
  11. ^ W.K. Laurie Dickson Antonia Dickson, préface de Thomas Alva Edison, Histoire de la kinétographe, kinétoscope et Kineto-phonographe, édition fac-similé, le Musée d'Art Moderne, New York, 2000 (ISBN 0-87070-038-3)
  12. ^ Briselance Marie-France et Jean-Claude Morin, Cinéma Grammaire du, Editions Nouveau Monde, Paris, 2010 (ISBN 978-2-84736-458-3)
  13. ^ Thomas Alva Edison, Mémoires observation et, Trad. Français Max Roth, Editions Flammarion, Paris, 1949.
  14. ^ Michelle Aubert et Jean-Claude Seguin, La production Cinématographique des Frères Lumière, Bifi-éditions, Memoires de Cinéma, Paris, 1996 (ISBN 2-9509048-1-5)
  15. ^ Maurice Trarieux Lumière (entretien avec le petit-fils de Louis Lumière, président des frères Lumière) La lettre du premier siècle du cinéma nº 7, Association du Premier Siecle Cinéma, un supplément au ministère de la Culture Bulletin francophone nº 380, du 3 Décembre 1994 (ISSN 1244-9539)
  16. ^ Michelle Aubert et Jean-Claude Seguin, La production Cinématographique des freres Lumiere, Bifi Editions, Memoires du Cinéma, Paris, 1996 (ISBN 2-9509048-1-5)
  17. ^ Voir le site Institut Lumière dans la section sur Cinématographe.
  18. ^ Claude et Jacques Beylie Pinturault, Les Maîtres du cinéma français, Borsais Editions, Paris, 1990 (ISBN 2-04-018496-1)
  19. ^ Voir. Roger Consil, Conférence de la Société historique Aniche du 22 mai 2008, La foule histoire du cinématographe. La date du 23 Novembre, 1905 apparaît dans les grands livres de la revue de trésorerie à compter du 1er Avril 1902 l'approbation obligatoire de la comptabilité première feuille et dernier a été signé le 1er Octobre 1902 par le maire de Pierre Joseph Richard Aniche Bertinchamps, en fonction 1902-1910.
  20. ^ Selon le savant Giovanna Lombardi, il semble que sur la base des documents non publiés, les frères Lumière ont en quelque sorte utilisé les projets Alberini pour parfaire davantage leur Cinématographe. Voir à cet égard l'essai Filoteo Alberini, l'inventeur du cinéma, Editions Arduino Sacco, pp. 205, 2008, ISBN 978-88-6354-045-1.
  21. ^ Sergio Miceli, Musique pour le film, l'histoire, l'esthétique - Analyse - Types, Milan, Universal Music MGB Publications / LIM Publishing, deuxième édition AMPL. rev. et Corr. 2009, p. 42.
  22. ^ à b Briselance Marie-France et Jean-Claude Morin, "Cinéma Grammaire du", Editions Nouveau Monde, Paris, 2010 (ISBN 978-2-84736-458-3)
  23. ^ Comme dans le cas d'un de ses produits phares, "Rock-a-Bye votre bébé avec Dixie Melody", musique de Jean Schwartz, les mots de Sam Lewis et Joe Young, interprétation de Al Jolson, 1926.
  24. ^ Roberto Chiti et Roberto Poppi, Dictionnaire du cinéma italien. films 1945-1959, Gremese, Roma, deuxième édition, 2007, p. 261 (ISBN 978-88-8440-450-3).
  25. ^ Franca Faldini et Goffredo Fofi, Toto: histoire d'un clown très sérieux, Edizioni Mondadori, Milan, 2004 (ISBN 88-04-52910-5)
  26. ^ Franca Faldini et Goffredo Fofi, Toto: histoire d'un clown très sérieux, Edizioni Mondadori, Milan, 2004 (ISBN 88-04-52910-5)
  27. ^ Mario Bava, La ville de cinéma, Editions Napoléon, Rome.
  28. ^ Roberto Chiti et Roberto Poppi, op. cit., pag. 172-173.
  29. ^ Encyclopédie Universalis, Les théories du cinéma, en français.
  30. ^ à b Matériaux et Mémoire (1896), trans. en. Adriano Pessina, Matière et mémoire, Edizioni Laterza, Bari-Roma, 1996 (ISBN 88-420-4894-1)
  31. ^ Henri-Louis Bergson, La créatrice Évolution (1907), trans. en. Umberto Segre, Athena, Milano, 1925 Corbaccio-Dall'Oglio, Milan, 1965 (ISBN 88-7718-454-X); Trad. en. de Paolo Serini, Mondadori, Milan, 1938 et 1949; Trad. en. Armando Vedaldi, Sansoni, Florence, 1951; Trad. en. Giancarlo Penati, école, Brescia, 1961 (ISBN 88-350-7378-2); Trad. en. Leonela Alano, Fabbri, Milan, 1966; Trad. en. Fabio Polidori, Raffaello Cortina, Milano, 2002 (ISBN 88-7078-780-X), trans. en. Marinella Acerra, Bur, Milan, 2012 et 2013 (ISBN 978-88-17-05495-9)
  32. ^ Gilles Deleuze, Le mouvement d'image. Cinéma 1, Trad. en. Jean-Paul Manganaro, Ubulibri, Milan, 1984, et L'image-temps. Cinéma 2, Trad. en. Liliana Rampello, Ubulibri, Milan, 1989.
  33. ^ La naissance d'un sixième art en nouveau Cinéma, n. 225, Septembre-Octobre 1973 p. 361-71; puis Alberto Barbera et Roberto Turigliatto (Eds), Lire le cinéma, Oscar Mondadori, Milan, 1978, pp. 13-24.
  34. ^ Voir aussi, à cet égard, La naissance de la sixième Art sur Google Livres.
  35. ^ Francesco Casetti, Les théories du cinéma. 1945-1990, Milan, Bompiani, 1993.
  36. ^ Voir. A. Gurwitsch, Développement historique de Gestalt-Psychologie, Thales Editions, 1935, p. 167-176.
  37. ^ Voir. Frédéric Gimello, " Les théories du cinéma « Université de Metz.
  38. ^ Voir. Roberto Poppi, Les administrateurs de 1930 à nos jours, Gremese, Rome, la préface de la première édition en 1993
  39. ^ Voir. Alain Reinaud, La nouvelle architecture de l'image, de Cahiers du Cinéma n. 583: Octobre 2003
  40. ^ Voir. André Bazin, examen Voleur de bicyclette Vittorio De Sica en Le français ecran n. 187, le 25 Janvier 1949.
  41. ^ Filiberto Molossi, Pietrino, cinéma dans le stylo, en Gazzetta di Parma, 11 juillet 2009. Extrait le 26 Avril, 2014.
  42. ^ à b c et fa Source: CNC (cité par René de Bonell Le 25 images, Edition Gallimard)

bibliographie

  • Alberto Angelini, Psychologie du cinéma, Napoli, Liguori, 1992.
  • Francesco Casetti, Federico di Chio, Analyse du film, Bompiani, 1990
  • Federico di Chio, Storytelling américain. Les formes de l'histoire du film et de la série TV, Carocci, 2016
  • Amedeo Benedetti, Bibliographie annotée de la culture de l'image, Gênes, Erga, 2005 ISBN 8881634155.
  • Sandro Bernardi, Le cinéma d'aventure, Venezia, Marsilio Editori, 2007 ISBN 978-88-317-9297-4.
  • Francesco Casetti et Federico di Chio, Analyse du film, Milan, Bompiani, 1990 ISBN 8845215466.
  • Mark Cousins - L'histoire du film: une odyssée (Documentaire sur l'histoire du cinéma) 2011, 915 minutes
  • son film Maurizio Ferraris, Zettel - La philosophie en mouvement, Rai Educational. Récupéré le 17/01/2016.

Articles connexes

D'autres projets

  • Wikiversité Wikiversité Il contient des citations sur cinéma
  • Elle contribue aux articles existants Wikiversité Il contient des leçons sur cinéma
  • Il contribue à Wikinews wikinews Il contient des nouvelles à jour sur cinéma
  • Il contribue à Wikimedia Commons Wikimedia Commons: Il contient des images ou d'autres fichiers sur cinéma

liens externes

autorités de contrôle BNF: (FRcb119361188 (Date)

Activité wiki récente

Aidez-nous à améliorer BooWiki
Commencez