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architecture

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gothique
détail du schéma de construction de 'Abbaye de Saint-Denis

L'innovation de l'architecture gothique d'origine est la disparition des masses épaisses de mur typique roman. Le poids de la structure n'est plus absorbée par les murs, mais répartis sur des piliers et une série de structures secondaires placées à l'extérieur des bâtiments. Ainsi origine les parois de la lumière, couvertes par de magnifiques vitraux, ce qui correspond à l'extérieur d'un motif complexe d'éléments d'évacuation des forces. la boutants, la pinacles, les arcs de décharge sont des éléments de structure, qui contiennent et dirigent vers le côté au sol des axes de couverture, tandis que l'importance de la rémission de bouchage maçonnerie, remplacées par des fenêtres. La capacité extraordinaire des architectes gothiques ne se termine pas dans la nouvelle structure statique: bâtiments, libérés du bord des murs de maçonnerie, avec une poussée verticale développée, et a touché les hauteurs aux limites des possibilités statique.

en Angleterre il y avait un développement de la voûte Une fois que le panel de six et radialement ou ventilateur: Des solutions qui permettent une distribution de poids encore mieux. La cathédrale gothique a été conçu comme métaphore la ciel, Très souvent, à son entrée, il a été sculpté dernier jugement.[1]

L'architecture gothique continental est divisé en plusieurs phases:

  • gothique primitif
  • classique gothique
  • rayonnant gothique
  • gothique tardif

Il y a aussi plusieurs variétés nationales et même régionales de style gothique:

  • gothique français
  • gothique brabançon
  • gothique anglais
  • gothique italien
  • gothique allemand et en Europe centrale
  • espagnol gothique et portugais
  • gothique baltic (Dans l'architecture de briques d'Europe du Nord)

Chacune de ces variétés présente des caractéristiques particulières et parfois avec leurs propres phases distinctes (comme le gothique anglais), bien qu'il soit possible d'identifier les influences mutuelles des différentes composantes régionales. De toutes ces variétés la plus ancienne est celle de la France, qui a été le modèle de reprise, souvent très originale, dans d'autres pays européens.

Architecture gothique tardif

gothique
Malbork en Pologne

en trois cents et quatre cents, Gothique développé dans de nouvelles directions par rapport aux formes des deux siècles précédents. Le bâtiment des XIVe et XVe siècles a été caractérisée par un nef Centrale d'une hauteur considérable et les deux bas-côtés beaucoup plus bas. Cela signifie que la lumière était principalement concentrée au sommet, au niveau des clerestory.

Vers la fin du gothique à la place l'arrangement interne la plus commune suit le modèle de salle paroissiale, -à-dire avec les allées de hauteur égale par rapport à celle du centre. Cela signifie que la lumière ne venait pas plus haut, mais des parois latérales, illuminant de manière uniforme dans l'environnement. directionnalité traditionnelle a également été modifié, venendosi perdre la forte connotation aux axes précédents, en faveur d'une polycentrique. Cette nouvelle vision de l'espace a également été lié à la religion terrestre et du monde du XVe siècle.

La géographie de cette nouvelle sensibilité a une carte différente de celle du gothique classique: les régions les plus innovantes ont été les Allemagne, la Bohême, la Pologne, Angleterre et la région alpin.

la péninsule Ibérique Il a vu du XVe au XVIe siècle la construction de certaines grandes cathédrales, inspiré par les modèles français et allemands des siècles précédents. Au Portugal, un brin indépendant a donné lieu à la soi-disant l'art manuélin.

sculpture

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gothique
détail de visitation dans le portail Cathédrale de Reims
gothique
La Vierge et l'Enfant (Musée du Louvre, vers 1250)
gothique
Cristo de La Laguna (Tenerife, Espagne) de Flandre daté entre 1510-1514.

sculpture gothique déplacé du rôle qui avait été remis au cours de la période roman, à savoir que l'architecture ornée et d'instruire la création fidèle soi-disant Bibles de pierre.

Peu à peu, l'agencement des sculptures dans la construction architecturale est devenue plus complexe et dramatique. Les épisodes les plus importants de la sculpture ont été, comme à l'époque romane, les portails des cathédrales, l'anse sont généralement représentés les personnages de 'l'ancien Testament et le nouveau Testament.

Une étape importante est le fait que dans les sculptures époque gothique commencent à ne plus être incorporé intégralement dans l'espace architectural (le chambranle d'un portail ou un capital ...), mais commencent à se libérer d'être simplement s'appuyait les différents transporteurs. ainsi apparu les premières statues en ronde-bosse, bien qu'il était pas encore concevable utilisation du même indépendant et isolé. Peut-être qu'il était encore latent l'héritage des combats paganisme, qui adoraient des statues en ronde-bosse comme un dieu, cependant, jusqu'à la Renaissance italienne, les statues étaient toujours placées contre les murs, dans des niches, sous la linteaux ou cariatides et télamons.

D'un point de vue stylistique, les caractéristiques innovantes de la sculpture gothique sont moins prononcées que celles introduites dans l'architecture, mais non moins riche en conséquences pour le développement ultérieur de l'histoire de l'art. Si d'une part le chiffre monte en flèche très long et vie modelée de jeux totalement nouveaux tels que rideaux virtuosic et parfois improbable, l'autre est retourné aux représentations plausibles du mouvement du corps, les expressions faciales, les visages individuels, avec un ' l'attention de l'artiste au naturalisme jamais connu dans les premiers temps, qui, dans les meilleurs exemples (comme dans le portail Cathédrale de Reims, la 1250 autour, ou dans les travaux de Nicola Pisano) Vient se placer à côté du portrait romain. Ceci est particulièrement important depuis quelques décennies avant les mêmes réalisations en peinture.

Par rapport à la classique encore, il doit détecter une autre agitation expressive, une certaine angularité des formes et des draperies, une utilisation sans repos des effets de lumière et d'ombre.

La sculpture française a atteint son apogée entre 1150 et 1250, de se déplacer ensuite vers des représentations plus abstraites, linéaires et aristocratiques. Les classiques fermente réveillées par des artistes des quatre coins des Alpes dans l'intervalle, cependant, a pris racine en Italie, où seulement dans la seconde moitié du XIIIe siècle sont nés sculptures importantes dans les écoles Emilia, en Pouilles et en particulier toscane. Ici, principalement en fait, il a développé le travail de Nicola Pisano, fils Giovanni Pisano et étudiant Arnolfo di Cambio, qui atteint les plus hauts niveaux de reddition formelle dans le récit déployé et dramatique des œuvres telles que les sculptés chaires La cathédrale de Sienne et Sant'Andrea à Pistoia.

La floraison prodigieuse de l'art figuratif des treizième et quatorzième siècles se reflète dans les tendances de la pensée (théologie et philosophie de scolaire) Et, plus généralement, dans la culture du temps. « L'ampleur, la complexité et la cohérence interne des grands cycles décoratifs sculptés et peints apparaît en relation avec la systématisation de la pensée religieuse, mis en œuvre par philosophie scolaire; et les aspects allégoriques et symboliques ont une considération dans les constructions élaborées littérature encyclopédique (applique à tous l'exemple de divine Comédie Dante). L'attention à la nature, redécouvrir la réalité de ses aspects et formes (des arts figuratifs et la lyrique XIIIe et XIVe siècles), l'humanisation des histoires sacrées des personnages, la recherche d'une expression et d'intériorité dans les faces (la relation entre la mère et le fils, par exemple, dans 'iconographie de Vierge souriaient enfant) sont tous les personnages à une conception référençable générale qui tend à réconcilier le monde physique, la terre avec le divin et la transcendant. Dans la vision d'une humanité opprimée par un destin de labeur et d'expiation du péché dans un monde hostile (art roman) Se substitue à celle d'une foi dans la capacité de l'homme à connaître la réalité et agir dans le monde, toujours en vue de la réalisation de Dieu ».[2] Le rapprochement du monde physique avec le transcendant est mis en œuvre 'Christian aristotélisme, la pensée philosophiquethéologique de Alberto Magno et son disciple digne, Thomas d'Aquin.

Dans la sculpture gothique sont des représentations non seulement des personnages et des épisodes de Bible mais aussi les mois et les saisons, l'artisanat (travail agricole et artisanal), des signes zodiaque. Il convient également de rappeler que dans la littérature médiévale, il y a beaucoup de figures mythologiques et d'animaux qui sont allégories des péchés, les vices et les vertus (pensez comédie de Dante). Ainsi, nous trouvons aussi dans l'art des représentations de vertus cardinales (Sagesse, la justice, la force, la tempérance) et vertus théologiques (Foi, espérance, charité), mais aussi les sept Arts libéraux à savoir les arts de la Trivium (Grammaire, dialectique, rhétorique) et les arts carrefour (Arithmétique, géométrie, astronomie, musique). Ils sont également présents figures fantastiques souvent être interprété allégoriquement. Les sources de ces sculptures fantastiques sont multiples: mythologie Grecque et romaine, la Physiologus (Traité sur l'histoire naturelle moralisé composé à Alexandrie à la fin du deuxième siècle), la bestiaire Ouest et origine orientale, animaux éveloppement art des barbares Germani (Par exemple Longobardi) Ce qui, à son tour comprend les motifs de l'art des peuples de la steppe (Scythes).

Très fréquents sont des figures monstrueuses et fantastiques issus de la fusion des têtes humaines et des membres et des animaux grillons et drôleries dérivé de glyptographie Grèce et Rome, ainsi que de la réinterprétation libre de motifs d'art islamique, indiens et chinois (par exemple, les démons avec des ailes de chauve-souris sont dérivées de dragons chinois)[3].[4] Souvent, l'image apparaît dans la paon qui est un symbole de l'immortalité. Sur la base de la croyance que le paon a perdu chaque année dans les enclos de l'automne qui sont nés au printemps, l'animal est devenu un symbole de la renaissance spirituelle et la résurrection; aussi ses mille yeux étaient considérés comme un symbole de l'omniscience de Dieu et sa chair était considéré comme incorruptible. Le coq à la place, le chant à l'aube au lever du soleil, est considéré comme un symbole de la lumière Christ[5]. Il y a aussi fréquents lions stilofori.

peinture

gothique
La crèche de Greccio, Histoires de saint François en Basilique supérieure d'Assise, attribué à Giotto, 230x270 cm, autour de 1290-1295
gothique
Simone Martini, Investiture de Saint-Martin (Détail des musiciens), fresque (1317 environ), Basse basilique d'Assise

La peinture à l'époque gothique a subi un retard important par rapport aux autres arts à venir à un renouvellement avec un retard de trois à quatre décennies, grâce à l'école italienne (en particulier la Toscane et peut-être romain). Seulement dans la seconde moitié du XIIIe siècle, brûler rapidement les étapes, la peinture est venue à se renouveler entièrement, grâce au travail de Giotto.

Les raisons de ce retard sont probablement liés aux différents modèles que la peinture et la sculpture ont été: dans la sculpture romane avait déjà renouvelé, redécouvrant dans certains cas, les travaux du classique existant, en peignant le modèle de référence était encore la école byzantine. Avec la conquête de Constantinople au cours de la quatrième croisade (1204) Et la formation de Latin Royaumes de l'Est, le flux de peintures et mosaicistiche byzantin avait même approfondi.

Dans la seconde moitié du XIIIe siècle, le temps de Nicola Pisano, le décalage entre le récit animé, rendu naturaliste et la force expressive entre la sculpture et la peinture a atteint un point, avec des peintres non armés avant les extraordinaires changements introduits par les sculpteurs. Dans les deux générations, cependant, les peintres ont pu aller de l'avant, le renouvellement des modèles et de la langue, pour obtenir même dans les arts picturaux pour récupérer l'espace, un récit vivant, chiffres crédibles et des environnements architecturaux ou des paysages plausibles. Le tableau était également un avantage dans le renouvellement d'avoir une clientèle plus large, en raison des coûts beaucoup moins cher.

De la peinture romane, en particulier en Italie centrale, il avait hérité la propagation de panneaux peints, pris en charge par les ordres mendiants pour leur portabilité pratique. Les principaux sujets ne sont pas nombreux:

  • en forme de Crucifixes, passé suspendu à la fin des bas-côtés des églises pour éveiller les émotions des fidèles;
  • Vierge à l'Enfant, symboles de 'ecclesia et un symbole d'une relation entre la mère / fils humanise religion;
  • Des saints représentations, parmi lesquels la nouvelle iconographie liée à la figure de Saint François d'Assise.

Parmi les maîtres italiens du XIIIe siècle, il y avait Berlinghiero Berlinghieri et Margaritone d'Arezzo, à la fois encore entièrement byzantine, mais commence à montrer des caractères typiquement occidentaux. suivant Giunta Pisano Il est arrivé à la limite des possibilités de l'art byzantin, touchant la création d'un style typiquement « italien ». Cette limite a été surmontée par Cimabue, le premier, le deuxième aussi Giorgio Vasari qu'il éloigné de la "stupide et pas très agile et ordinaire [...] style grec. « Dans la cour basilique supérieure d'Assise Enfin, il a formé un nouveau style occidental moderne, avec les célèbres fresques attribuées à Giotto. Des études récentes ont cependant partiellement réduit la capacité d'innovation de l'école italienne, montrant comment, même dans le contexte byzantin peinture vous évoluez (par exemple, avec des fresques de monastère Sopoćani, daté 1265).

en plus de école de Giotto (Taddeo Gaddi, Giottino, la Maître de Santa Cecilia, Maso di Banco, etc.), il a été plus tard aussi très important école Sienne avec des maîtres tels que Duccio di Buoninsegna, Peter et Ambrogio Lorenzetti et Simone Martini. Découvert est assez récemment l'importance de l'école romaine Pietro Cavallini, Jacopo Torriti et d'autres. personnalités indépendantes étaient buonamico buffalmacco ou Vitale da Bologna.

Les vitraux

gothique
fenêtres précieux vitraux du XVIe siècle Cathédrale de Metz en France
gothique
en particulier les vitraux anciens tachés Cathédrale de Chartres

Le développement de la peinture du XIIe siècle et le XIVe siècle, est affecté par la montée rapide des systèmes de construction gothique. Dans la plupart des nouvelles cathédrales de surfaces en verre sont maintenant ceux de la maçonnerie l'emportent et la nécessité de décorer les murs de plus en plus marginal. Il est pour cette raison que les techniques anciennes et établies de la mosaïque et fresque font face à un déclin inévitable. Pour cette baisse est compensée par le raffinement de la peinture simultanée de verre et de la peinture sur bois, déjà à l'époque romane avait commencé à se développer avec un certain succès. Sa réalisation est soumis à aucune exigence de caractère architectural, ce qui permet aux artistes de s'exprimer en toute liberté. La peinture de verre implique la construction de vitraux à appliquer aux fenêtres et rosaces des cathédrales. Elle constitue l'un des plus original et caractéristique de tout l'art gothique.

Depuis le Moyen Age ne pouvait pas obtenir de grandes assiettes, chaque fenêtre devait être composée de plusieurs morceaux mis ensemble. Pour cette raison, il a été décidé d'utiliser du verre coloré réunis au moyen de cadres formés par des bandes de plomb à « en forme de H ». D'une part, les verres ont été coupés avec les pointes en métal rouge à chaud suivant les conceptions faites précédemment, puis les différentes pièces sont incastravano entre les deux ailes de la bande de plomb. Chaque bande a été soudée à l'une adjacente de manière à recomposer le dessin attendu de la boîte en carton.

Tout a finalement été ajouté à un cadre en fer et paroi. Cette technique a permis d'obtenir des chiffres impressionnants.

Pour peindre les chiffres était nécessaire pour avoir des couleurs qui pourraient être prises directement sur le verre. En France, on a testé la grisaille, une substance obtenue par mélange de poudre de verre et d'oxydes de fer en poudre et mélangé avec des colles d'eau et d'animaux. L'utilisation de grisaille était très simple.

Il a été répandu sur les différents morceaux de verre pour décorer et, quand séché, il a eu la distinction de les rendre opaques. Ensuite, au moyen d'un stylet en bois se grattant la grisaille qui porte à la transparence lumineuse du verre sous-jacent. Pour fixer la peinture était nécessaire pour recuire les vitres simples de telle sorte que la fin grisailles de fusionner et se fondre dans la même pâte du verre. Ce faisant les contours tracés est devenu opaque, tandis que les parties non distribués gratté la transparence du verre coloré.

La façon de traiter les thèmes de la peinture reflète le changement historique, social et économique. La classe moyenne est maintenant animée par un esprit de plus en plus et aussi concrétude sa vision du monde et de la vie change radicalement.

Nous assistons à une actualisation progressive des récits sacrés, où les personnages de écriture apparaissent vêtus de vêtements de l'époque et les lieux correspondent à des endroits existants.

en Italie, contrairement à la France, Angleterre, Allemagne et Pays-Bas, l 'fresque, et en partie aussi mosaïque, Ils ont continué d'avoir une diffusion très large. Dans la fenêtre symbologie religieuse permet le passage de la lumière surnaturelle, métaphysique. Les fenêtres rappellent, selon la eschatologie chrétienne, les splendeurs de Jérusalem céleste dell 'révélation. La lumière est l'esprit de Dieu et la fenêtre est symbole de Marie brille avec la lumière divine. Souvent, le nombre de fenêtres a une signification symbolique et religieuse: ils sont en groupes de trois (la trinité), Quatre (la Evangélistes), Dans des segments de sept (sept sacrements, les sept dons du Saint Esprit, sept jours Création selon Genèse).[6]

notes

  1. ^ Garzantina des symboles, p. 374
  2. ^ Art en Italie, Eleonora Bairati et Anna Finocchi, Loescher, 1988, vol. 1, p.386.
  3. ^ Garzantina Art, 2002, p. 502-503.
  4. ^ J. Baltrušaitis, fantastique époque médiévale
  5. ^ art Dictionnaires, La nature et ses symboles, ed. Electa
  6. ^ Garzantina des symboles, p. 190

bibliographie

  • Giulio Carlo Argan, Histoire de l'art italien, vol. 1 et 2, Florence 1968-2000.
  • Carlo Bertelli, Giuliano Briganti, Antonio Giuliano, Histoire de l'art italien, vol 2, Milan 1990.
  • John Ruskin, Les Pierres de Venise (1853) - trans. en. Les Pierres de Venise, Rizzoli BUR 1987.
  • Pierluigi De Vecchi et Elda Cerchiari, art temps, Volume 1, Bompiani, Milano 1999.

Articles connexes

D'autres projets

liens externes

  • P. Kidson, gothique, en Encyclopédie de l'art médiéval, Institut Encyclopédie italienne, 1996. Récupéré le 31 mai 2017.
  • gothique, en Treccani.it - ​​Encyclopédies en ligne, Institut Encyclopédie italienne, le 15 Mars 2011.
  • gothique, en thésaurus la Nouvelle rubrique sujet, BNCF, Mars 2013. Changement de Wikidata
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