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Orson Welles
Orson Welles, photographié par Carl Van Vechten, 1937
Statuettes de' src= Oscar du meilleur scénario original 1942
Statuettes de' src= Oscar d'honneur 1971

George Orson Welles (Kenosha, 6 mai 1915 - Los Angeles, 10 octobre 1985) Ce fut un acteur, directeur, scénariste, écrivain, dramaturge et cinéaste États-Unis.

Orson Welles
Orson Welles Signature

Il est considéré comme l'un des artistes les plus polyvalents et innovants XXe siècle dans le champ théâtral, radio et cinématographique[1][2]. Il a gagné le succès à l'âge de vingt-trois ans grâce à l'émission de radio La guerre des mondes, transmission, Légende[3], a battu le panique en grande partie de États-Unis, la population en leur faisant croire qu'ils étaient attaqués par Martiens. Ce premier inhabituel lui a donné la gloire et lui a valu un contrat pour un film par an avec la société de production cinématographique RKO, à réaliser avec la liberté artistique absolue[4]. En dépit de cette clause avantageuse, que l'un des projets prévus pourrait voir la lumière: Citizen Kane (1941), Le plus grand blockbuster de Welles, encore largement considéré comme l'un des meilleurs films de l'histoire du cinéma[5][6].

La carrière subséquente de Welles a été entravée par une longue série de difficultés et de problèmes qui ne lui permettait pas de continuer à travailler Hollywood et elle l'a forcé à se déplacer vers l'Europe, où il a continué à essayer de réaliser leurs travaux se financer principalement avec des apparitions sur les films d'autres personnes[7]. Parmi ses nombreux projets, Welles a pu mettre en œuvre et gérer des films tels que: Macbeth (1948) Othello (1952) La Soif du mal (1958) le processus (1962) F for Fake (1975) Et d'autres.

Sa renommée a grandi après sa mort en 1985, et il est considéré comme l'un des grands réalisateurs de cinéma et de théâtre du XXe siècle[8][9]. Palme d'Or Or à Cannes 1952 (Grand Prix du Festival à l'époque), a reçu, entre autres prix, le 'Oscar d'honneur en 1971. en 2002 Il a été voté par le British Film Institute comme le meilleur directeur de tous les temps[8][9]. L 'American Film Institute Welles est entré dans la seizième place parmi les plus grandes stars de l'histoire du cinéma[10].

biographie

«J'ai eu plus de chance que quelqu'un d'autre. Bien sûr, je suis aussi de chance, plus que quiconque dans l'histoire du cinéma, mais c'est l'ordre des choses. Je devais payer pour le fait qu'il avait eu, jamais dans l'histoire du cinéma, la plus grande fortune ... "

(Orson Welles[11])

Enfance et

Orson Welles
La maison natale de Orson Welles, en Kenosha, dans une photo 2013

Orson Welles est né en Kenosha (Wisconsin), Le second fils de Beatrice Ives, pianiste et suffragette il avait purgé une peine pour des positions politiques très radicales, et Richard Welles, propriétaire d'une chaîne de fourgonnettes usines et inventeur amateur[12], qui vient d'une famille riche de Virginie[13]. Dès la naissance, les parents éclectiques et riches imparties à son fils une éducation non conventionnelle et l'ont traité comme le garçon merveille de la famille, de diriger le talent précoce à différentes formes d'art: le petit a rapidement appris à jouer du piano, grâce aux enseignements de sa mère et aussi vite, il a commencé à se consacrer à peinture[14].

Welles a fait sa première apparition théâtrale en trois ans, paru dans le Samson et Dalila, représenté tous 'opéra de Chicago, qui a suivi la partie de l'enfant dans une version de Madama Butterfly[15]. en 1919 ses parents se sont séparés, à la hauteur d'un orage mariage, et Orson suivit sa mère Chicago, à côté de laquelle il fréquentait les milieux artistiques et intellectuels. Le 10 mai 1924, Beatrice Welles est décédé subitement à quarante-trois ans. La perte douloureuse a eu un effet profond sur les choix artistiques de Orson Welles, qui est retourné vivre avec son père et abandonné pour toujours carrière musicale[16][17].

Dr Maurice Bernstein, un vieil ami de la famille de Welles, stimulé dans l'amour de l'enfant pour le théâtre, en lui donnant une lanterne magique, une boîte de peinture et un petit théâtre marionnettes, avec qui Orson a commencé à se livrer à la mise en scène de tous ses spectacles, où il est prévu de temps en temps la voix de tous les personnages[14].

Dix ans, au cours de la période de l'éducation au début de Madison (Wisconsin), Welles se consacre aux performances scolaires des élèves et dirigé et a joué son premier spectacle au Camp Indianola, Dr. Jekyll et M. Hyde. puis il a entrepris ses études à l'École Todd Woodstock (Illinois), Une école d'avant-garde directe par le professeur Roger Hill, qui cite Welles à plusieurs reprises en tant que professeur et comme celui qui lui a donné les idées artistiques et littéraires sur lesquelles il a fondé sa carrière et qu'il a influencé sa créativité[18].

Au cours de ses cinq années à l'école Todd, Welles a continué leurs expériences théâtrales et littéraires, mettant en vedette dans les tragédies de Shakespeare et des drames historiques, et même se faufilant dans magie et 'illusionnisme, formes d'art qui ont toujours été parmi ses intérêts. Durant cette période, il a dirigé aussi une version de Giulio Cesare de Shakespeare, avec lequel il a remporté le prix de la 'Association dramatique à Chicago pour la meilleure école de théâtre de réalisation[19].

en 1930 son père est mort, laissant quinze Orson sous la tutelle du Dr Bernstein (immortalisé plus tard par Everett Sloane dans le caractère de M. Bernstein Citizen Kane)[14]. L'année suivante, le garçon est diplômé de l'école Todd et, après avoir assisté à brève Institut d'art de Chicago, Le Dr Bernstein a obtenu la permission de reporter l'inscription sur 'Université de Harvard et en laissant pour 'Irlande une sorte de « révolution artistique », avec l'objectif principal de briser peinture. Se déplacer avec une charrette tirée par un baudet, qui souvent utilisé comme un toit pour la nuit, Welles a d'abord visité la Aran Islands puis il a déménagé à Dublin, où il a épuisé leurs finances[14].

« Quand je suis arrivé à Dublin je devais vendre la vente aux enchères d'âne, et moi-même aussi. Je pense que je pourrais trouver un travail honnête comme jardinier ou un lave-vaisselle: malheureusement, je suis devenu un acteur '

(Orson Welles[20])

Welles a décidé de tâtons la rue du théâtre, puis est présenté à Hilton Edwards, directeur de gate Theatre Dublin, prétendant être un « acteur célèbre de New York » et d'obtenir un engagement entre les principaux acteurs. Sa première performance a été la duc Karl Alexander Wurtemberg édition théâtrale Juif Suss[21].

Orson Welles
Le Gate Theatre Dublin, Welles où il a effectué au début des années trente

en 1933, après avoir travaillé pendant deux ans en tant que réalisateur et acteur dans plusieurs spectacles aussi au 'Abbey Theatre, Welles a décidé de passer à Londres engager dans le théâtre anglais, mais a refusé l'autorisation de travailler[21]; Il a été forcé de retourner aux États- États-Unis, où il a produit des spectacles à l'école Todd et a collaboré avec Roger Hill pour écrire une série d'essais sur Shakespeare qui a paru dans la série de livres Shakespeare tout le monde[18].

Les coeurs de l'âge

en 1934 dix-neuf ans Welles a épousé l'héritière Virginia Nicolson, avec qui il a eu une fille, le nom inhabituel de Christopher, né en 1937. de plus en 1934 tourné son premier court-métrage École Todd, Les coeurs de l'âge (1934)[22], dans lequel l'interprétation de la figure grotesque mort et dont l'épouse Virginia a également participé dans le rôle d'une vieille dame[23].

Ce court-métrage silencieux 16 mm, du contexte symbolique et dramatique, a été inspiré par le travail des directeurs du temps, de Erich von Stroheim à Luis Buñuel, à surréaliste Français. Déjà dans ce court-métrage est connu sous le nom caractérise la composition de l'image de manière claire la technique directorial Welles[24]. En seulement quatre minutes du film, qui aligné d'une manière évidente aux administrateurs comme Griffith, Stroheim, Murnau (Image négative) et pointe surréaliste français, avait déjà tous les éléments du film de production future Welles[25].

Bien que la précision du maquillage est un élément majeur et a révélé une tendance que Welles a développé au cours de sa carrière d'acteur, le camouflage et le travestissement, avec l'utilisation de techniques de maquillage élaborées; en Les coeurs de l'âge, Welles est apparu comme un vieil homme, bien qu'il n'a que 19 ans[24] puis de plus en plus, il a accordé une attention particulière à la faire, déjà en commençant par Citizen Kane[26].

Le théâtre à New York

« Il me semblait pas dire que le théâtre est plus, non? Il y a de grands artistes qui continuent à travailler, mais n'est plus connecté à la principale centrale électrique. Le théâtre résiste comme divine anachronisme; l'opéra et le ballet. Un art qui représente plus de la création, une joie et une source d'émerveillement, mais pas une chose du présent. »

(Orson Welles[27])

en 1934 Welles déplacé de façon permanente à New-York, gérer enfin ses débuts au Broadway, où il a joué le rôle de Tybalt en Roméo et Juliette, en compagnie de Katharine Cornell, interprète du rôle de Juliette[28]. Il était le critique éminent Alexander Woollcott Welles de recommander à Cornell, après l'avoir vu jouer au Abbey Theatre de Dublin[29]. Welles a également commencé à travailler sur la radio, la création de spectacles comme Heure de l'Amérique, Cavalcade of America, Atelier Columbia: Hamlet et Le Mars du temps (Dont le programme fera une parodie tôt Citizen Kane[30]).

Orson Welles
La première de Voodoo Macbeth, 14 avril 1936

Dans la même période Welles a entrepris la collaboration artistique avec le metteur en scène et producteur de théâtre John Houseman, mettre sur un spectacle panique, dont il a été suivi d'une représentation historique[31] qui a commencé à contribuer à sa réputation: la Voodoo Macbeth, la version la plus révolutionnaire Macbeth jamais vu jusque-là; Les travaux ont consisté en une transposition de Macbeth de Shakespeare, dans lequel l'action a été transféré de Écosse à Haïti et où les trois classiques sorcières ont été remplacés par 40 assistants vaudou. Une autre particularité est la composition de la distribution, entièrement composée d'acteurs noirs, personnellement choisi par Welles dans les rues de Harlem. Les anciens interprètes ont dit que la sélection a consisté en la simple lecture d'un passage: si le candidat a démontré la capacité de lire, Welles lui ingaggiava avec un salaire de 21 $ par semaine[32].

la Voodoo Macbeth Il a fait ses débuts 14 Avril 1936 au Théâtre Lafayette à Harlem[33], et après deux mois a été réalisée pendant deux mois au Théâtre Adelphi sur Broadway, puis faire une tournée nationale dans sept théâtres soutenu l'initiative du gouvernement Administration d'avancement des travaux[33]. Le travail a été un énorme succès et le public électrifiés, ce qui permet la vingt Welles immédiatement devenu le plus célèbre et le célèbre metteur en scène de New York[34].

La période d'affirmation de Welles a coïncidé avec un temps d'engagement social fort du monde du théâtre américain, qui a sur scène de nombreux succès grâce aux travaux de diverses activités de groupe. L'un des plus grands de ces associations théâtrales collectives a été le théâtre fédéral, à New York comptait quatre grandes entreprises et au sein de laquelle Welles a poursuivi la collaboration avec John Houseman[35], en mettant en place les différentes émissions telles que l'adaptation de la farce Un chapeau de paille de Florence de Eugène Labiche, la Faust de Christopher Marlowe et The Million Ghosts, un satire sur le commerce des armes à feu, mais il fut un fiasco colossal[31].

Malgré une certaine opposition des milieux politiques plus conservateurs[36], Welles et Houseman a décidé de représenter l'œuvre musicale Avec berceau rock de Marc Blitzstein, considéré comme le premier "drame prolétaire« L'histoire du théâtre américain. Cependant, le gouvernement a tenté d'empêcher la mise en scène et, dans la nuit d'ouverture, le 16 Juin 1937, le casting trouve l'entrée de la Maxine Elliott Théâtre et interdit le bâtiment occupé par la police; Ce problème n'a pas découragé Welles improvise le spectacle sur deux pieds à l'extérieur du théâtre pour divertir le public jusqu'à ce que le problème soit résolu. Il a été embauché le Théâtre de Venise à vingt pâtés de maisons, et le public a été invité à se rendre au nouveau théâtre, où le spectacle a été mis en scène rideau fermé, sans décors ou costumes, avec des interprètes qui récitaient les bas-côtés du public, comme règlements syndicaux interdisant la distribution d'entrer dans la scène. Le seul Blitzstein a pris la scène, en récitant les légendes qui ont accompagné les mouvements de scène et de jouer la musique de piano. Le spectacle a été un tel succès qu'il a été reproduit sous cette forme improvisée jusqu'à Juillet prochain 1[37].

Fermé l'expérience du Théâtre fédéral, Welles et Houseman a fondé une nouvelle compagnie de théâtre, la Théâtre Mercury, avec l'intention de mettre en scène des œuvres classiques et modernes. La société (dont le jeune réalisateur dirigera jusqu'à la fin de son mandat Hollywood) a fait ses débuts avec une version de Giulio Cesare Shakespeare situé dans 'Italie fasciste, une représentation qui a immédiatement suscité plusieurs controverses: en plus de la partie de Welles Brutus, le caractère de Giulio Cesare Il se caractérise en présentant de nombreuses similitudes avec la figure de Mussolini. La première n'a pas obtenu le succès escompté et la critique négative forcé Welles à faire quelques révisions du texte qui seront essentiels à la rétroaction du public dans les prochains mois, afin de le rendre nécessaire de déplacer le spectacle à un théâtre de plus grande capacité[38].

La radio par satellite - Mercury Theatre On the Air

À l'été 1938 Welles (qui, en mai avait déjà apparu sur la couverture du magazine temps[34]) Et la compagnie Théâtre Mercury est devenu une présence quotidienne dans les émissions de la station radio CBS, avec le programme Mercury Theatre on the Air, dans lequel les propositions ont été réinterprétations sonores d'œuvres littéraires classiques ou populaires. Parmi les textes sont réinterprétés à retenir: Dracula, Treasure Island, Les 39 étapes, Le comte de Monte-Cristo, Giulio Cesare, Sherlock Holmes, Oliver Twist[39][40].

La guerre des mondes

Orson Welles
La copie d'un disque, créé 10 ans plus tard, le dossier La guerre des mondes.

Mémorable reste la transmission a poursuivi l'air le 30 Octobre 1938, au cours de laquelle le vingt-trois Welles interpréter un adaptation radio écrit par Howard E. Koch de La guerre des mondes, roman science-fiction de H. G. Wells; le programme a battu le panique dans une grande partie des États-Unis, étant donné que de nombreux auditeurs ont cru que la terre subissant en fait le même "invasion par une flotte belligérant vaisseaux spatiaux martien[32][41][42].

Welles savait que CBS diffusait sur des fréquences proches de celles des plus regardées NBC, où en même temps ils sont allés sur l'air le comédien populaire et transmissions ventriloque Edgar Bergen et sa marionnette Charlie McCarthy[43], mais il savait aussi que Bergen, un temps de transmission précis, toujours envoyé à l'antenne un détachement musical au cours de laquelle le public changerait la station: il est alors que Welles a décidé de poser son Martiens. Le choix a été efficace parce que les États-Unis fondit dans le chaos. Selon le témoignage de nombreux employés, y compris l'assistant personnel Alland, l 'exécutif CBS Davison Taylor plonge dans la chambre d'enregistrement au bout de 15 minutes et ladite, face Welles: "Pour l'amour de Dieu, arrêtez-vous cette chose! Là-bas, les gens sont devenus fous!». Peu de temps après Welles a répondu au directeur général de la Société canadienne du sang Paley (maintenant chaussons et peignoir de bain), Lui enjoignant de fermer la transmission "Stop? Pourquoi? Ils doivent avoir peur, me laisser aller!», Pour déclarer le contraire dans toutes les entrevues subséquentes[32]. En fait, Welles pensait que l'adaptation était ennuyeux, et ne voulait pas le proposer, mais a été forcé à l'utiliser en l'absence d'autres informations intéressantes disponibles.

Croyant que les événements décrits dans la transmission étaient authentiques, les auditeurs du programme ont été prélevés panique, sans se rendre compte qu'il était en fait une émission de radio. L'histoire racontée dans le roman a été joué par Welles comme un vrai commentaire, dans le seul but d'être excitant pour le public. L'adaptation du roman simulé fait un bulletin spécial de nouvelles, qui parfois a été inséré au-dessus d'autres programmes palimpseste, pour des mises à jour sur l'atterrissage de vaisseaux spatiaux martiens dans Grovers Mill (New Jersey). Le résultat était trop réel et est allé au-delà des attentes de l'auteur lui-même. L'histoire transformé en un énorme retour de la publicité pour Welles, de sorte que la RKO Il vint proposer un contrat pour la construction de trois films Hollywood[44].

« Pour ce que nous ne devions aller en prison, mais au contraire, ils ont fini à Hollywood »

(Orson Welles[20])

Welles à Hollywood

« Le cinéma est une profession ... Rien ne peut être comparé au cinéma. Le film fait partie de notre temps. C'est la chose à faire. »

(Cahiers du Cinéma n. 165, 1965)

Avant son vrai débuts au cinéma Citizen Kane, Welles a réalisé un film. Trop Johnson, un moyen métrage tourné en 1938, Il était destiné à être placé dans la farce théâtrale du même nom (environ une demi-heure), mais personne n'a jamais été mis en scène. Welles a dit du film, après ce qu'il considérait comme était perdu la seule copie 1970 dans le feu de sa villa Madrid"Il était un bon film. Nous avions créé un Cuba Rêve à New York. Je l'ai regardé il y a quatre ans et la presse était en excellent état. Vous savez, je ne montais. Je mets ensemble pour donner à Joe Cotten comme cadeau de Noël quelques années, mais je ne l'ai»[45]. Une copie du film a été trouvé, le 7 Août 2013, dans un entrepôt Pordenone. restauré la Cineteca del Friuli, le travail a été projeté 9 Octobre 2013 dans le cas de Film muet Jours[46].

A partir du moment de son arrivée à Hollywood le 22 Juillet 1939, Welles a reçu accueil chaleureux: quelques invités ont assisté à la réception en son honneur, tandis que les journaux et les caricaturistes ironizzarono immédiatement à sa barbe (qu'il avait grandi pour un rôle théâtral La Déesse verte)[47]. Welles, cependant, il a ignoré ces attitudes et concentré sur son projet et ses ambitions de mise en scène.

Le prochain 21 Août a signé un contrat avec RKO Pictures le contrat le plus lucratif jamais offert par une étude[48]. En tant qu'acteur, scénariste, réalisateur et producteur, Welles aurait reçu une indemnité estimée à 50 000 $ à l'avance, en plus de 20% des recettes brutes pour la construction de trois films. La liberté artistique a également donné absolue Welles du contrat, une liberté que tout le monde à Hollywood aurait aimé, et il a été probablement contribué à alimenter l'envie de l'environnement du film contre le nouveau venu[49].

Pour son premier projet à RKO, Welles a commencé à travailler sur une adaptation du roman Au cœur des ténèbres (Coeur de l'obscurité) de Joseph Conrad. Le scénario, qui a été construit dans un court laps de temps, a fourni quelques modifications par rapport au roman: dans le texte original de Conrad, l'histoire a eu lieu à partir de Thames à Londres jusqu'à arriver au cœur de jungle par la montée de la rivière Congo; dans la version de Welles, l'action a été mis à jour et a déménagé à New York, avec la rivière Hudson qui a remplacé la Tamise. Le personnage de Marlow est devenu américain et caractéristiques supposées Kurtz qui fait allusion à la figure d'Hitler et de sa volonté de puissance[50]. Mais l'élément essentiel de cette version de Welles n'est pas dans la conception de l'intrigue, d'autant plus que l'originalité de la réflexion sur la technique du film, quelque chose qui alors jamais auparavant avait été traité à Hollywood, et que le jeune réalisateur a voulu explorer le recours à la narration au moyen de l'expérience subjective de la caméra[40].

Dans la vision de Welles, Marlow était en effet jamais vu sur scène, contrairement à la version de Conrad, où au lieu de Marlow est le narrateur à la première personne de toute l'affaire; la conception wellesiana en fait, il a remplacé le caractère avec la lentille de la caméra, dans lequel le regard du protagoniste devrait s'identifier. Seulement dans certains endroits que vous pouvez voir une cigarette ou l'ombre du caractère[49]. L'idée de Welles était de donner la parole à Marlow et aussi d'interpréter le caractère de Kurtz (bien que, juste avant l'échec du projet, avait déjà décidé d'abandonner)[51].

Le rôle féminin a été donné à l'actrice Dita Parlo, tandis que le casting est composé d'acteurs du Théâtre Mercury, qui, grâce à Welles, s'avait obtenu un contrat avec RKO et apparaîtrait bientôt Citizen Kane[52]. Le plan a échoué pour diverses circonstances. Le parler a eu lieu à France sur les frais de collaborationniste, RKO pas prouvé prêt à faire confiance dans une technique si révolutionnaire directorial, alors que le budget du film est avéré être trop élevé, compte tenu de la nécessité de mettre en place un ensemble qui ricostruisse environnements africains[40].

« Je pense que je suis fait pour Conrad. À mon avis, chaque histoire de Conrad est un film. Il n'y a jamais eu un film de Conrad, pour la simple raison que personne n'a jamais fait comme il est écrit. Mon script était très fidèle à Conrad. Et je pense que tout le monde fera tout ce que je dis que vous allez finir par un succès dans ses mains

(Orson Welles[51])

Sans se décourager, Welles se consacre au deuxième projet avec la RKO et a décidé de tourner Smiler avec un couteau, un film policier. Encore une fois, le film n'a jamais vu la lumière, il est dit à la levée des deux choix interprètes, Carole Lombard et Rosalind Russell, qui craignait de ruiner sa réputation en participant à un film réalisé par un novice directeur. Comme Welles prétendra plus tard, en effet Carole Lombard était l'ami et l'ont soutenu, mais la société de production de l'actrice n'a pas donné la permission de participer au film[53].

Citizen Kane

icône Loupe mgx2.svg Le même sujet en détail: Citizen Kane.

Citizen Kane Il raconte l'histoire de l'enquête faite par un journaliste du nom de Thompson pour découvrir le sens des derniers mots de Charles Foster Kane. Parce que son opinion est que les derniers mots d'un homme doit expliquer sa vie. Peut-être qu'il est vrai. Il ne comprendra jamais ce que Kane voulait dire, mais le public, cependant, comprend que. Son enquête le conduit à cinq personnes qui connaissaient Kane, qui l'aimait et le détestait. TELL cinq histoires différentes, chacune très partielle, de sorte que la vérité sur Kane pour être déductibles que - comme d'ailleurs toute la vérité sur une personne - la somme de tout ce qui a été dit sur lui. Selon Kane seulement il aimait sa mère, selon les autres n'aimait son journal, juste sa seconde épouse, que lui-même. Peut-être qu'il aimait toutes ces choses, peut-être pas aimé tout. Le public est le seul juge. Kane était égoïste et altruiste ensemble, à la fois idéaliste et un tricheur, un grand homme et un homme médiocre. Tout dépend de qui parle. On n'a jamais vu à travers la lentille de l'oeil d'un auteur. Le but du film réside, d'autre part, en proposant un problème plutôt que de le résoudre. »

(Orson Welles[54])
Orson Welles
Le titre original du Citizen Kane dans la bande annonce du film (1941)

Comme il est dit Welles, le troisième film dans le contrat avec RKO, elle a commencé à prendre forme déjà lors de la conception Le Smiler avec un couteau. Par ailleurs Welles, ils ont également travaillé sur le scénario et John Houseman le nouvel employé Herman J. Mankiewicz. Le film devait être appelé au début Welles1, puis il a passé à appeler américain, jusqu'à la prendre pure et simple, Citizen Kane (littéralement Citizen Kane, Titre italien: Citizen Kane)[32][54], défini par la suite François Truffaut « Du film »[23], ce qui a inspiré les débuts de nombreux réalisateurs et acteurs[23].

Cette fois Welles a d'écrire un sujet dessiner tout à fait originale, pas d'inspiration de la littérature, comme il l'avait fait dans le théâtre. Le sujet a été inspiré par la figure du baron de la presse William Randolph Hearst[55] et l'intrigue du film semble reprendre dans les grandes lignes de nombreuses références à la vie de Hearst: malgré les grands biens hérités, Kane se préoccupe presque exclusivement de son petit journal, et se prolonge jusqu'à ce qu'il devienne une publication de diffusion nationale, la création d'un empire de l'édition dont les positions sont tout sauf impartial, ainsi que Hearst était connu pour ses batailles et les croisades, et dans sa jeunesse avaient attaqué la confiance de transport[56]; Kane se marie deux fois, la seconde avec une actrice-chanteuse-danseuse (Hearst a été célèbre liée à l'actrice Marion Davies)[57], et essayé en vain d'entrer dans politique; la réalisation de Xanadu rappelle la résidence que Hearst avait construit (le château de San Simeon, qui est devenu célèbre aussi pour les événements de la société liés à Hollywood et l'industrie du cinéma)[58]; Kane acheter toutes sortes de travaux d'art pour le bien de posséder[57], exactement comme l'a fait Hearst avec sa manie de objets de collection, qui l'a invité à acheter des articles qui a ensuite emballés dans des caisses à gauche[57]; ces dernières années, Kane a pris sa retraite à la vie privée, s'isolant pour éviter tout contact humain.

D'autres interprétations, cependant, croient que le film peut avoir été inspiré par Jules Brulatour, propriétaire kodak et pionnier de l'industrie du cinéma, ou par le producteur excentrique Howard Hughes, comme indiqué dans F for Fake. Le Welles lui-même déclaré dans Peter Bogdanovich que, pour esquisser le protagoniste de l'histoire, au début on a pensé à Hughes[59], pour commuter immédiatement les bossages du papier imprimé[60] et brasseur d'affaires de la fin du siècle, en utilisant des preuves recueillies auprès d'autres vies, mais sans donner des preuves biographique précise de tout caractère réel[61].

Welles a donné la plupart des rôles principaux du film les acteurs avec lesquels il avait travaillé au théâtre Mercury, et qui venait de l'expérience de la radio, Joseph Cotten (Interprète Jedediah Leland, journaliste et ami de Kane) Agnes Moorehead, Everett Sloane, Ray Collins, George Coulouris, Erskine Sanford, Paul Stewart[52], exerçant ainsi l'autonomie créative dans le choix de ses interprètes[62].

Le tournage de Citizen Kane, dont le scénario a pris plus de trois mois de travail, ils ont pris 30 Juillet au large 1940[63], tandis que l'ensemble a commencé le 23 octobre de cette année[64]. La presse spécialisée potins Il est devenu intéressé par le film et les ragots parvint aux oreilles de W.R. Hearst, par Parsons Louella[65], un célèbre journaliste il a écrit sur ses papiers et, en même temps, était un admirateur de Welles; selon Parsons, Welles a été le tournage d'un film basé sur la vie de Hearst, et celle-ci se sont déchaînés. Merci à la puissance de son empire de l'édition, le grand magnat de la presse a commencé un boycott de travail contre le film et RKO[66].

La date de sortie Citizen Kane, initialement prévu pour le 14 Février 1941, Elle a été reportée à plusieurs reprises, de sorte que Welles a menacé RKO rupture de contrat pour ce retard. La controverse agite la société de production, qui cherchait à exploiter la publicité créée par la controverse pour lancer le film, dont la première pour la presse a été tenue le 9 Avril 1941, et il a été projeté pour la première fois à un public de New York aux films RKO Palace on Broadway, le 1er mai 1941[67][68][69].

Citizen Kane Il a lutté pour obtenir le succès, principalement en raison des travaux du boycott entrepris par l'empire de l'édition périodique Hearst, qui n'a pas permis au film une bonne distribution dans les chaînes principales et le sel[70][71]. tandis que les avis des critiques au lieu embrassé le film comme l'un des plus grands chefs-d'œuvre du cinéma de tous les temps. avec Citizen Kane, Orson Welles mine la pratique de ce qu'on appelle « les débuts du cinéma » refondation, en fait, les techniques de fabrication du film, en se fondant sur les innovations artistiques dans le récit, dans les techniques de prise de vue et l'utilisation du symbolisme[72]. Retravaillant mécaniques, optiques et d'éclairage, reconstruit et améliore le style des « premiers maîtres de film » comme David Wark Griffith (Auteur de Naissance d'une nation) Où elle puise l'inspiration et des suggestions. Welles mêle des éléments disparates du théâtre et du cinéma, la reconstruction du point de vue du spectateur avec des coups vertueux et jamais osé jusque-là, ou un changement de lumières clés, tels que la disparition de la lumière provenant de différentes parties de l'écran et la disparition de acteurs un après l'autre (peu d'innovation considéré par Welles, qui a cru qu'elle était utilisé dans le film et croit que la reprise de ses habitudes théâtrales, mais l'un des rares qui avoue avoir inventé).

Avec le personnage de Charles Foster Kane, Welles a également démontré leur sensibilité et les compétences d'interprétation, d'arriver à couvrir toutes les étapes de la vie du personnage, de la petite enfance, où Kane est un éditeur de journal courageux et idéaliste, à travers la l'âge moyen quand Kane est au sommet de son charisme et sa démarche, à la vieillesse, qui est maintenant transformé en un magnat de l'édition mégalomaniaque, dont l'humanité a été étouffé par l'immense pouvoir conquis[73].

D'une importance fondamentale pour l'interprétation de Welles était aussi les compétences de l'artiste maquillage Maurice Siederman, dont l'engagement pourrait faire convaincre les différentes étapes extrêmement Kane existence, de vingt à soixante-dix-sept ans. Même dans les scènes qui dépeignent jeune Kane, Welles a toujours été fortement truqué[74].

« Je pouvais à peine bouger, à cause du corset et greasepaint sur son visage. Norman Mailer, une fois qu'il a écrit que quand j'étais jeune, j'étais l'homme le plus beau qu'on ait jamais vu. Merci beaucoup! Il était tout au sujet de la composition de Citizen Kane »

(Orson Welles[74])

Mais l'aspect le plus novateur du film est l'utilisation, pour la première fois conscient et systématique, la Profondeur de champ (la profondeur de champ) Et séquence d'étage. La première technique a été étudiée en profondeur par le célèbre directeur de la photographie Gregg Toland, qui ont eu recours à des verres spéciaux pour laquelle elles ont été appliquées anneaux métalliques rainurées (ou « Waterhouse arrête ») permettant de faire varier la profondeur de champ pendant que l'appareil est en fonctionnement, et l'utilisation d'un film ultrasensible ce qu 'au début de une quarantaine d'années ont commencé à être commercialisé[75]. Un niveau de l'écriture, la principale innovation consiste en l'application au lieu de l'utilisation systématique de flash-back, contrairement au style classique des films[76].

Le directeur, lors des entretiens ultérieurs, il a ensuite toujours affirmé que bon nombre des innovations qui lui sont attribuées n'étaient pas de[77]; pour être en mesure de les faire ressembler à elle, Welles sera défini - dans le film F for Fake (1973) - un illusionniste.

« Le film apparaît comme quelque chose incommensurable, tel est sa portée et sa nouveauté, quintessence de la technique cinématographique, laboratoire de nouvelles expériences, tragédie shakespearienne enveloppé dans une atmosphère absurde et vide existentiel. Le sens du film est encore plus complexe. La personnalité de Kane est mystérieuse dans sa linéarité: un idéaliste? un profiteur? un mégalomane? Pourquoi est-il si jugé que sa femme deviendrait une star? Un incapable d'aimer égoïste? Parce qu'il a construit la fiction journal? Parce qu'il a construit la fiction de la femme star? Parce que la fiction de Xanadu? « Rosebud » reste un mystère, et cela reste la personnalité de Kane, et même conjecture que la première expliquerait la seconde. Peut-être il n'y avait aucun motif, et aucun sens. Ou peut-être que l'information seule n'aurait pas été inutile. Le vrai sens du film réside dans la « recherche de sens », plutôt que le sens en soi, une puissante métaphore de la condition humaine. La réponse à cette question réside dans le signe NO DÉFENSE DE PASSER. Mais Kane « n'a pas de sens »: est un homme sans principes et sans personnalité. Kane est tout simplement l'ensemble de leurs actions et leurs paroles, ils ont pas d'autre sens que celui d'être ses actes et ses paroles. Tout comme la grande masse des objets dans le château de Xanadu, qui ne fournit pas d'autres personnalités au château que d'être un tas désordonné d'objets. Kane réduit tout et tout le monde à des objets: il est incapable de communiquer des émotions. Kane est inutile; et sans surprise son rôle dans le film est négligeable, comme seul sujet de discussion pour les protagonistes, qui sont les narrateurs et le journaliste '

(Piero Scaruffi sur Citizen Kane[78])

Selon le classement AFI et de la BFI, et bien d'autres critiques, Citizen Kane est considéré comme le "Plus bon film de Histoire du cinéma".[8][9][79]

La Splendeur des Amberson

« Ce film a été réalisé en contraste clair Citizen Kane, comme si elle était l'œuvre d'un autre directeur, qui, détestant le premier, a voulu lui donner une leçon de modestie "

(François Truffaut[80])
Orson Welles
La couverture du roman La Splendeur des Amberson dans une Captures d'écran des films de Welles

Le deuxième film que Welles a dirigé pour RKO (qui ne figurait pas en tant qu'acteur, mais seulement comme le narrateur) était le plus sobre et traditionnel La Splendeur des Amberson (La Splendeur des Amberson, 1942), Adapté du roman de Booth Tarkington, gagnant prix Pulitzer. Avec ce film, les administrateurs de la société de production ils ont placé l'espoir de récupérer les investissements perdus avec la partie effondrement commerciale du film précédent[81].

Le film raconte la saga de Amberson, une famille de classe supérieure vivant dans Indianapolis au cours de la période où les évolutions technologiques et industrielles en provenance de 'Europe (Symbolisés par l'arrivée et l'affirmation de 'voiture) Commence à porter atteinte à sa suprématie sociale. L'inventeur Eugene Morgan (Joseph Cotten), qui est devenu propriétaire d'une usine automobile, a toujours été amoureux d'Isabel Amberson (Dolores Costello), La matriarche de la famille, qui me revient hanter après la mort de son mari. Cet amour est contrariée par son fils George Minafer (Tim Holt), Qui continue de maintenir l'esprit attitude hautaine et aristocratique qui a toujours caractérisé le Amberson[82].

Welles considère ce film encore mieux Citizen Kane, estimant une réalisation plus mature, plus étudiée et la direction d'une technique déjà différent du premier film[83][84] La composition de l'image a une coupe moins baroque et les innovations sont moins courageux que celles qui sont apparues dans Citizen Kane, mais il remarque tout de même énorme talent de réalisateur, avec une excellente photographie, différents modèles de montage et une utilisation exceptionnelle des plans de séquence[83].

En fait, le film a tout ce qu'il faut pour devenir un grand succès et une grande œuvre d'art cinématographique; mais même dans ce cas Welles a trouvé devant lui un chemin semé d'embûches, comme ils ont préparé de nouveaux affrontements avec le producteur[85]. Pendant le tournage, le gouvernement américain Welles a demandé de faire film documentaire sur 'Amérique du Sud. Welles, puis il a quitté le pays pour commencer le tournage Tout est vrai, après le montage de la première copie du projet La Splendeur des Amberson, pensant qu'ils peuvent continuer à avancer par télégramme instructions finales à ses collaborateurs[32][86].

A ce stade, le RKO, le personnel déjà en difficultés financières et effrayés par un éventuel nouvel échec commercial, le film a pris le contrôle de La production du mercure Welles et a travaillé une coupe de plus de 50 minutes de séquences, alors que certaines scènes, y compris la finale, ont été filmées à partir de zéro et a ajouté ou remplacé dans ce qui restait de la première version. La coupe du film original, y compris la fin originale que Welles avait désespérément perdu tir passa. L'intervention de la RKO, qui a grandement facilité les tons nostalgiques et doux-amer dØ La Splendeur des Amberson, ce ne fut que le premier d'une longue série de persécutions et d'interférences nuisibles des fabricants, qui fera face Welles tout au long de sa carrière à Hollywood[32][86].

Pendant le traitement de La Splendeur des Amberson, Welles travaillait simultanément en tant qu'acteur sur l'ensemble d'un autre film, histoire d'espionnage Journey into Fear, est un roman de Eric Ambler et tourné simultanément dans une scène sonore à proximité. Écrit et interprété avec Joseph Cotten, le film a été fait à la hâte la nuit et pas convaincu la société de production, qui sortira seulement en Août 1943, limiter la durée à 71 minutes et obtenir peu de succès. Welles, qui dans le film joue la caricature sanguinaire colonel Haki, chef de la police secrète turque, a pu tout d'abord pour obtenir le droit de RKO reshoot la fin et de compléter l'histoire avec la voix narrative de Joseph Cotten, mais cette tentative cependant, le film n'a pas tiré profit[32][87].

Au début de la Guerre mondiale, beaucoup d'artistes engagés dans la politique, ou même enrôlées, mais Welles a essayé d'éviter le service militaire; le film historique Giuliana Muscio a trouvé une lettre adressée à MGM et en date du 28 Avril 1943, direct à 'War Information Bureau, dans lequel le directeur demande d'exemption du service militaire pour participer à une production cinématographique basée sur Guerre et paix de Lev Tolstoj, mais jamais réalisé[88].

Tout est vrai

déjà en 1941 Welles projetait de tourner un film dans les épisodes, Tout est vrai; le premier épisode, dont le titre était attendu Le président du capitaine, Il était basé sur un sujet de 1938 dans lequel l'auteur, cinéaste documentaire Robert J. Flaherty, Il a abordé le thème de votre voyage dans le Grand Nord[88][89]. l'intention de Welles était de réajuster l'histoire, mais le projet a finalement échoué à se matérialiser. Le deuxième épisode prévu, Mon ami bonite, voies aussi d'une histoire par Flaherty, a raconté l'histoire de l'amitié entre un enfant mexicain et un taureau, destiné à course de taureaux et sauvé de la mort dans l'arène grâce à la merci de la foule.

Le tournage de cet épisode a été initié par le directeur Norman Foster et non par Welles[89][90], mais Foster n'a pas continuer à travailler, comme cela a été rappelé par Welles à Hollywood pour travailler ensemble pour diriger Journey into Fear.

À la suite de 'attaque japonaise sur Pearl Harbor - en vue de lancer une action de propagande Amérique latine par crainte d'une éventuelle influence nazie dans les pays[89] - Welles a été approché par le gouvernement des États-Unis qui l'a nommé pour atteindre Brésil pour tourner un film sur Carnaval de Rio, et affecter le travail du directeur a continué, à la fois pour La Splendeur des Amberson que Journey into Fear.

Welles a quitté pour le Brésil, où le 13 Février a décollé du carnaval; son idée était de repenser complètement Tout est vrai, d'utiliser le tir sur le carnaval en tant que premier épisode et de conserver décolletées Mon ami bonite, l'utiliser comme deuxième épisode[89][91].

Pour le deuxième épisode, Welles a été inspiré par une histoire vraie, et elle avait lu un article dans la revue TIME. Il est l'histoire de Jacaré, Tata, et Mané Geronymo, quatre pêcheurs (Jangadeiros) sont originaires d'une région du nord du Brésil, qui sont contraints de partager le fruit de leur travail avec les propriétaires des bateaux (Jangada). Désireux d'obtenir la protection et la protection d'un union, les quatre embarquent pour un voyage le long de la côte du Brésil à Rio de Janeiro, en passant que dans le bas et plus proche de la côte des étendues d'eau, accueil de temps en temps le point et de demander l'hospitalité à la population locale. Avant d'arriver dans la capitale, sont devenus si célèbres que le président Getúlio Vargas Il est forcé de recevoir[92]. Les quatre seulement gagner une petite amélioration économique, mais ne parviennent pas à réaliser la mise en place de l'Union, que le président leur promet encore[93].

Welles a décidé de commencer à travailler avec le tournage de l'épisode lié à l'arrivée de Jangadeiros à Rio. Pendant une pause, alors que l'appareil a été arrêté et les pêcheurs étaient au milieu de la baie, une vague géante les a emportés et traîné vers le bas de la plage de Jacaré, qui se sont noyés[89][94]. La responsabilité de la tragédie a été attribuée à Welles qui, à partir de ce moment-là, comme il dit lui-même dans une interview apparu par la suite dans le documentaire Tout est vrai, Il se sentait un tel sentiment de culpabilité de vouloir à tout prix pour terminer le film pour honorer la mémoire des pauvres Jacaré[89][94].

Pendant ce temps, le fabricant de RKO a subi une succession à la haute direction: George J. Schaefer, protecteur de Welles, a été remplacé par Charles J. Koerner, qui a tiré sur place et le directeur a décidé d'appeler l'équipage du Brésil, la révocation de la disponibilité de fonds excédentaires[91]. Avec l'échec du film, tout le travail a été négligé et a été déposé dans la RKO archives. Le seul matériau aujourd'hui visible est contenu dans Tout est vrai, à savoir dans le documentaire éponyme qui raconte la réalisation du film, sorti en années nonante.

D'autres films des années quarante

« Je n'aime pas parler des films, j'ai assez de parler de films. [...] Si notre film bien-aimé (et bien sûr quand je dis « bien-aimé » sont très graves, car en fait, nous l'aimons passionnément), eh bien, si notre bien-aimé le film cesse d'être la grande obsession contemporaine, l'argile pour nos statues bien-aimés restent dans les mains des distributeurs. Autrement dit, il sera jeté aux chiens - et nous où nous nous retrouvons? »

(Orson Welles[95])

La débâcle de Journey into Fear et Tout est vrai a marqué la fin de ce que pour Welles a été annoncé, un peu plus d'un an, comme la carrière fulgurante d'un génie[96].

Depuis quelques années, au cours de la période de la Seconde Guerre mondiale, Welles est resté loin du monde du cinéma, consacré à des émissions de propagande radio pour CBS et, en particulier, à des activités politiques, comme une série de conférences sur la nature du fascisme, il a présidé dans tout le pays, ainsi que le soutien de l'administration du président américain Roosevelt, pour lequel il a écrit plusieurs discours politiques[11].

Orson Welles
Welles et Loretta Young l'étranger (1946)

Pendant ce temps Welles, qui en 1939 Il avait divorcé de sa première épouse Virginia Nicolson, et avait eu un rapport subséquent par l'actrice mexicaine Dolores del Río (Son partenaire Journey into Fear)[97], en 1943 remarié Rita Hayworth, dont l'interprétation guilde (1946) Le sacré comme l'un des principaux sex-symbol l'après-guerre[98]. De mariage Hayworth, il est né une fille, Rebecca (1944-2004).

Welles retourne au cinéma grâce au producteur David O. Selznick, qui l'a choisi pour jouer le drame de costume La porte interdite (1944), D'après le roman Jane Eyre, à côté de Joan Fontaine. Avec le vigoureux portrait du personnage principal Edward Rochester, le héros romantique ombragé né de la plume de Charlotte Brontë, Welles a pu tirer le meilleur parti de leur présence sur scène impressionnante[99].

Le prochain engagement du film Welles a représenté l'un des moments les plus curieux et les plus fascinants de sa carrière. Dans le film Suivez les garçons (1944), Un produit hollywoodien typique de la guerre, sketches et numéros de divertissement musical, Welles a eu recours à sa vieille passion, illusionnisme, en producendosi Mercury Wonder Voir, un célèbre spectacle de magie au cours de laquelle il a exécuté avec élégance quelques chiffres magicien et a joué dans la composition de la femme sciées en deux, à l'aide d'un partenaire exceptionnel, Marlene Dietrich[100].

Après l'interprétation d'un ancien combattant Première Guerre mondiale dans le drame sentimental Comptez seulement l'avenir (1945), Côté Claudette Colbert, Welles pourrait encore faire trois films à Hollywood: dans le premier, l'étranger (1946), Dirigé Welles Loretta Young et Edward G. Robinson, mettant en vedette le personnage de titre, un ancien nazi qui tentent de cacher leur passé sous l'identité d'un professeur qui enseigne dans un collège dans une petite ville de Connecticut[101].

La Dame de Shanghai

Orson Welles
Orson Welles dans la bande-annonce de La Dame de Shanghai (1948)

en 1946 Welles retourne au théâtre Autour du monde, une adaptation musicale Tour du monde en quatre-vingts jours. Le spectacle a obtenu un grand succès critique, mais le manque de réponse de la part du public Welles a laissé dans des conditions financières désastreuses et l'a forcé à parvenir à un accord hâtif avec Harry Cohn, patron du fabricant Columbia, pour diriger La Dame de Shanghai, un curieux mélange de drame et éléments noir, qui a également joué comme le caractère de titre, le marin Michael O'Hara, et a confié sa femme de caractère Rita Hayworth Elsa Bannister, une femme fatale faux et amorale[102].

Welles a eu recours à des environnements originaux, comme dans la scène de la rencontre entre O'Hara et Bannister entre les bassins d'un aquarium grotesque, et combien de temps la séquence de cauchemar dans une tentaculaire fête foraine, aboutissant à l'intérieur d'un échange de tirs finale labyrinthe des miroirs. Son était aussi le remaniement de la regarder de Hayworth, dont le monde célèbre longues et rouges tresses ont été sacrifiés par Welles en faveur de la coiffure plus courte et adhérente plus froide et plus au blond cliché impitoyable dark lady[103].

La sortie du film, maintenant considéré comme un « classique » a été bloqué par Harry Cohn, horrifié par la réaction du public possible à la transformation radicale de l'image de Hayworth[97]. La Dame de Shanghai Il sera distribué que dans 1948, à un moment où Welles et Hayworth avaient commencé les formalités administratives à divorce, après un mariage de cinq ans. Le Hayworth, puis a fait l'éloge plus d'une fois le film, considérant l'un des meilleurs de sa carrière, et prétendant avoir cru tant dans la capacité de son ex-mari, sans peur de faire confiance son génie[104].

la Macbeth et au revoir à Hollywood

Orson Welles
avec Welles Jeanette Nolan en Macbeth (1948)

expérience archivée dans le genre noir, en été 1947 Welles se consacre à l'adaptation de film de la Macbeth Shakespeare (dont il a été directeur et interprète), obtenir du fabricant Republic Pictures un temps de seulement 23 jours pour achever les travaux, une seule et soundstage un budget assez bas pour forcer le directeur à recourir à des scénarios et arrière-plans papier mâché[105].

Welles avait personnellement conçu les décors, mais ils se sont avérés de votre budget, donc dû se contenter d'utiliser les milieux de fortune, comme l'ancienne mine de sel habituellement utilisé comme westerns de la République mis à s'adapter pour devenir la salle du château, et louer la plupart des costumes de costume occidental[106]. Dans les séquences liées à la bataille, Welles cameramen comme figurants, les habiller uniquement sur le dos au film lors de la première des avions de combat[107]. En dépit des ressources techniques limitées et des restrictions en termes de temps, la version du Macbeth réalisé par Welles est considéré comme partiellement réussi[108], mais il ne suffit pas d'éviter la conclusion médiocre de la première phase de sa carrière à Hollywood[109].

Les premières années en Europe (1949-1957)

« Hollywood est un quart d'or adapté aux golfeurs, les jardiniers, à différents types d'hommes médiocres, le cinéma satisfait. Je ne suis rien à lui "

(Orson Welles[110])

en 1948 Welles a finalement quitté la ville en Californie et a déménagé en Europe, où il a commencé à se concentrer sur une nouvelle adaptation d'un drame shakespearien, le 'Othello, il avait l'intention de diriger et étoile. La nécessité de financer ce projet l'a forcé à accepter certaines parties dans les films américains réalisés en Europe, tels que Cagliostro (1949) Prince of Foxes (1949) et The Black Rose (1950) (Ces deux derniers à côté de Tyrone Power). Ce sont des films en costume, avec des scènes redondantes, où Welles a été produit dans des interprétations ennuyés de personnages intrigants et chargés de fioritures excessives[111].

Le troisième homme

« Je détestais Harry Lime. Il avait pas de passions, il faisait froid: il était Lucifer, l'ange déchu "

(Orson Welles[112])

en 1949, Welles a un rôle essentiel à sa prouvé carrière et où souvent identifiés à l'avenir[113], celle du sinistre Harry Lime il Le troisième homme (Le troisième homme, 1949), Mise en scène Carol Reed et écrit par l'écrivain anglais Graham Greene, que le film attirera plus tard un roman à succès.

situé dans Vienne la période d'après-guerre, le film tourne autour de la figure mystérieuse de Harry Lime un aventurier vil qui trafique pénicilline frelaté dans une ville dévastée par la guerre. L'intrigue prévoit que le caractère de chaux apparaît que dans un nombre limité de scènes, mais le fait que dans le film continuera à parler de lui (bien 57 ont été calculées allusions verbales à la chaux, avant son entrée dans la scène)[114], automatiquement le place au centre du spectateur[115].

Le film a été un énorme succès[116] et la présence charismatique de Welles, qui apparaît pendant quelques minutes, mais dont le caractère cynique et éhontée est constamment mentionné tout au long du film, a contribué à consolider sa popularité, déjà quant à lui renforcé le mariage depuis médiatisé à Rita Hayworth.

L 'Othello

Orson Welles
Une scène de Othello

Avec la réalisation de 'Othello (1952), Qui prendra près de trois années de travail, Welles a commencé sa directorial venture en Europe, face à une longue lignée de difficultés professionnelles, telles que la nécessité constante de lever les fonds nécessaires, l'échec est produit du producteur de la maison de film (la Scalera Film de Rome)[117], le long travail de sélection pour affecter la partie de Desdémone, la difficulté de concilier les engagements des interprètes et techniciens de la longueur croissante du temps de traitement, qui a continué de 1949 un 1951 et caractérisé par des butées répétées et commence[118].

L'expérience de la 'Othello Il est représentatif des difficultés artistiques que Welles se réunissent pendant le reste de sa carrière de cinéaste. Peu à peu occupé en tant qu'acteur sur les jeux d'autres personnes, ou dans des émissions de radio et de représentations théâtrales juste pour se financer, Welles a fait son Othello mémorable travail, ce qui favorise la technique d'assemblage, qui a réussi à revenir à la dimension classique des travaux dans les scènes directement dans les sites historiques, donnant une continuité spatiale et temporelle efficace à des séquences souvent effectuées dans des environnements très différents et des moments entre eux[118].

Tourné sur place en Mogador et Safi (Sur la côte Maroc), Pour Venise et tuscania, en 1952 l 'Othello Welles a remporté le Palme d'Or un Festival de Cannes participer en tant que représentant du Maroc[119].

engagements ultérieurs ont vu Welles répartis entre un certain nombre de productions européennes prises en Angleterre, France et Italie (Cette dernière a participé comme acteur de films L'homme, bête et la vertu (1953), Mise en scène Steno et aux côtés de la vedette toto). Il a également commencé à travailler pour la télévision, diriger deux séries pour la BBC et le retour à New York en 1953 pour une version de Le roi Lear destiné à aller sur l'air à l'intérieur omnibus, CBS série télévisée[120].

Rapport confidentiel

avec Rapport confidentiel (1955), Welles revient au cinéma en scène, le choix d'un thème un peu similaire à Citizen Kane, qui est l'histoire de M. Gregory Arkadin, un puissant enrichi en essayant de se débarrasser de tous ceux qui pourraient découvrir les secrets honteux de son passé et les origines honteuses de son pouvoir financier[121]. Welles, dont le physique commençait à se lourd au fil des années, a donné un portrait d'une grande grandeur tycoon Arkadin, en prenant soin que le maquillage d'habitude, avec moustache épaisse et la barbe et un truc pointu des caractéristiques[121].

Le rôle de la fille d'Arkadin, Raina, a été joué par l'actrice italienne, comtesse Paola Mori qu'en mai 1955, Il est devenu le troisième Mme Welles. En Novembre de la même année est née leur fille Beatrice[121].

Après une réduction spectaculaire Moby Dick de Melville, qu'il a été mis en scène à Londres en 1956, comme le capitaine Achab, Welles a également pris part à la adaptation de film du même roman, réalisé par John Huston. Ce Welles est une apparence courte mais vigoureuse comme imposant Father Mapple, qui prononce un sermon mémorable Jonas et la baleine, du haut d'une chaire à l'arc sous forme d'un navire[122].

crochets courts à Hollywood (1957-1959)

Après presque dix ans de séparation, en 1957 Welles est revenu à Hollywood. Son apparence est devenu massif l'air plus vieux de ses 42 ans et maintenant empêché les rôles romantiques qu'il avait rencontrés dans les années quarante[123]. Dans ses deux premiers films peu après son retour, Welles a joué deux chiffres de « sud-américain »: en La tragédie de Rio Grande (1957) Il est Virgil Renchler, un propriétaire terrien qui dirige le mal despotique un grand ranch dans le sud-ouest et entre en collision avec le shérif local (Jeff Chandler). en Long Hot Summer (1958), Il est Will Varner, un caractère d'âge moyen rugueux planteur du Sud avec lesquels Welles a pu opposer son action de théâtre et sa diction attention au style introspectif Méthode Stanislavski ses partenaires, Paul Newman, Joanne Woodward et Anthony Franciosa[124].

La Soif du mal

Orson Welles
Orson Welles dans le rôle de Hank Quinlan, il La Soif du mal (1958)

« Quinlan est un personnage digne de Shakespeare, et peut être considéré comme la synthèse de nombreux » méchants « de la carrière de Welles: il a le pouvoir dictatorial de Kane, le sarcasme ironique Rochester, le manque de limites morales de Macbeth, la brutalité vulgaire de Renchler et sentimentalisme caché Varner. En outre, il y a un aspect de Quinlan qui le rend presque noble, même digne d'estime: son amour obsessionnel pour la justice. »

(Joseph McBride[125])

en 1958 Welles a accepté une affectation de Universal Pictures pour diriger et La Soif du mal, un film ambitions initialement modestes qu'il a prouvé, de l'avis des historiens du cinéma et de nombreux adeptes, comme un autre chef-d'œuvre de Welles[126], que là, il a trouvé son directeur artistique inépuisable, le recours à des plans de séquences longues, osant mouvements d'avions de grues et chariots délicate en douceur à assurer la continuité.

le célèbre mots d'ouverture de La Soif du mal, objet d'études dans les écoles de cinéma[127], Il est constitué par une longue séquence le plan d'introduction, qui Welles réalise d'une manière magistrale et au moyen de laquelle implique immédiatement le public, en fournissant un mécanisme de narration de tension émotionnelle forte, à partir de laquelle le spectateur peut prendre une multiplicité de directions sur la trame et sur les protagonistes personnages le film, mis à Los Robles, une ville à la frontière entre les États-Unis et le Mexique[128].

« Un homme place une bombe dans le coffre d'une voiture; une salle couple sur la voiture et se dirige vers la frontière américaine, tandis qu'un autre couple marchant la même route; les deux paires dépassent le lieu de contrôle mexicain et viennent aux États-Unis; la musique Henry Mancini, qui a maintenu en vie la suspens avec ascendant point culminant de la menace de la minuterie à la bombe, laissant le premier dialogues courts plan de son entre l'agent des douanes et les deux couples; en condensant les informations Welles présente le caractère de Vargas (Charlton Heston): Flic mexicain sur une lune de miel avec son épouse américaine Susan (Janet Leigh) ... Les mouvements de la machine d'avion, long precede de transport, saisissez les actions dans un cadre contemporain obtenu avec la séquence en temps réel du sol et non pas avec la rythmique ... La séquence de montage se termine par un ralentissement progressif dell ' l'action (plutôt qu'une exaspération canonique): même avec un baiser entre Vargas et Susan, l'action d'étanchéité finale typique. Il est en ce moment de détente dramatique que Welles off sur le contrechamp avec l'explosion de la voiture (un zoom fait encore plus rapide en coupant certains cadres)[128] »

Le flic ambigu Hank Quinlan, joué par Welles lui-même, reste l'un des personnages les plus mémorables de sa carrière d'acteur. Il est un chiffre qui a perdu son idéalisme juvénile et son honnêteté, et est réduit à mener des enquêtes superficielles et hâtives où il utilise seulement son expérience professionnelle passée pour construire des tests faux afin de répondre aux soupçons que, selon son l'intuition, se sont rendus coupables. Il est un caractère amoral et négatif étant donné que les caractéristiques physiques, de son obésité exagérée (Welles, déjà très graissés à l'époque, pour la partie, cependant, a eu recours à un rembourrage plus sous les vêtements[129]) Pour sa façon de brouiller la démarche, ses vêtements froissés, ses attitudes enfantines souvent sinistrement. Sa présence monumentale a été encore accentuée par des angles inhabituels de tournage de film à partir du bas[129]. Pourtant, à sa manière, Quinlan est aussi un sentimental derrière son amertume et son désenchantement cynique avec la société, cachant une profonde douleur, la fatigue et l'anxiété qui Welles parvient à interpréter afin de gagner la sympathie du public, malgré les aspects négatifs du caractère[129].

aussi La Soif du mal a été soumis à des changements de la production, mais est maintenant visible dans son intégralité, dans une version qui inclut quinze minutes de séquences, liées à la connexion des scènes et des explications qui ont été insérées par un autre administrateur (Harry Keller) Dans la phase de post-production du film. Mais il y a aussi des scènes qui ne figuraient pas au départ par Welles et sont utiles pour combler les lacunes narratives: un face-à-face le dialogue entre Welles et Heston et une scène à la fin, où Heston reflète sur ses intentions piège Quinlan[129].

Après une apparition dans Les racines du ciel (1958), Réalisé par John Huston, dans lequel il a joué Cy Sedgewick, un commentateur de la télévision grasse, Welles a participé dans le film compulsion (1959), Basé sur la célèbre affaire judiciaire Leopold et Loeb, où il a eu l'occasion de se produire dans un avocat d'interprétation incisive Jonathan Wilk, défenseur des deux personnages principaux (caractère inspiré par la figure du célèbre criminaliste Clarence Darrow), prononçant un discours passionné contre la peine de mort[130].

Le retour en Europe

Orson Welles
Orson Welles dans le film les Tartares

Après le bref intermède Hollywood, les pérégrinations professionnelles vivaces ont apporté Welles en Europe pour peloter à de nouveaux projets, comme le recours ordinaire à une compensation pour ses rôles d'acteur. Conscient de ne pas disposer de ressources suffisantes Welles a également fait usage de ses fonds personnels, ou a été forcé de se tourner vers les prêteurs atypiques peu fiables[131]. Au début de sixties Il est apparu dans des productions de costumes grossiers, tels que David et Goliath (1960) les Tartares (1961) et Marco le Magnifique (Le Dieu de l'Echiquier) (1964), Où son effort d'interprétation a été réduite au minimum[132]. Cependant, il a pu diriger et jouer dans un opéra de premier plan comme le processus (1962), L'adaptation de film de 'roman du même nom de Franz Kafka, film qui a finalement eu la chance de prendre personnellement soin de l'assemblage final sans interférence[119], et qui est avéré remarquable sous l'aspect visuel, avec la plupart des séquences filmées dans les locaux de l'abandon Gare d'Orsay de Paris[133], et Yougoslavie dans les bâtiments de 'époque soviétique[134]. En outre, il a participé à l'épisode ricotta, réalisé par Pier Paolo Pasolini, dans le film Ro.Go.Pa.G. (1963).

Falstaff

Merci au financement suisse et espagnol[126], Welles a pu couronner son vieux rêve, pour revenir à Shakespeare bien-aimé jouer le rôle de Falstaff (Campanadas à Medianoche, 1965), Donner vie au personnage dans lequel il se sentait à l'aise que dans tous les autres rôles shakespeariens qu'il avait joué pour le cinéma[135]. En alternant le chahut cialtroneria la vulnérabilité délicate, Welles a donné l'une des meilleures performances de sa carrière. Son Falstaff aime profondément la vie, le plaisir et la vantardise et son destin aura une triste fin, quand il sera désavoué par le prince Hal, qui est devenu roi, qui était son compagnon de plusieurs polisson de collège et maintenant leur amitié nie Madames[136].

« Plus j'ai étudié la partie, il semblait moins joyeux. Cette question qui me préoccupe, tout le temps du tournage ... Je ne suis pas vraiment comme les scènes où ils sont tout simplement amusant. Il me semble que Falstaff est plus un esprit qu'un clown, ... est le personnage que je crois est plus, il est l'homme plus aimable dans le drame. Ses défauts sont des défauts récemment, et il raille. Il est aussi bon que l'or, comme le vin. Pour que je négligeais un peu le côté drôle du personnage: chaque fois que je jouais, je suis convaincu que de plus en plus que représente la bonté et la pureté "

(Orson Welles[137])

avec Falstaff, Welles a été acclamé en France et a remporté un prix spécial « pour sa contribution au cinéma mondial » à Festival de Cannes, où il a été accueilli du public et des critiques dall'ovazione. Aux États-Unis le film a été plutôt accueilli par des critiques mitigées et ont reçu une distribution à peine marginale[138].

histoire immortelle

en histoire immortelle (1968), Adapté d'un roman de l'écrivain danois Isak Dinesen, Welles retourne jouer l'un de ses personnages typiques tout-puissants, mais vouée à la solitude. Après Charles Foster Kane et M. Arkadin, même le riche marchand M. Clay est un solitaire en proie par le ressentiment, un personnage décadent qui doit faire face à l'amertume d'une vie sans amour et de frustration pour les effets corrupteurs de la richesse accumulée[139]. Clay a idée obsédante son intention de mettre en pratique, par exemple pour transformer en réalité la légende qui raconte l'histoire d'un homme riche qui est marié à une jeune femme, embauche un marin afin qu'ils se trouvent avec sa femme et de générer un héritier[140]. Son empressement à mettre en œuvre le projet l'a amené à engager une prostituée locale (Jeanne Moreau), Et un jeune survivant qui, le lendemain matin, Clay refuse l'argent et lui dit qu'il ne dira jamais ce accadutogli dans la nuit. Frustré parce que les événements qui ont recréés jamais atteindre leur public, Clay meurt victime de sa propre omnipotence et le désir échec de l'immortalité[141].

Financé en partie par la télévision française, mais pour la projection publique dans les cinémas[142], histoire immortelle est un travail bizarre que Welles a réalisé avec une grande délicatesse et l'ironie philosophique de fiction sa maturité artistique[139], présentant comme une histoire au sujet des tons éternité et inhabituellement modéré que ses œuvres précédentes[141].

Les dernières années

Parmi les apparitions dignes de Welles pendant la note sixties, de se rappeler que le rôle de Le cardinal Wolsey en Un homme pour toutes les saisons (1966) de Fred Zinnemann. Dans les robes de cardinaux, arborant un sourire diabolique, les paupières lourdes et physique débordante, Welles a exprimé une grande intensité à Wolsey, l'homme spirituellement corrompu qui fait face à la fin désespérément la mort, le seul ennemi contre lequel son habileté politique est impuissante[143].

Déjà vainqueur d'un oscar en 1942 pour le meilleur scénario original pour Citizen Kane, Welles dans sa carrière a remporté quatre nominations, et 1971 Il a été décerné par 'Académie des arts et des sciences (L'organisation qui préside à l'attribution des Oscars) avec un prix Lifetime Achievement « Pour l'art superlatifs et la polyvalence démontrée dans la création de films »[144]. Dans la même année, elle a joué dans Dix jours incroyables (1971), Transposition curieuse européenne d'un célèbre roman jaune de Ellery Queen. Claude Chabrol, directeur du film et toujours admirateur de Welles, lui confie les riches et décrépit Theo Van Horn, concevoir le film comme une sorte d'hommage à Welles et recueil de sa carrière[145]. Le personnage de Van Horn vit dans un palais dans le style de Xanadu (comme Kane Citizen Kane), Il est dominé par la jalousie (comme Othello) Pour la relation entre la jeune femme et leur enfant (mettant en vedette Anthony Perkins, par Welles directe auparavant, il le processus), Et elle a fait une carrière d'une manière mystérieuse (comme Mr. Arkadin Rapport confidentiel)[145].

Grand travail de ces années, il était aussi le documentaire F for Fake (1973), Où le directeur a exploré la nature illusoire de son art[146], d'aborder la question des contrefacteurs et la validité des 'compétence dans le domaine des arts visuels, le cinéma et l'écriture, sur la base du chiffre de Elmyr de Hory, un faussaire hongrois succès, de sa propre expérience et celle de Clifford Irving, biographe de de Hory[147]. Il se tourna même le tournage d'Othello (1978), Un documentaire où le traitement a rappelé trouble et d'aventure du film Othello et il a dit une partie de sa biographie[118].

De constitution forte à la naissance, Welles a atteint un certain degré de obésité avec les années[72], et il a dû faire face même avec des problèmes cardiaques[148]. au cours de la soixante-dix apparu dans de nombreuses campagnes publicitaires de nourriture, en particulier la vins, faire un témoignage de la marque Veuve Clicquot sur les pages des magazines, et une publicité télévisée de « Vins Paul Masson », un vin de marque californienne[149], consolider sa réputation gastronomique (également évident dans le film documentaire F for Fake) Et playboy.

Orson Welles est mort dans le bien-aimé / détesté Hollywood, pour un crise cardiaque, 10 Octobre 1985, le jour même de la mort de Yul Brynner, Une autre légende du cinéma américain. La veille, elle avait enregistré un épisode de télévision Griffin Afficher Merv, où il a joué dans un prestidigitateur habile[150]. Aux États-Unis, les réactions à sa mort étaient nettement différentes de celles du reste du monde extérieur de l'Amérique, tandis que les avis de décès mis l'accent sur les réalisations artistiques de Welles dans près d'un demi-siècle, dans son propre pays les commentaires principalement vertevano une carrière en début spectaculaire suivi de quarante ans d'activité intermittente et chargés en permanence par le spectre de la faillite[151].

Les cendres du Welles reposent dans Ronda (Espagne), Le hacienda (Ferme) qui était la résidence du toréador Antonio Ordoñez et où dix-neuf ans Welles a passé quelques mois au cours de ses pérégrinations de jeunesse[152].

Les projets inachevés

Orson Welles
page Titre du don Quichotte de Miguel de Cervantes

« Je suis juste un pauvre gars qui essaye de faire des films »

(Orson Welles[153])

don Quichotte

Au cours de sa carrière, Orson Welles n'a pas pu terminer plusieurs projets, ce qui a été contraint d'abandonner des problèmes de fabrication. en plus de Tout est vrai, aussi don Quichotte et la dernière De l'autre côté du vent Ils sont restés légendaires œuvres inachevées. Le premier est un projet de Welles de télévision prises immédiatement après la prise de vue Rapport confidentiel, avec des plans pour tester des techniques innovantes que ses méthodes traditionnelles, ou en laissant les acteurs de la liberté de l'improvisation, en plus d'apparaître comme lui-même à la fois en tant que narrateur qui a joué avec Francisco Regueira, Akim Tamiroff et Patty McCormack. Welles, qui avait la durée initialement prévue du film entre 75 et 80 minutes, il a rencontré des difficultés de plus en plus pour terminer le travail parce que, comme il l'a dit, il ne s'emporté, alors que les idées ont continué à le faire progresser dans le projet et à l'étirement. "Beaucoup est arrivé à moi Cervantes qu'il a commencé à faire une histoire et a fini par écrit don Quichotte. Il est un sujet qui a commencé une fois ne peut plus quitter»[154].

Mais lui-même est venu déclarer que "Il est vraiment un film difficile. Je dois aussi dire que c'est très long; Je dois tourner encore ne contribuera pas à compléter les images: avec le matériel existant pourrait tenir trois films [...] La chose curieuse est que « Don Quichotte » a été filmé avec une équipe de six personnes. Ma femme (Paola Mori) était la « fille de script », le pilote a été mise en place des lampes, je dirigeais, je faisais les lumières et l'opérateur en deuxième position. Seulement à travers la caméra, vous pouvez garder un oeil sur tout»[154].

don Quichotte, mise en jachère puis repris au cours de 14 ans, il restera définitivement inachevé et son incapacité à conclure un tourment professionnel pour représenter Welles, tenant se accrocher à l'œuvre tout au long de son existence[4]. Seulement plusieurs années plus tard, le film (malheureusement détériorée images par temps) sera en Espagne selon remonta à Welles notes et présenté au Festival de Cannes en 1992[4].

De l'autre côté du vent

en 1970 Welles a commencé à tirer De l'autre côté du vent, avec la collaboration d'autres personnages connus comme l'artiste croate Oja Kodar (Son dernier partenaire de vie), son ami Peter Bogdanovich, John Huston, Norman Foster, Susan Strasberg, Joseph McBride, mais la production a été suspendue à plusieurs reprises en raison des problèmes de financement habituels qui se sont réunis régulièrement Welles. Le sujet du film est très différent des questions habituellement abordées par Welles, et raconte la dernière nuit de J.J. « Jake » Hannaford (Huston), un ancien de l'ancien directeur de l'école qui, pour tenter de rester à flot, est le tournage d'un budget du film, extrémiste, avec la nudité. Le caractère du directeur, en dépit d'être hétérosexuel, tombe de son protagoniste. Comme l'a déclaré McBride, le film reflète non seulement la question de l'homosexualité, mais il faut essayer d'expliquer la vision de Welles en ce qui concerne la relation entre l'acteur et metteur en scène, y compris « l'homme » et « Dieu ». Ce film, dit McBride, "est le 'Welles, une méditation sur l'art et l'artisanat du cinéma»[155].

De l'autre côté du vent Il n'a jamais été achevé, bien plus tard, le réalisateur Peter Bogdanovich a déclaré son intention d'y mettre fin en indiquant la date de sortie 2009[156]. Bogdanovich, Welles a demandé qui, au moment de terminer le film "si quelque chose arrive à moi"[157], puis il a déclaré qu'il essayait de le tuer afin de le présenter à Festival de Cannes en 2010[158], mais récemment la sortie possible a été annoncée à l'occasion du centenaire de la naissance de Welles, 6 mai 2015[159].

Autre film inachevé par le grand metteur en scène, un travail considéré comme perdu, était Le Marchand de Venise Welles a déclaré que le vol du négatif. Le film, à l'occasion de la Venise 2015 du Festival et la célébration du centenaire de la naissance du réalisateur, a été reconstruite à partir de quelques découvertes fortuites au « Fonds Welles » Oja Kodar (le dernier compagnon de directeur) le script a été trouvé film original et notes sur la bande originale Angelo Francesco Lavagnino; copie partielle du film, avec presque tous les coups, a été retrouvé plus tard par Cinemazero de Pordenone et d'autres fragments ont été récupérés dans les archives du Filmmuseum Monaco de Bavière, de Cinémathèque française et Cineteca di Bologna[160][161].

apparitions spéciales

« Ici, je suis un banlieusard. Je vais là où il y a du travail comme cueilleur de fruits. Tout ce que je besoin est un sourire d'encouragement et une proposition, et je serai bientôt, avec le premier plan. »

(Orson Welles Saturday Evening Post, 8 décembre 1962[162])

Comme expliqué plus haut, tout au long de sa carrière Orson Welles a été forcé de jouer beaucoup de petits rôles dans plusieurs films et productions, souvent de faible niveau artistique, pour être en mesure d'obtenir les ressources financières nécessaires pour produire leurs propres projets. Elle est apparue dans plusieurs films réalisés par d'autres cinéastes, des émissions de radio, des enregistrements de parties parlées dans la musique, en soixante-dix Welles se trouva à la télévision sa principale source de revenus[163], devenir un invité régulier à des émissions de télévision les plus populaires[164], comme le montrent Dick Cavett, de David Frost et Johnny Carson, et il est apparu à plusieurs reprises dans Le Dean Martin Voir[147]. Il a récité Shakespeare à la moindre occasion se présentait, et il était dans un épisode de la série Dean Martin, en 1967, où il a eu lieu dans une interprétation impromptue mobile de Shylock (pas de maquillage et portant un smoking) par Le Marchand de Venise[165].

Welles a fait deux apparitions spéciales, comme le narrateur, dans deux chansons de groupe de metal épique Manowar: dark Avenger (à partir de bataille Hymnes[166]) et défenseur (à partir de La lutte contre le monde[167]).

Il est également crédité de certaines parties racontés dans le premier album Alan Parsons Project Tales of Mystery and Imagination - Edgar Allan Poe[168].

en série télévisée Magnum, P.I. Robin Masters exprimé par Orson Welles[169]. L'identité du mystérieux maître devrait être révélé dans le dernier épisode de la série et Welles aurait enfin montrer son visage, mais il est mort d'un arrêt cardiaque quelques semaines de tournage[170].

Dans le film d'animation Transformers: Le film, Welles voix du Unicron terrifiant et mystérieux, une planète qui se nourrit d'autres planètes, il se transforme en un énorme robot et a la capacité des pouvoirs inconnus; le film a été libéré environ un an après la mort de l'acteur, en 1986[169].

radio

premiers travaux

  • Les Misérables (1937 dans plusieurs épisodes)

Le Théâtre Mercury sur l'Air (1938)

  • Dracula (11 Juillet)
  • Treasure Island (18 Juillet)
  • Un conte de deux villes (25 Juillet)
  • Les 39 étapes (1er Août)
  • Je suis un poisson / la fenêtre ouverte / My Little Boy (8 Août)
  • Abraham Lincoln (15 Août)
  • Les affaires d'Anatole (22 Août)
  • Le comte de Monte-Cristo (29 Août)
  • L'homme qui était jeudi (5 Septembre)
  • Giulio Cesare (11 Septembre)
  • Jane Eyre (18 Septembre)
  • Sherlock Holmes (25 Septembre)
  • Oliver Twist (2 Octobre)
  • Hell On Ice (9 Octobre)
  • dix-sept (16 Octobre)
  • Autour du monde en 80 jours (23 Octobre)
  • La guerre des mondes (30 Octobre)
  • Au cœur des ténèbres / vie avec le père / des Mages Cadeau (6 Novembre)
  • Un passager à Bali (13 Novembre)
  • The Pickwick Papers (Nov. 20)
  • Clarence (27 Novembre)
  • Le Pont de San Luis Rey (4 Décembre)

Campbell Playhouse (1938-1940)

  • Rebecca (9 Décembre, 1938)
  • A Christmas Carol (23 Décembre, 1938)
  • Conseiller-at-Law (6 Janvier 1939)
  • Les Révoltés du Bounty (13 Janvier, 1939)
  • J'ai perdu mon Girlish rire (27 Janvier 1939)
  • Arrowsmith (3 Février 1939)
  • La Déesse verte (10 Février 1939)
  • La clé de verre (10 Mars 1939)
  • Beau Geste (17 Mars 1939)
  • Showboat (31 Mars 1939)
  • le Patriot (14 Avril 1939)
  • vie privée (21 Avril 1939)
  • Wickford point (5 mai 1939)
  • notre ville (12 mai 1939)
  • The Bad Man (19 mai 1939)
  • Choses que nous avons (26 mai 1939)
  • Queen Victoria (2 Juin, 1939)
  • Peter Ibbetson (10 Septembre 1939)
  • Ah, Wilderness (17 Septembre 1939)
  • Ce que chaque femme Knows (24 Septembre 1939)
  • Comte de Monte-Cristo (1 Octobre 1939)
  • Alger (8 Octobre 1939)
  • évasion (15 Octobre 1939)
  • Liliom (22 Octobre 1939)
  • La Splendeur des Amberson (29 Octobre 1939)
  • l'ouragan (5 Novembre 1939)
  • Le Assassiner de Roger Ackroyd (12 Novembre 1939)
  • Le Jardin d'Allah (19 Novembre 1939)
  • Dodsworth (26 Novembre 1939)
  • Lost Horizon (3 Décembre 1939)
  • Venessa (10 Décembre, 1939)
  • Il y a toujours une femme (Décembre 17, 1939)
  • A Christmas Carol (24 Décembre, 1939)
  • Vanity Fair (7 Janvier 1940)
  • Theodora se déchaîne (14 Janvier 1940)
  • la Citadelle (21 Janvier, 1940)
  • It Happened One Night (28 Janvier 1940)
  • M. Deeds (11 Février 1940)
  • Dîner à huit (18 Février 1940)
  • Seuls les anges ont des ailes (25 Février 1940)
  • Racaille in Arms (3 Mars, 1940)
  • Femme de Craig (10 Mars 1940)
  • Huckleberry Finn (17 Mars 1940)
  • June Moon (24 Mars 1940)

Teatrografia

Travaux dont Welles ne dirigé;[171]

dates d'ouverture

gate Theatre Dublin (1931-1934)

  • La Dame de la mer, de Henrik Ibsen,
  • Les Trois Sœurs, de Anton Cechov,
  • Alice au pays des merveilles USA

École tood, Woodstock (1934-1936)

  • chapeau mou, Gerald Du Maurier,
  • le ivrognes, M. Smith de Boston,
  • Hamlet, de William Shakespeare,
  • tsar Paul, Dimitri Merejewskij,

Pré-Théâtre Mercury (1936-1937)

  • William Shakespeare, Macbeth - 14 avril 1936, Lafayette Theater, New-York
  • Cheval Eats Hat de Eugène Labiche, Un chapeau de paille d'Italie - 26 septembre 1936, Maxine Elliott Theater, New York
  • Christopher Marlowe, Docteur Faustus - 8 janvier 1937, Maxine Elliott Theater, New York
  • Aaron Copland, Le deuxième ouragan (opéra) - 21 Avril 1937, Henry Street Playhouse, New York
  • Marc Blitzstein, Le berceau basculera (musical) - 16 Juin 1937, Théâtre de Venise, New York

Théâtre Mercury (1937-41)

  • Giulio Cesare - 11 novembre 1937, Mercury Theater, New York
  • Location du Cordonnier - 1 janvier 1938, Mercury Theater, New York
  • Heartbreak Maison - 29 avril 1938, Mercury Theater, New York
  • Trop Johnson - 16 août 1938, Stony Creek Summer Theatre, Connecticut
  • La Mort de Danton - 5 novembre 1938, Mercury Theater, New York
  • cinq Rois - 27 février 1939, Colonial Theater, Boston, Massachusetts
  • La Déesse verte - Juillet 1939, Théâtre Palace, Chicago, Illinois
  • native Son - 24 mars 1941, St. James Theatre, New York

Après la Seconde Guerre mondiale (1942-1960)

  • The Wonder Mercury Afficher - 3 août 1943, Mercury Wonder Tente, Los Angeles, Californie
  • Autour du monde en 80 jours - 27 avril 1946, Boston Opera House, Boston, Massachusetts
  • Macbeth - 28 mai 1947, Université Théâtre, Salt Lake City, Utah
  • Le Bienheureux et les damnés - 15 juin 1950, Théâtre Edouard-VII, Paris, France
  • Othello - 1 octobre 1951, le Théâtre Royal, Newcastle-upon-Tyne, Angleterre
  • La Dame dans la glace - 7 septembre 1953, Stoll Théâtre, Londres
  • Moby Dick: rodée - 16 juin 1955, le théâtre de Duke of York, Londres
  • Le roi Lear - 12 août 1956, City Center, New York
  • Falstaff - 13 février 1960, Grand Opera House, Belfast
  • rhinocéros - 28 avril 1960, Royal Court Theatre, Londres

Filmographie

icône Loupe mgx2.svg Le même sujet en détail: Orson Welles Filmographie.

films de long métrage réalisé par lui (hors co-diriger le film et ceux inachevés):

  • Citizen Kane (Citizen Kane) (1941)
  • La Splendeur des Amberson (Le fantastique Amberson) (1942)
  • l'étranger (L'étranger) (1946)
  • La Dame de Shanghai (La Dame de Shanghai) (1948)
  • Macbeth (Macbeth) (1948)
  • Othello (Othello) (1952)
  • Rapport confidentiel (M. Arkadin) (1955)
  • La Soif du mal (La Soif du mal) (1958)
  • le processus (Le procès-) (1962)
  • Falstaff (Campanadas à Medianoche) (1965)
  • histoire immortelle (Une histoire immortelle) (1968)
  • F for Fake (F pour Faux) (1973)

Prix ​​et distinctions

oscar

  • 1942: Meilleur film - Citizen Kane (Nomination)
  • 1942: Meilleur réalisateur - Citizen Kane (Nomination)
  • 1942: Meilleur Acteur - Citizen Kane (Nomination)
  • 1942: Meilleur scénario original - Citizen Kane (Won)
  • 1943: Meilleur film - La Splendeur des Amberson (Nomination)
  • 1970: Oscar d'honneur

BAFTA Awards

  • 1968: Meilleur acteur étranger - Falstaff (Nomination)

Festival de Cannes

  • 1952: Palme d'Or - Othello

Golden Globe Awards

  • 1982: Meilleur acteur de soutien - papillon (Nomination)

Festival du Film de Venise

  • 1947 Lion d'or - l'étranger (Nomination)
  • 1970: Lion d'or pour la vie

Grammy Awards

  • 1982: Meilleur spoken word Enregistrement - cerveau de Donovan

Prix ​​AFI Life Achievement 1975

les voix des acteurs italiens

dans les versions italien de ses films, Orson Welles était doublé par:

  • Emilio Cigoli en Citizen Kane, La Splendeur des Amberson, Journey into Fear, La porte interdite, Comptez seulement l'avenir, l'étranger, La Dame de Shanghai, Cagliostro, Le troisième homme, Prince of Foxes, The Black Rose, Le tyran de Glen, le processus, histoire immortelle
  • Corrado Gaipa en Falstaff, House of Cards, Tepepa, La Lettre du Kremlin, Dix jours incroyables, La Splendeur des Amberson (Ridoppiaggio)
  • Gino Cervi en Macbeth, Othello, David et Goliath, Le Roi des rois
  • Giorgio Capecchi en Long Hot Summer, La Soif du mal, Les racines du ciel, compulsion
  • Renato Turi en Rapport confidentiel, Moby Dick, les Tartares
  • Carlo Romano en Hôtel international, James Bond 007 - Casino Royale
  • Aldo Silvani en Duel au soleil
  • Mario Besesti en L'homme, bête et la vertu
  • Giorgio Bassani en Ro.Go.Pa.G.
  • Mario Bardella en Une personne sur 13
  • Roberto Villa en Journey into Fear (Ridoppiaggio)
  • Carlo Baccarini en La Soif du mal (Coupe du directeur)

notes

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  • Il est vrai (Tout est vrai), Réalisé par Orson Welles, Richard Wilson, Bill Krohn et Myron Meisel (1993)
  • La bataille Citizen Kane (La bataille Citizen Kane), Réalisé par Michael Epstein et Thomas Lennon (1996)

Articles connexes

  • Auteurs transgressifs dans le cinéma classique
  • Créatures célestes
  • Orson Welles Filmographie
  • Théâtre Mercury
  • Oja Kodar
  • Citizen Kane
  • De l'autre côté du vent

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liens externes

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