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L 'abstractionnisme est d'avant-garde artistique est né au début XX siècle, dans les zones d 'Europe loin à part, où il a développé pas d'intention commune. Ce terme fait référence à des œuvres Peintures et matières plastiques qui sont au-delà de la représentation objective de la vie réelle. L'art abstrait utilise un langage visuel de la forme, la couleur et des lignes afin de créer une composition qui peut exister avec un degré d'indépendance des références visuelles dans le monde[1]. L'art occidental était, de Renaissance jusqu'au 19ème siècle, marquée par la logique de perspective et la tentative de reproduire une illusion de la réalité visible. Mais l'accessibilité aux arts des cultures autres que celles européennes montrent d'autres façons de décrire une expérience visuelle aux artistes. Depuis la fin de nombreux artistes du 19ème siècle ont ressenti le besoin de créer un nouveau genre d'art qui comprend les changements fondamentaux qui se produisent dans la technologie, la science et la philosophie. Les sources dont les artistes ils ont extrait leurs arguments théoriques ont été diverses et reflètent les angoisses sociales et intellectuelles dans tous les temps des cultures occidentales[2].

abstractionnisme
fugue fugue, de Vasilij Kandinskij

Introduction historique et culturel

Nous sommes dans une période de plein industrialisation avec la naissance du premier syndicats. Dans le même temps, les États Européens Ils ont sauté dans colonisation des pays Africains et asiatique.

en philosophie les étatsirrationalisme de Sigmund Freud et Nietzsche, par opposition à la sérénité Belle Époque.

La diffusion de plus en plus large des systèmes de reproduction d'image, tels que photographie, Il réunit des artistes pour améliorer les caractéristiques de pointe qui sont inaccessibles à la nature mécanique ou une interprétation subjective du réel, propre et exclusive à l'artiste.

Ont été des expériences fondamentales fauvist et cubiste: Le premier exalté par l'usage non traditionnel de la couleur de l'humeur de l'artiste, tandis que le second poursuivait la simplification des formes selon l'ordre de la géométrie et de l'espace.

peinture abstraite

Le résumé est né du choix des artistes de refuser la représentation de la réalité pour faire ressortir leurs sentiments à travers des formes, des lignes et des couleurs. point de référence clé est le texte de Wilhelm Worringer Abstraction et empathie, la 1907, où l'art est interprété sur la base de 'intentionnalité artiste. Le formulaire est destiné à la suite de la rencontre entre l'homme et le monde, dans une succession de empathie, à-dire plus proche de la réalité, et abstraction, à savoir le rejet de la réalité.[3] Par le terme « abstraction » sont ensuite tirées souvent toutes les formes d'expression artistique visuelle non-figurative, où il n'y a pas de points d'ancrage qui permettent d'apporter l'image peinte à toute représentation de la réalité, même la médiation par la sensibilité de l'artiste comme dans le cas de impressionniste. Toutefois, dans certains sens avec des moyens « abstraits » (au sens étroit), la seule forme pure par des moyens de couleurs et de formes géométriques, comme dans les œuvres de Piet Mondrian, Josef Albers, Mauro Reggiani et Mario Radice, tandis que d'autres expériences non figuratives sont définies par leurs noms, tels que expressionnisme abstrait informel et similaires, Kandinsky a commencé par une peinture expressionniste avec la couleur pour accentuation passer à une peinture abstraite complètement dépourvu de figures reconnaissables (sa première aquarelle abstraite est 1910).

Abstraction en Italie

Les origines - Les premiers artistes abstraits

Les premiers, prématurés, des expériences en Italie la création d'œuvres d'art détachés de la représentation de la vraie date du début du XXe siècle avec des peintures visionnaires de Brescia Romolo romani à Milan, qui a été suivi par des peintures d'artistes futuristes, qui Ivo Pannaggi et au-dessus Giacomo Balla, ce dernier, en particulier avec une série de peintures appelées « interpénétration irisé » de 1912. Cependant, les expériences des Romains et la futurisme ne peut pas être vraiment abstraite, comme dans les peintures Romains il n'y avait pas une abstraction, mais si jamais une tentative de fixer les forces de la nature[4], tandis que dans l'idée futuriste de mouvement et de dynamisme abandonne jamais un fait figuratif de base étudié Balla objets qui apparaissent comme on le voit à travers la lentille d'un kaléidoscope tandis que le Pannaggi solide en trois dimensions ne sont que des jouets ou des mécanismes élargis, comme en témoigne parfois la représentation d'une intention de l'homme pour les assembler. Même les formes créées par Enrico Prampolini, abstraite en apparence, tirent leur origine des créatures organiques et les organismes vivants, mais dans le contexte dilatée et tailles. Abstraction réelle doit plutôt être comprise comme une pure harmonie détachée de toute reproduction du réel. Puis il y a eu l'expérience parisienne Alberto Magnelli qui a atteint une grande notoriété avec des compositions abstraites bien depuis 1915, influencée par la connaissance directe qu'il a eue avec le abstractionnisme de capiscuola. Magnelli, bien que l'italien, est resté à l'abri du débat artistique italien de l'époque parce qu'il vivait en permanence en France adhérant après la Première Guerre mondiale dans le groupe Abstraction-Création, association artistique fondée à Paris en 1931 par Herbin et Vantorgerloo pour promouvoir et soutenir les arts art non figuratif dans toutes ses tendances, de constructivisme neoplasticismo jusqu'à lyrique, à travers des expositions qui ont eu lieu dans le monde entier.

En Italie, les idées abstraites art pur ont été reçues assez tard, vers les années trente, mais transformées en formes d'une grande valeur artistique, qui a ouvert la voie à de nombreux mouvements les plus originaux de la fin du XXe siècle. Il y avait deux principaux groupes d'artistes peintres abstraits: les premiers, plus hétérogènes, menés par les théories exprimées par Carlo Belli dans le texte « Kn », réunis autour de la galerie « Il Milione » à Milan, et comptés les noms Mauro Reggiani, les jeunes Lucio Fontana, Atanasio Soldati et Luigi Veronesi, le deuxième, plus cohérente, est développé à Como inspiré par l'architecte Giuseppe Terragni et peintres Manlio Rho et Mario Radice, des artistes tels que notamment: Aldo Galli, Carla Badiali et Carla Prina. Bien sûr, étant donné la proximité entre Côme et Milan ont été fréquents échanges parmi les premiers artistes abstraits.

Le groupe de « Il Milione » pratiqué l'art plus « instinctive », selon le talent de Reggiani, qui a fait se déplace la géométrie des lignes obliques, et la synthèse très originale et colorée des formes faites par Osvaldo Licini. La galerie a accueilli en 1934 un personnel aussi Kandinsky recherché par l'architecte Alberto Sartoris, près Terragni; l'exposition a été vue certainement de Mario Radice qui a apporté le message à Côme, où, en présence d'un champ très fertile, mettre des fruits bientôt.

Como était la ville de la soie, et les concepts de style et de la modernité en couleurs étaient très présents. Manlio Rho avait dans sa bibliothèque les textes de Bauhaus, Kandinsky où il a enseigné jusqu'en 1932, Giuseppe Terragni Il a été retravaille déjà avec ses idées de génie architectural rationalisme et l'art d'étincelle Kandinsky a explosé dans la nouvelle et originale, avec une abstraction géométrique pur, apparemment près de la suprématisme Russe, mais en fait sans aucun doute italien.

Voici comment les champs géométriques pures de couleur dans les toiles de Rho, tranchantes comme des cristaux, mais, contrairement à la froideur cristalline, imprégné par chaleur qui manquait à suprématistes comme Malevic.

Le meilleur symbole de l'originalité de l'environnement Como est peut-être la célèbre « Casa del fascio » à Côme, créé par Terragni: rectangulaire en marbre blanc, lumière faite par les fenêtres et rythmique à l'origine peints à l'intérieur des géométries raffinées et colorées Racine . Pratiquement une transposition dans le courant de la clé de la mairie médiévale, fermé dehors et les fresques à l'intérieur, étonnantes pour la fraîcheur d'invention par rapport à l'architecture rhétorique lourde période « officielle » et pour l'avancement d'une esthétique qui prouvera aujourd'hui plusieurs décennies plus tard.

abstractionnisme
Gianni Dova photographié Paolo Monti. Fonds Paolo Monti, BEIC
icône Loupe mgx2.svg Le même sujet en détail: Manlio Rho, Mario Radice et Giuseppe Terragni.

informel

La phase de l'abstraction géométrique, maintenant apporté à la perfection par Rho et Radice en Italie et Mondrian et Malevitch en Europe, besoin d'un laissez-passer, et il est arrivé avec l'introduction de la loi. A la suite des idées de Pollock, Riopelle et Dubuffet, de nombreux artistes italiens ont développé un processus créatif où la couleur a été librement amené sur la toile avec un geste spontané. Les principaux exposants étaient informelles italien Emilio Vedova, Afro Basaldella, Piero Dorazio, Giulio Turcato, Toti Scialoja, Emilio Scanavino, Tancredi Parmeggiani, Achille Perilli, Alfredo Chighine, Mattia Moreni Rino Destino et Gastone Novelli.

spatialisme

Un aspect tout à fait original dans le mouvement italien est né de l'intuition de Lucio Fontana qui part du « Manifeste Blanco » écrit à Buenos Aires en '46 théorise une nouvelle relation entre la lumière, l'espace et la toile, jusqu'à ce que vous obtenez à l'acte révolutionnaire de « coupe ». En plus de la fontaine principale étaient spatialists Gianni Dova mais vous trouverez bientôt une façon personnelle, peut-être influencé par surréalisme, Mario Deluigi qui a exploré la possibilité de créer des étincelles de lumière sur la toile avec la technique de "grattage« Et au-dessus Roberto Crippa que dans les années cinquante toucha le sommet de son art en créant fantasmagoriques « Spirales » rappelle transposés orbites atomiques sur la surface de la peinture.

azimut

Lorsque vers la fin des années cinquante dégénérée informelles avec la « peinture industrielle » Pinot Gallizio qui a créé pour être vendus « compteur de peinture » sur des bandes de tissu, sont arrivées à échéance fois pour un saut quantique, ce qui a été accompli par réaction avec une remise à zéro totale, ce qui porte la pureté du blanc sur la toile qui a été éversée avec les rides, les ongles et les côtes seconde régimes froid et raisonnées, destinés à la recherche d'une nouvelle façon d'obtenir une image de la beauté, conçu par la lumière sur les surfaces peintes. Les principaux représentants de ce renouvellement ont été abstractionnisme Piero Manzoni, Enrico Castellani, Dadamaino et Agostino Bonalumi.

Art cinétique, Optique et art prévu

La dernière évolution de l'art abstrait en Italie a eu lieu dans les années soixante avec la recherche liée aux illusions d'optique et la tentative de l'œuvre d'art à un actif, capable d'interagir avec le spectateur au moyen d'images changeantes comme la les mouvements de ce dernier ou même le même cadre, déplacé par le vent ou par de petits moteurs. Les capiscuola étaient Gianni Colombo qui est consacré à l'étude des illusions en perspective, Alberto Biasi qui a exploré la possibilité de créer et de modifier des images et illusoires Getulio Alviani qui a inventé les « surfaces Texture vibratiles » exploiteuses les reflets en aluminium au sol. L'exposition d'art référence optique était « l'Responsive Eye » tenue en 1965 au MoMa à New York.

L 'Art cinétique Ce fut le dernier mouvement par l'acclamation unanime critique en Italie liée à l'abstraction. Pour d'autres artistes et le mouvement non-figuratif, toujours actif au début du XXIe siècle est le jugement à l'époque (2008) prématurée.

Peinture analytique

icône Loupe mgx2.svg Le même sujet en détail: Peinture analytique.

Né et développé dans les années soixante-dix et parfois appelé « peinture-peinture », il est proposé de procéder à une analyse des composants des matériaux de peinture (toile, cadre, matériel, couleur et signe) et la relation importante entre le travail comme un objet physique et son auteur. La peinture devient l'objet d'une enquête sur elle-même et perd référentialité que son lié à la réalité (dans la peinture figurative), expressivité (dans la peinture abstraite) et le sens sous-jacent (art conceptuel)[5][6].

Le monde de l'art abstrait capiscuola

abstractionnisme
Kazimir Malevich, Carré Noir, 1915, huile sur toile, Musée d'Etat russe à Saint-Pétersbourg

Vasilij Kandinskij

icône Loupe mgx2.svg Le même sujet en détail: Vasilij Kandinskij.

réaliser d'abord aquarelles entre l'abstrait 1910 et 1912, mais il n'a pas encore connu le texte de Worringer: plus tard, va tirer de ce terme abstrait, Il utilisera d'abord en référence à une œuvre de arte.I Ses peintures comportent souvent des couleurs vives et des contrastes tranchants. Ce qui est important est la relation avec le musique, mutuerà dont les titres de leurs œuvres: composition, improvisation, impression, même numéro que vous faites avec la musique, juste pour montrer le lien actif entre la musique et la peinture, l'artiste doit exprimer les sentiments et ne pas reproduire la réalité, c'est le principe de base qui distingue l'abstraction des autres avant-gardes du XX siècle.

Piet Mondrian

icône Loupe mgx2.svg Le même sujet en détail: Piet Mondrian.

A la suite du contact avec théosophie et cubisme, l'artiste arrive au refus de la nature à se réfugier dans la perfection spirituelle des formes abstraites. L'objet est synthétisée dans des lignes et des couleurs, mais à partir de formes réelles, jusqu'à atteindre le campiture géométrique couleurs primaires.

en 1917 Il a fondé le magazine de Stijl, qui devient le point de référence de la neoplasticism.

Kazimir Malevič

icône Loupe mgx2.svg Le même sujet en détail: Kazimir Severinovič Malevic.

Il a été le fondateur de la suprématisme. Il a été proposé d'atteindre la pureté absolue par la réduction extrême des éléments figuratifs, jusqu'à atteindre le paradoxe de Carré noir sur fond blanc.

Robert Delaunay

icône Loupe mgx2.svg Le même sujet en détail: Robert Delaunay.

Depuis 1912, il peint des œuvres abstraites de la série Rythmes circulaires et disques simultanés.

František Kupka

icône Loupe mgx2.svg Le même sujet en détail: František Kupka.

Klee Paul

icône Loupe mgx2.svg Le même sujet en détail: Klee Paul.

musique

Quand l'art visuel devient plus abstrait, il développe certaines caractéristiques de la musique: une forme d'art qui utilise des éléments abstraits du son et la signature de temps. Wassily Kandinsky, lui-même un musicien, a été inspiré par la possibilité d'avoir la couleur associative bourdonnements dans l'âme. L'idée a été proposée par Charles Baudelaire, qui a dit que tous nos sens répondent à divers stimuli, mais les sens sont reliés à un niveau esthétique plus profond.

Étroitement liée à cela est l'idée que l'art a une « dimension spirituelle » et peut transcender l'expérience de « tous les jours » pour atteindre un niveau spirituel.

La Société Théosophique a popularisé l'ancienne sagesse des livres sacrés de l'Inde et la Chine dans les premières années du siècle. Il est dans ce contexte que Piet Mondrian, Kandinsky, Hilma af Klint et d'autres artistes se sont intéressés à l'occulte, considérée comme un moyen de créer un objet « interne ».

Les formes universelles et intemporelles ont été trouvées dans la géométrie: le cercle, le carré et le triangle sont devenus les éléments spatiaux de l'art abstrait; ces formes sont, comme la couleur, les systèmes de base qui sous-tendent la réalité visible.

documentaires

  • peintres Peinture Emile de Antonio (1973)

notes

  1. ^ Rudolph Arnheim, La pensée visuelle, University of California Press, 1969.
  2. ^ Mel Gooding, Art abstrait, Tate Publishing.
  3. ^ Martina Corgnati, Francesco Poli, Dictionnaire du XXe siècle
  4. ^ Luciano Caramel, Commentaire sur l'exposition de Romolo Romani, Brescia, 1997
  5. ^ Alberto Mugnaini, Peinture analytique, en flash Art, nº 273, Décembre 2007 - Janvier de 2008. Récupéré le 25 Février, ici à 2015.
  6. ^ Katia Caloi et Sandro Orlandi, Peinture analytique, sur http://www.artantide.com/. Récupéré le 25 Février, ici à 2015.

bibliographie

  • Michel Seuphor, Résumé Peintres, Basic Books, New, 1962
  • Martina Corgnati, Francesco Poli, Dictionnaire du XXe siècle, Mondadori, Milan, 2001, ISBN 88-424-9653-7
  • Divers auteurs, art, Mondadori, Milan, 2000, ISBN 88-04-47995-7
  • histoire de l'art contemporain en Italie, Renato Barilli, Bollati Basic Books, Torino, 2007
  • D'art d'après-guerre entourloupettes italienne, Adachiara Zevi, Einaudi, 2005
  • Martina Corgnati Egypte. Profil de l'art moderne et les pays méditerranéens contemporains, Mesogea, Messina, 2009 ISBN 978-88-469-2077-5
  • Guide de l'art moderne, Roberto Salvini, Aldo Garzanti, 1956
  • Les dernières tendances de l'art d'aujourd'hui, du décontracté au néo-objet, Gillo Dorfles, Feltrinelli, 1999

Articles connexes

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liens externes

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